I prigionieri ateniesi liberati dai Siracusani furono i primi cantastorie della Sicilia

Il Fazello, nella sua Storia di Sicilia scritta verso il 1500, ci narra come ottocento anni dopo la rovina di Troia i Siracusani ottennero la strepitosa e insperata vittoria contro le truppe e contro i navigli Ateniesi, attorno, e nelle acque del nostro porto grande. Dopo quella vittoria "  continua il Fazello" molto prigioni Ateniesi per aver insegnato a loro padroni far versi, ottenevano per merce della libertà; e non mancavano di quelli, dopo questa  rotta, che andava cantando versi per diversi luoghi della Sicilia per guadagnare il vitto. La citazione del Fazello è molto importante poiché ci conferma come l’origine dei “cantastorie” si perda nell’affascinante girandola dei secoli. Dunque, molto probabilmente, i prigionieri ateniesi liberati dai Siracusani, sensibili alla poesia, furono i primi « cantastorie » della nostra isola e il Teatro dei Pupi ne è il diretto discendente poiché trae le sue origini, appunto, dai cantastorie girovaghi. Ma le testimonianze più valide e più vicine al nostro al tempo rimangono quelle del Pitrè: celebre folklorista palermitano il quale scrisse più di chiunque altro sulla nostra terra. Il suo primo studio sui canti popolari siciliani, fu edito nel 1868. In seguito scrisse Canti popolari di terra d’Otranto raffrontati con quelli di Sicilia, e,  La vita di Palermo cento e più ali. Ma dalla sua geniale penna lievitò anche un’opera, in venticinque volumi intitolata: Biblioteca delle tradizioni Siciliane: opera ciclopica, fondamentale per la conoscenza del popolo siciliano. L’Opera dei Pupi è dunque patrimonio prettamente siculo ed ebbe il suo maggior splendore nel secolo scorso. Però, verso la fine del settecento a Palermo vi era già un’opera allestita da Domenico Scaduto e di quel  periodo non se ne conoscono altre operanti nelle altre zone della  Sicilia. Fu solo verso il 1835 che il Teatro dei Pupi raggiunse uno sviluppo eccezionale e le rappresentazioni con i personaggi costruiti in legno e rivestiti con armature metalliche, sbalzate e cesellate da abilissimi maestri, conquistarono il cuore, la fantasia e la natura cavalleresca dei siciliani. I Teatri dell’Opera dei Pupi sorsero in molti centri della Sicilia; da ricordare il Teatro Macchiavelli di Catania il quale, dopo i primi anni del nostro secolo, messi da parte i pupi, ma non dimenticati, riaccese le luci della sua famosa ribalta sui creatori del Teatro dialettale siciliano: Giovanni Grasso e Angelo Musco. Il Pitrè, nel suo libro Usi e Costumi, cita " l’attività di 19 opranti in tutta la Sicilia, meno che a Siracusa, dove gli opranti non hanno un Teatro stabile. Rilevo però con piacere, da un articolo di Antonio Uccello, apparso recentemente su La Sicilia di Catania che, da una sua inchiesta, " ristretta nell’ambito della provincia di Siracusa " ha rilevato come " non  sia stato paese che non abbia avuto un suo spettacolo ad opera di pupari. " Comunque,  l’ondata delle nuove « storie » e dei nuovi guerrieri accese sempre più la fantasia popolare. Pupari e « cantastorie » divulgarono con grande passione le nuove leggende cavalleresche i cui protagonisti si agitano, vivano e muoiano da vili e da eroi nelle tremilanovecentoventidue pagine dei Paladini di Francia, scritte dal palermitano Giusto Lodico. E mi sembra importante rilevare come lo sviluppo del Teatro popolare cavalleresco coincida, nella nostra isola, con la trasformazione iconografica dei famosi carretti, i cui pittori e i cui carradori affascinati dalla vivacità delle storie, e dalla spavalderia e dalla lealtà dei Paladini di Francia, fecero passare in secondo ordine gli antichi eroi, già sfruttati nella decorazione sia scultorea che pittorica dei tipici  carretti siciliani. Personalmente, a Siracusa, ricordo il Teatro di don Ciccia Puzzu. Correvano allora gli anni trenta ed ero un ragazzino alle prime uscite di casa ed ogni strada, vista per la prima volta, almeno a quei tempi, sembrava una insperata conquista verso I’indipendenza. Ricordo che ogni giorno, allargavo il cerchio delle mie esplorazioni in Ortigia, verso il dedalo di viuzze che erano al posto dell’attuale Corso Matteotti. Finché un giorno, fattomi più spavaldo, raggiunsi Piazza Archimede. E mentre guardavo affascinato la Fontana di Diana, passò un manipolo di ragazzi armati di durlindane, scoltellate alla buona da pezzi di legno, che facevano roteare minacciosamente, gridando a tutta gola - Olà – zi – za -. Tolsi lo sguardo dagli zampilli della fontana e li guardai incuriosito ma anche entusiasmato dalla foga dei loro finti duelli e dalle loro grida. E li seguii, attratto e conquistato, e poco dopo, superato il primo tratto di Via Maestranza li seguì ancora a sinistra, e mi trovai di fronte ad un portoncino marrone. Non ricordo se feci il biglietto, ma ricordo il bacca­no assordante che trovai nella sala del Teatro: un locale piccolissimo, arredato con vecchi banchi cigolanti in cui vecchi, giovani e ragazzi, in attesa dell’inizio dell’Opera, esternavano tutta la loro impazienza chi gridando, chi bevendo gassose, (quelle con la chiusura a pallina di vetro), chi commentando a gran voce e con ampi gesti i particolari e le impressioni della « puntata » precedente. E quando la voce del puparo dominò solenne sulla scena il silenzio calò sulla platea come per magia. Ben presto il balenare delle durlindane e il luccichio delle armature si tramutò in colpi mortali che mandarono all’altro mondo numerosi saraceni. E il puparo nella foga della recitazione, rievocando non so quale battaglia disse che Orlando con un sol colpo di durlindana aveva staccato diverse dozzine di teste, provocando la reazione della platea con sonori "Cala ran Cicciu " Cala ran Cicciu! Con una scia di inevitabili fischi e di pernacchie. Questo fu il mio primo indimenticabile incontro con il favoloso Teatro di Don Cicciu Puzzu. Ma guardiamo un po’ cosa accade dietro le quinte dei superstiti Teatri dei Pupi. Il puparo naturalmente è il deus ex macchina . Egli costruisce i suoi Pupi, ne dipinge i volti, prepara il canovaccio dello spettacolo, cura la regia, dipinge i cartelloni, muove i fili dei suoi personaggi durante le recite, li anima con la sua voce. La sua abilità e la sua fantasia sono messi a dura prova ma egli, come Orlando, supera sempre ogni difficoltà e ne esce vittorioso. Naturalmente, il puparo si avvale anche della collaborazione di altri ma di solito sono suoi familiari, coinvolti nella stessa passione. Un mondo particolare quello dei Pupi e dei Pupari sostenuto dalla passione per i simpaticissimi personaggi fatti di legno e di sacrifici, di metallo e di amore, di colore e di avventura.  Ma è un mondo di favole antiche ormai distrutto. James Bon ha sostituito la spumeggiante epopea degli antichi eroi e gli Orlando e i Rinaldo non fanno pi gridare " Oli - di – zà. La bomba atomica ha preso il posto delle romantiche e fragili durlindane coltellate dei ragazzi. La sua abilità e la sua fantasia sono messi a dura prova ma egli, come Orlando, supera sempre ogni difficoltà e ne esce vittorioso. Naturalmente, il puparo si avvale anche della collaborazione di altri ma di solito sono suoi familiari, coinvolti nella stessa passione. Un mondo particolare quello dei Pupi e dei Pupari sostenuto dalla passione per i simpaticissimi personaggi fatti di legno e di sacrifici, di metallo e di amore, di colore e di avventura. Ma è un mondo di favole antiche ormai distrutto. James Bond ha sostituito la spumeggiante epopea degli antichi eroi e gli Orlando e i Rinaldo non fanno pi gridare " Oli - di – zà. La bomba atomica ha preso il posto delle romantiche e fragili durlindane coltellate dei ragazzi. Le antiche clessidre si sono frantumate e non segnano più il tempo della nuova storia: il vento ha portato via le dorate sabbie di un mondo tramontato.La favola è finita. Ma sarebbe un mondo da salvare per dare alle nuove generazioni le lezioni di coraggio, di cavalleria e di lealtà che, forse, solo i Pupari di legno sanno insegnare.

Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 8/3/1970

 

Italiani, brava gente

Noi italiani siamo esseri stranissimi, veri grattacapi per gli studiosi di psicologia. Ormai, ci conoscono in tutti i punti cardinali ed è difficile stabilire se la bilancia penda dal piatto della simpatia verso di noi o dall’altro, che potrebbe essere pieno di ben altra roba. E’ la nostra natura di introversi e di estroversi, di egoisti e di generosi, di patrioti e di esterofili allo stesso tempo che rende problematica una obiettiva valutazione. Condanniamo speculatori, ladri, strozzini e simpaticamente li assolviamo nelle nostre morbide coscienze. Aiutiamo i popoli depressi e filosoficamente ci dimentichiamo delle nostre aree depresse della nostra povertà. Ci facciamo cacciare dalla Libia come cani rognosi e reagiamo come esauriti fisici e mentali.  L’ansietà esistenziale ci porta a legarci con catene nei Grandi Magazzini di Mosca e poi piangiamo come coccodrilli per la condanna dei responsabili. Digeriamo tutto, tasse comprese, con una tranquillità e una comprensione commoventi; magari ingozzandoci di bicarbonato. Per nostra consolazione vituperiamo gli arteriosclerotici colonnelli greci. Per la lacrima facile piangiamo, afflitti, i poveri vietnamiti i quali, a parte i bambini e i dementi, sono una masnada di sanguinari farabutti fratricidi. Oppure, tanto per cambiare, perdiamo il nostro tempo nei bar e nelle piazze e negli stadi per contare i gol di un Gigi Riva o di qualche nababbo. Siamo capaci di immergerci fino ai capelli in labirintiche problematiche, mentre viviamo di illusioni che si frantumano giornalmente come cristalli. Curviamo le nostre schiene con una facilità spaventosa di fronte a chiunque alzi la voce e si sieda su una poltrona di pelle. Viviamo all’ombra di questo e di quello per ripararci dalle... insolazioni o per vivere al tepore dei raggi riflessi da certi personaggi della vita pubblica, per trarne temporanei vantaggi che spesso ci fanno illudere di essere grandi e potenti. Noi italiani amiamo il potere e la gloria e per raggiungerli siamo capaci di uccidere il nostro « io »; di scendere tutti i gradini della nostra dignità di esseri umani. Affidiamo la nostra sdrucciolevole politica in mano a equilibristi capaci di qualsiasi spericolata esibizione, pur di mettere le mani alle redini del biroccio, tanto, in quanto a pazienza ne abbiamo da vendere e tutti sono autorizzati ad attingerne. Non dimentichiamoci che dal 1946 ad oggi, di governi, dentro questo nostro demo rattoppato stivale ne abbiamo avuti più di trenta, governi balneari compresi. Ma, se dalla politica statale passiamo alla politica locale il labirinto si interseca e sprofonda nelle viscere più tenebrose e più maleodoranti. Così tiriamo avanti, appesi ai fili come marionette nelle mani di pupari che fanno il buono e il cattivo tempo e sempre sotto la minaccia di vederci tagliare i fili (leggi pane). I nostri particolari, italianissimi agenti patogeni assaltano continuamente là nostra psiche così che di volta in volta o addirittura durante una stessa giornata, possiamo essere filo cinesi, filo russi, filo americani, filo ebrei o filo egiziani. ma, filo tutto, meno che filo italiani.

Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 1971



Kitsch, le cose belle di pessimo gusto

“Le cose belle di pessimo gusto”.Una frase fatta per definire, appunto, tutte quelle co­se che fanno a pugni con il buon gusto. Con l'apertura del linguaggio corrente, verso forme ed espressioni che vogliamo definire disinvolte, la frase anzidetta si abbrevia " per meglio dire " si trasforma in  “cose pacchiane”.Tuttavia, con lo sviluppo della sempre più radicata mania esterofila di noi italiani, siamo giunti all’uso di una antica parola tedesca: - “Kitsch” (si legge come si scrive) che significa ” immagine del gusto sbagliato” o, " a nostro avviso " la naturale percezione di qualcosa che il gusto di certi individui, educati e sensibili all’arte e alla pura bellezza, rifiuta senza mezzi termini.
Ma non è che le vecchie frasi fatte siano cadute completamente in disuso. Tutt’altro. C'è chi a proposito o a sproposito le sciorina ancora.
“Kitsch” dunque è legato a tutto ciò che sa di gusto grossolano, e cadere nel “Kitsch” è più facile di quanto si creda, da parte di qualunque essere umano e a qualsiasi casta appartenga.
Tutto, se supera appena il buon gusto diventa
“ Kitsch”  e non solo gli oggetti, ma gli atteggiamenti e i modi di comportarsi. Ad esempio, il signor Prometeo che ostenta al dito un grosso brillante. Il barista Apollo che gira in Mercedes. La signora Afrodite che, malgrado l’adipe, sfarfalla in super minigonna. Il settantenne insaccato nel giubbotto di pelle, pieno di lucide chiusure lampo. La moglie del ragioniere Zeus sommersa dal cappotto di visone, barattato con un paniere di altri animaletti da molti chiamati “farfalle”.
La solita cartolina estiva spedita dalla stessa persona da ogni città; da ogni borgo o sobborgo. L’impiegato Ulisse che sfoggia troppi vestiti. L’antenna dell’auto troppo alta. Le stampe autoadesive attaccate al lunotto posteriore: e le altre tipo “ Paraurti vergine”,
” Se mi tocchi mi solletico”  “ Se mi vedi allontanati” , e ancora, “ io faccio sempre... il pieno!”, “ Vado diritto e faccio... centro”  e così via con simili cretinate.
Naturalmente, il discorso potrebbe continuare all’infinito, perchè infinite sono le cause e gli effetti che portano al “ Kitsch”.
Al limite, possiamo affermare che gli sceicchi, mettendo in atto il ricatto petrolifero, così come è stato attuato, sono anch'essi sdrucciolati nel Kitsch.
Ma, tutto sommato, ognuno ha il kitsch che si merita.

Mario Fontana
La Pentapoli 31/1/1974

 

L'acciaio nell'arte

Il progredire della tecnica e l’eccessiva meccanizzazione della civiltà consumistica " che ci ritroviamo fra le mani " ha trasformato il «gusto» e sotto certi aspetti, confuso le idee anche nel campo delle arti generando sospetti malintesi e deformate interpretazioni. Ma la tecnica " importante sottolinearlo " è lo «strumento» indispensabile all’evoluzione di qualunque branca dell’attività umana, tuttavia all’artista deve (o dovrebbe) servire non per strumentalizzare l’arte, ma per creare opere d’arte. Ed è risaputo che la necessità dl sperimentazione, lo spirito di ricerca sono inscindibili dall’evoluzione della tecnica quindi, entro limiti etici, anche dallo sviluppo a spirale dell' estetica, essendo impossibile dimenticare o accantonare I ‘esigenza prettamente umana dell ‘attività artistica. Col tramonto della «età del ferro» e con l’avvento dell’architettura verticale, l’acciaio ha accelerato la lievitazione della cosìddetta «civiltà dei consumi », parallelamente all ‘architettura e alla scultura. Tralasciando le infinite applicazioni dell’acciaio, ricorderemo quelle inerenti alla sua funzione estetica e per fare qualche esempio, diremo che la genialità delle famose costruzioni dell'architetto Le Corbusier è abilmente fusa con lo spirito creativo contemporaneo; ma il vero protagonista di tanta genialità è l’acciaio. Lo stesso acciaio che ha permesso all’architetto giapponese Kenzo Tange di creare stadi olimpici di un’audacia creativa pressochè irripetibile per la originalità e la disinvoltura. E dell' acciaio si servì il celebre architetto americano Frank Lloyd Wrighit per realizzare i miracoli tecnici suggeriti dal suo talento creativo. Accanto a progetti realizzati e realizzabili , abbiamo anche i cosiddetti « progetti utopistici» come la città - torre di F. l. Wrighit alta milleseicento metri con cinquecentoventotto piani, per ospitarvi centosessantamila persone. Ma l'architettura è stata sempre un susseguirsi di progetti grandiosi utili e inutili. come a Città del Messico dove troviamo le cinque torri in cemento armato alte cinquanta metri e prive di scale. Comunque, c' è qualcosa che unisce gli antichissimi architetti ai contemporanei, un filo ideale che lega gli arditi templi di Cuzco, innalzati con blocchi di granito con cinque metri di lato, tagliati con asce di rame, martelli di sasso e scalpelli di bronzo, ai grattacieli di New York, che spesso hanno la «testa»... fra le nuvole. Abbiamo detto sopra che la via dell' acciaio scorre parallela all' architettura e alla scultura infatti questa materia è stata trasformata in sculture ora opache ora riflettenti, ma sempre di grande suggestione. Cappello, lo fonde e lo lucida a specchio per captare l'azione modulare della luce. Altri lo piegano e lo forano, creano grumi e squarci che suscitano tensioni e stasi visive. Altri ancora lo gonfiano, lo spezzano, lo saldano, lo incastrano; lo fanno fluire e ondeggiare, come possiamo osservare nelle sculture di Tiné, Mastroianni. Pomodoro, Minguzzi ed altri. Osservando queste sculture - spesso di grandi dimensioni - che suscitano nello spettatore molteplici reazioni emotive, avvertiamo la misura umana dell' artista ingigantita dallo spirito creativo che appunto distingue l’uomo dall' artista. Tuttavia sono opere che secondo il nostro gusto dovrebbero "vivere" al di fuori della claustrale atmosfera dei musei, affinché non siano ridotte al destino di sole immagini, alla sola oggettualità vista casualmente dai - tanto spesso distratti - visitatori dei musei. Sono «oggetti d'arte» che dovrebbero far parte integrante dello spazio che ci circonda, per fruirne volontariamente o involontariamente, perché l’uomo non vive sempre nel chiuso delle pareti domestiche; l’uomo vive nella propria città e la città come l’uomo ha un’anima che occorre rispettare. E se «battiamo» queste note non è solo per fare «brindisi» all’acciaio ma per ricordare - anche - che la premessa indispensabile per la valutazione estetica delle opere d’arte, sia architettoniche, sia scultoree e, perché no, sia pittoriche, non è il contatto casuale con esse, non è l’andare dietro allo pseudo artista senza fantasia, insabbiato nella più mortificante retorica; non è il seguire l’esibizionista alla ricerca dell’applauso o quelli che hanno trascinato e trascinano in basso l’arte con pretese... veristiche, ma la familiarità continua con l’arte che affina il «gusto» e ci mette in grado di distinguere il vero dal falso, l’artista dal millantatore. Il vero artista crea, ricerca, rinnova, si dibatte, nell' incessante processo di identificazione, per non ibernarsi sul fatto compiuto (dagli altri) perché - costi quel che costi - non accetta limiti alla libertà creativa.

MARIO FONTANA
La Pentapoli 1975

La moderna farmacia ha seppellito lo speziale

Leggendo « A ciascuno il suo » di Sciascia, narratore dolce - amaro di personaggi e di paesaggi siciliani, mi sono ricordato della soggezione che esercitava su di me “ la Farmacia “ quando, ragazzino andavo a comprare i soliti due soldi di bicarbonato per la buona digestione del mio simpaticissimo nonno. Soggezione, dicevo, che non riuscivo in nessun modo a superare. Osservavo il farmacista che a passi lenti e con andatura solenne apriva uno scaffale alto e nero, tirava fuori un vaso di terracotta invetriato blu con su scritto, in belle lettere gotiche: “ Bicarbonato di sodio”. Lo poggiava sul bancone di marmo bianco, prendeva un foglio di « carta farmacia » già tagliato a misura della quantità, lo posava sul piatto destro della bilancina di lucido ottone, metteva il peso sul piatto sinistro, prendeva un cucchiaio maiolicato, toglieva il coperchio dal vaso, infilava il cucchiaio, lo riempiva di bicarbonato, lo tirava fuori lentamente, lo svuotava sulla bilancia e, di solito, il peso risultava esatto. Prendeva i miei due soldi, girava la manovella della « cassa » di metallo sbalzato a decorazione di stile « floreale » e il cassetto usciva fuori accompagnato da tre colpi di un misterioso campanello nascosto nelle “ viscere “ di quel “ mostro “ mangiasoldi, il quale dominava lucido e altero il lato destro del bancone. Oggi, la farmacia non ha nulla di particolare, rassomiglia a molti altri negozi, non ha più nulla di misterioso, è più allegra, più colorata, sono spariti gli attributi che facevano della “Farmacia”, specialmente della farmacia di provincia, il centro intellettuale, il cenacolo che sostituiva i teatri, i circoli, i clubs e vi si raccoglievano avvocati, medici, cacciatori infallibili, il sindaco, e il parroco, tutta gente con la testa sulle spalle: conservatrice.  Tutti questi personaggi trovavano nella farmacia il conforto per il loro spirito, tuttavia, la molla che li spingeva, a una certa ora, verso quel luogo, scattava dal bisogno di sfuggire alla terribile noia della provincia, alla sua tirannia. La farmacia, inoltre, essendo ubicata in un punto molto centrale, come la piazza o l’angolo di una strada, quindi in un luogo il cui passaggio era obbligato, rappresentava non solo un luogo di riunione, ma anche un ottimo posto di osservazione. I « notabili » si abituavano presto agli odori non sempre gradevoli delle antiche farmacie, originati dalla esculapiana preparazione estemporanea dei vari prodotti, alla vista degli scaffali spesso di stile «gotico» laccati in nero, carichi di vasi e di barattoli di terracotta e di cristallo che lasciavano vedere polveri e liquidi dai colori più impensati e gli alberelli antichissimi, spesso veri capolavori dell’arte maiolicara faentina. Anzi, tutto ciò contribuiva a creare quell’atmosfera di intima e suggestiva attrazione di cui nessun notabile del paese o della piccola cittadina di provincia poteva tenersi lontano. Far parte di quella compagnia significava far salire alle stelle il proprio prestigio e i « bacio le mani » e le « scappeliate » dei compaesani piovevano da tutte le parti, specialmente d’estate quando nel marciapiede, sotto il tendone verde, si uscivano fuori sedie e tavolini e sembrava un caffè.
  Allora ogni passante con gesti di marionetta si piegava in inchini e «scappellate», snocciolando “bacio le mani”, “ vossia benedica” “ servo suo “ “ riverisco “ “ servo vostro “. A tante effusioni di rispetto maschile i notabili rispondevano alzando annoiati, l’indice e il medio della mano destra e con questi toccando la falda della “paglietta “. Ma se da qualche parte sbucava una signora o una signorina, la seguivano da. lontano con lo sguardo, -si aggiustavano il nodo della cravatta e col pollice e l’indice carezzavano la punta destra del baffo e quando gli passava vicino si, alzavano e si scappellavano a loro volta.Poi si parlava a lungo della passante, si facevano numeri sulle misure del petto, sulla lunghezza delle cosce, sull’onestà o meno e così finchè si rifacevano le misure di un’altra passante.
Ma tutto ciò più che detto era sussurrato, accennato da gesti infiorati di riferimenti, di intuizioni. Tutto un alfabeto particolare tramandato da generazioni di medici, di avvocati, di farmacisti, di nobili, di cacciatori infallibili e di grandi giocatori di scopone. Già, lo scopone e soprattutto la dama erano i giochi preferiti dal farmacista e dai suoi amici. Quando entrava un cliente il gioco si fermava, il farmacista spariva nel suo laboratorio chimico, manipolava i suoi alambicchi, le sue storte, i suoi fornelli con calma e competenza finchè consegnava al cliente la boccetta col « cucchiaio », (così si chiamavano tutti gli sciroppi). La partita a scopone o a dama riprendeva, intercalata dalle ultime novità politiche, dai fatti del giorno, le congetture, da previsioni del tempo, da racconti di favolose battute di caccia, e, senza, volerlo, riuscivano a dare un indi rizzo all’opinione pubblica. L’evoluzione del tempo attuale ha tolto al farmacista l’aureola di magia e di grande rispetto di cui era circondato. “La Farmacia” non è più il cenacolo dell’ "intellighentia" e della chimica estemporanea. Oggi si entra, si consegna la ricetta alla commessa e in pochi secondi si ha in mano la medicina; come le sigarette dal tabaccaio.  

Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 19/4/1970 



L'argilla come arte

Quando l'uomo scoprì l'argilla intuì che
le sue mani,guidate dall'istinto
creativo, potevano modellare la morbida
pasta. L'inizio di tale intuizione si perde
nella notte dei tempi e non si può collocare
dentro un preciso periodo. Da allora i secoli
si sono succeduti e con essi l'evoluzione
dell'uomo ha salito tutti i gradini che
conosciamo. Già cinque secoli avanti Cristo
la Persia, l'Asia Minore e la Cina avevano
raggiunto una produzione artigianale di
alto livello. Delle colonie della Magna Grecia
sono rimasti i famosi vasi Apuli e Campani
e molti sono gli esemplari, oggi conservati
nei musei, della produzione etrusca e
italiota, dobbiamo sottolineare che
riuscirono a influenzare tutta la produzione
del mondo e via via tutto il territorio
dell'Impero.
I più antichi centri storici della ceramica
italiana sono Albissola e Faenza ambedue
operanti verso il 1100; Albissola si distingue
per la produzione delle "Idrie": caratteristici
vasi usati dagli "speziali" per la conservazione
dei preparati faramaceutici; Faenza,
per le maschere e gli arabeschi decorati con
i due colori predominanti: il giallo e l'azzurro,
che caratterizzano, tutta la produzione faentina.
Verso il 1300 le officine di Pesaro sfornano
oggetti dipinti in giallo molto pallido e in azzurro.
Gubbio, altro importante centro ceramistico,
lega la sua caratteristica principale al
rosso di maiolica e all'imitazione di pietre
preziose. Castel Durante si specializza nella
produzione di "Vasi di farmacia" i cui
esemplari si vedono ancor oggi in piccole
farmacie di minuscoli paesini, anche siciliani.
Nel 1500 Milano produce ceramiche ispirate
all'arte cinese. Nello stesso periodo Urbino
si aggiudica il primato nella produzione
rinascimentale decorando le ceramiche con
motivi "raffaelleschi". I ceramisti torinesi,
intanto, dipingono i loro fregi su fondo bianco,
usando il verde, l'azzurro e il giallo.
Lodi imita la produzione artigianale di
Mostiers. Genova si specializza nella
produzione di mattonelle da pavimento
decorate a "medaglioni". La Venezia seicentesca
produce raffinatissime porcellane ornamentali.
Capodimonte dopo molte ricerche trova
un inpasto nuovo,molto chiaro e da vita a
una produzione più che famosa, da
ricordare i " gruppi" della commedia dell'Arte.
I fiorentini del 700 danno alle loro
ceramiche una caratteristica particolare
giocando sapientemente e con gusto
con colori che vanno dal blu scuro
al verde-rame all'arancio molto luminoso.
Doccia, (Firenze), crea personaggi in
costume cinqueaentesco e i famosi "galletti"
e "tulipani".
Bologna elabora un'impasto di terra
di Vicenza e polvere di marmo di Carrara
e costruisce oggetti bianchissimi.
I famosi ceramisti bassanesi, eredi di
una tradizione altamente qualificata,
creano,ancor oggi, dopo circa un secolo
e mezzo, le "alzate"di frutta e di fiori
e i galli e gli uccelli sempre molto
richiesti ed esportati in tutto il mondo.
Ma la produzione e la tradizione
ceramistica italiana non si esaurisce nella
rosa dei centri di grande produzione.
Molte officine minori ma non meno
interessanti hanno dato impulso e
vigore all'arte della ceramica.
Da ricordare la seicentesca maiolica
povera romana, passata alla storia
come la produzione del "Maestro del
paesaggio ", così definita per i paesaggi
che decorano il centro dei piatti anche
se architettura e ambiente non hanno
nulla in comune con i conosciuti
paesaggi laziali. I colori predominanti
di questo tipo di maiolica sono il cobalto,
la ramina, il manganese e pochi altri colori.
La decorazione, dicevamo,rappresenta
ora una casa ora un paese; rare volte
i volatili e gli animali domestici;
in qualche caso motivi floreali e
profili " virili". Gli orli sono decorati
con foglie stilizzate, triangolini
o ghirlandine.
Interessanti anche le "trufe"imolesi
a grossa pancia e collo molto strette
dipinte in nero e a chiazze brune;
le scodelle di Recanati e di Appignano;
le terrecotte laziali di Signa; le famose
"cannate" ciociare in rosso e in blu
molto scuro, i vasi e le "pignate"
di Campobasso e di Guardiaregia
con i motivi della serpe, dell'uccello
e della conchiglia; le anfore campane
a "biscotto" o smaltate in nero;
la luminosità delle ceramiche di Vietri
sul Mare con i verdi i rossi e gli azzurri
chiarissimi riportati anche dalla
produzione amalfitana; i piatti pugliesi
di Rutigliano e di S.Severo; o le ceramiche
lucane prettamente arcaiche; le "ciasche"
le"graste" i "bummuliddi" i piatti
"ri strattu" siciliani; le " mariche",
recipienti per acqua i " broccolitus"
recipienti per vino i "congiolarius"
ornati con fiorì, personaggi e colorati
con verdi bruni e grigi della Sardegna.
Una tradizione ceramistica invidiabile
che ha dato al nostro paese un'impronta
particolare per l'incessante evoluzione
artistica e tecnologica.
Ma non possiamo chiudere la nostra
" panoramica" senza fare i nomi dei
più illustri maestri maiolicari: Guidobono,
Giorgio Andreoli, G.B.Dalle Palle
autore del "Piatto con Mese" datato 1570;
i Pirotti che operarono nella seconda
metà del sedicesimo secolo; l'officina
dei conti Femiani della prima metà
del diciottesimo secolo; i Della Robbia
e la celeberrima Bottega dei Fontana
da Urbino, operante nel sedicesimo
secolo. Naturalmente molti altri nomi
prestigiosi ci sfuggono perché tanti
furono e sono gli artisti che seppero
e sanno trasformare l'argilla in
capolarori di eleganza e di raffinatezza.
Ludwig van Beethoven volendo dare
una definizione dell'arte disse:
- "Ogni vero prodotto dell'arte è
indipendente, più potente dell'artista stesso,
e attraverso la sua apparizione esso
ritorna agli Dei e attraverso loro
si unisce agli altri uomini. L'opera d'arte
è la testimonianza che nell'artista
albergano gli Dei".

Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 12/7/1970


 
Le catacombe di San Giovanni

L’antica pentacoli si estende su un sottosuolo quasi del tutto roccioso. L'ottima qualità della pietra contribuì certamente allo sviluppo della civiltà grecoromana, essendo di calcare facilmente modellabile, compatta e inattaccabile dagli agenti atmosferici. Infatti, se osserviamo le zone rocciose si nota la patina grigiastra che la ricopre, formatasi lentamente, attraverso i millenni. Ma se ne stacchiamo un pezzo ecco che appare il bianco il giallo ocra chiarissimo. Solo in alcune zone il calcare si trova misto a elementi ferrosi ed ha il colore della ruggine. Particolarmente, il sottosuolo di Acradina è in calcare molto compatto e questa peculiare condizione fu certamente condizionante nella scelta della zona per l'escavazione delle Catacombe di S. Giovanni, da parte della Siracusa Cristiana.
Abbiamo detto condizionante e non determinante poiché i siracusani, continuando le antichissime tradizioni dei Siculi, dei Greci e dei Romani, avrebbero eseguito comunque l'escavazione; anche se avessero trovato del tufo al posto del calcare; così come fecero i fedeli della Roma Cristiana.
Ma al contrario delle Catacombe romane, le quali attraverso i secoli hanno subito le conseguenze dei sommovimenti tellurici, le nostre catacombe hanno superato brillantemente tutti i capricci del sottosuolo.
Ma a prescindere dalle condizioni geologiche, in quasi tutta la Sicilia, si trovano sempre nuove tracce di ipogei cristiani, tanto cari agli archeologi ma carissimi, purtroppo, anche agli scellerati violatori di tombe, volgarmente detti tombaroli, i quali, provvisti di particolare fiuto, setacciano in lungo e in largo ogni zona alla ricerca del prezioso materiale che di solito arricchisce il corredo funerario. Un mestiere, quello del tombarolo, antico come il mondo, germogliato assieme alla spinosa pianta del vandalismo e del saccheggio.
Basta dare un'occhiata al De Bello Vandalico il Procopio per sentirsi gli occhi ricolmi di spine il cuore pieno di amarezz, specialmente quando ivi si leggono le profanazioni subite dal 443 al 468 da parte dei Vandali " Ariani di Genserico giunti dall'Africa col preciso scopo di saccheggiare, di distruggere e di cancellare ogni traccia di sacro. E il De Be Gothico che ci ricorda Totila e il suo esercito nell'atto di scon-volgere il territorio siracusano, comprese tutte le chiese. E le devastazioni degli arabi nel 705 e le persecuzioni degli Iconoclasti comandati da Leone Isaurico. durante la dominazione bizantina, i quali furono maestri nella tortura dei cristiani e nemici insuperabili del'iconografia sacra. Ma la rovina totale di Siracusa e non solo di Siracusa, giunse, ancora una volta, con gli arabi nell'ottocentoventtisette. Questi, per ben due secoli di opprimente fanatico dominio smontarono sistematicamente tutte le strutture cristiane, non tralasciando neppure gli angoli più reconditi della mente umana. Naturalmente anche le catatacombe di San Giovanni subirono la stessa sorte col risultato che il loro stato attuale, pur conservando l'atmosfera di alta spiritualità cristiana, si presenta spoglio di ogni sovrastruttura, essendo scomparsi tutti i fregi marmorei, le pitture, le sculture e i mosaici che adornavano altari e gallerie, loculi, cubicoli e sarcofagi. Solo la nuda roccia è rimasta, in molti tratti ricoperta di muffa e di lichene. La lunga galleria principale è tagliata ad angolo retto da dodici gallerie minori e in queste si aprono camere sepolcrali, ora quadrate ora circolari, facilmente ricavate dalla roccia. Anche in alcuni tratti delle gallerie il suolo è occupato da tombe interrate e dal cui piano di calpestio affiorano i bordi sbrecciati. Dalle pareti delle gallerie, degli ambulacri e dei cubicoli sono ricavati arcosoli polisomi contenenti fino a venti tombe.
Gli arcosoli attribuiti ai martiri sono i più belli essendo rifiniti all’estemo con affreschi ormai ridotti a brandelli; uno di questi, secondo quanto dice il monaco accompagnatore è attribuito alla Vergine Deodata. In un'altro arcosolio vi si legge ancora un'iscrizione latina che dice di essere sepolta, in quella tomba, la moglie del patrizio Teodulo, di nome Maria. Poi ancora l'arcosolio del Vescovo Siracusio, scoperto nel 1907 dall'insigne archeologo Paolo Orsi e sul cui prospetto è inciso un granito rappresentante un disco con la croce ansata e ai lati due barche a for­ma di pesce.
Interessante anche la rotonda di Adelfia così chiamata per via del bellissimo sarcofago ivi trovato, oggi esposto in una sala del Museo Nazionale in Ortigia.
Sul frontale di questo artistico sarcofago, oltre a un gran numero di figure si possono ammirare, al centro, scolpiti a rilievo i ritratti del conte Valerio e di Adelfia, l'uno con i codicilli del suo casato e Adelfia con la mano poggiata sulla spalla sinistra dello sposo.
Lo spazio, purtroppo, non ci consente una descrizione completa delle Catacombe di S. Giovanni anche perchè bisognerebbe aggiungere le contigue Catacombe di Vigna Cassia di S. Lucia, e di S. Maria di Gesù le quali, insieme racchiudono tut­to quanto è sfuggito alla furia devastatrice nelle barbariche invasioni e testimoniano la ge­nuina fede della Siracusa Cristiana.
Molti resti dell'epigrafia ciminteriale trovati nelle varie ca­tacombe siracusane sono conser vate in una sala del Museo Nazionale e  chi legge quelle parole non può non commuoversi.
Una dice: - Ricordati o Dio della tua serva Criside e da a lei il celeste soggiorno luogo di refrigero nel seno di Abramo, D'Isacco e di Giacobbe.
In un'altra vi si legge: “ Euschia la irreprensibile vissuta buona e pura per anni circa 23 mon nella festa della mia S. Lucia. Per la quale non vi è elogio condegno. Fu cristiana fe­dele perfetta molto meritevole a suo marito”.

MARIO FONTANA
La Nuova Gazzetta 29/3/1970

Le maschere siracusane nella “corte dei miracoli”.

Si è seppellita la tradizione del Carnevale ma la sua vita continua ogni giorno. 
C’era una volta il Carnevale a  Siracusa. Sembra l’inizio di una favola ma non lo è. Purtroppo è la realtà di oggi. Una realtà che si è fatta strada lentamente, anno dopo anno, attraverso la sparizione delle sottili strisce colorate, delle stelle filanti, attraverso coriandoli non venduti, attraverso la quantità di maschere non acquistate da un pubblico sempre più indifferente, sempre più attratto verso altri divertimenti; sempre più « in altre faccende affaccendato ». La povertà odierna del Carnevale siracusano è semplicemente mortificante. Non tanto perchè senza il Carnevale si muore o ci si espone alle ire degli inventori pagani, quanto per il voluto assassinio del Carnevale siracusano, non certamente per mano del popolo. Eppure il «nostro» Carnevale, quello di un tempo, era uno spettacolo indimenticabile; si coniavano canzoni, si allestivano carri enormi, il pubblico lanciava quintali di coriandoli e di stelle filanti. L’orgia dei colori e l’ondata di allegria trasformava le strade della nostra città in un grande palcoscenico e tutto frizzi e lazzi e spiritosissime battute, contribuiva alla gioia sentita, genuina,  senza inibizioni. Oggi Siracusa ha detto no al Carnevale bruciando una tradizione che s’era fatta strada attraverso i secoli, attraverso civiltà che per certi aspetti superano quella che oggi ci viene somministrata come la civiltà dei consumi la quale comprende il libertinaggio più sfacciato e mortificante e le lotte degli arrampicatori politici e sociali i quali non fanno che condizionare a loro uso e consumo la volontà del popolo. Ma se i greci inventarono le maschere per ricreare sulle scene le loro cruenti e significative Tragedie, anche sotto il sole della nostra città, i siracusani che dedicano e vendono anima e corpo alla escalation politica e sociale, pur non amando né la loro città ne il carnevale di maschere ne hanno inventate una miriade; ma questo non ci consola affatto perchè non hanno nulla a che vedere con il carnevale.  Sono le maschere di tutti i giorni quelle che molti applicano ogni mattina prima di  chiudersi alle spalle la porta di casa; usatissime dai politicanti in genere, dai cosiddetti «galoppini», dai curvatori di schiena, dai frequentatori di certi circoli, dai venduti per un piatto di lenticchie o per una  villa al mare; dagli scrocconi, dai petulanti, dagli accaparratori, dai vili, dai vigliacchi, dagli uomini bandiera, da quelli che in un modo o nell’altro sono riusciti ad incollare l’ex sedere proletario ad una poltrona di pelle ed usano carta igienica al profumo di lavanda. E sono tante le nuove maschere che elencarle tutte non basterebbe un grosso volume. Ma la maschera più caratteristica è quella scelta dagli arrampicatori politici e sociali i quali hanno barattato il prestigio della nostra città in cambio di certi zeri e di certi compromessi che, comunque vada si trasformano sempre in spazzatura. Mentre la nostra città che ha boccheggiato per anni è già morta per mancanza di amore e di affetto e il cadavere ammorba l’aria misto ai miasmi  della civiltà industriale. Il nostro olfatto sente gli odori nauseanti del cadavere abbandonato e in via di disfacimento, tutto il popolo li sente, tranne i frequentatori del « Palazzo di Città », il quale, è diventato il covo dei nuovi tiranni e la « corte dei miracoli » nello stesso tempo. Ma tutte queste nuove maschere non sono la nostra consolazione morto e sepolto e neppure l’eterno carnevale che ci somministra la classe politica e pseudo politica può sostituire una tradizione bruciata dal disamore verso il popolo. La fragilità della maschera di Pulcinella è stata sostituita dalle nuove maschere di bronzo che oltre ad essere durevoli hanno la bontà di proteggere i portatori da sputi e schiaffi, non solo materiali. Noi, di fronte a tanta insensibilità, al cospetto di tanta incuria, di fronte a tanto disamore per un cielo cosi bello, osservando la morte della nostra città che vuole risuscitare la sua antica bellezza ionica, indossiamo col cuore colmo di tristezza la maschera di Pierrot.
Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 1971



Le opere di artisti domenicali non reggono alla valutazione estetica
 
Tutte le arti hanno un filo conduttore che le unisce alla radice, ma, l'arte figurativa è qualcosa di indefinibile anche se è necessario tradurla a parole essendo materia di studio anche per i non artisti. Comunque, la descrizione, l'impressione soggettiva del critico d'arte o di qualsiasi altro uomo non potrà mai prendere il posto dell'occhio che scruta, esamina, raccoglie sensazioni ora gradevoli ora sgradevoli, e trae le conclusioni più consone atta sensibitità. sensibilizzata, appunto, dalla visione diretta e incontaminata.
Semmai la parola, il libro, la critica d'arte può essere un aiuto prezioso verso la conoscenza di un “movimento”, di una “scuola”, di una “tendenza” .
E potremmo anche aggiungere che tutto ciò che in qualche modo spiega, che chiarisce, che esalta, che convince è un richiamo prezioso, una attrazione, un risveglio di vocazioni sopite.
Quanti uomini, si sono convertiti al Cristianesimo, dopo aver letto e meditato le pagine del Vangelo,
pur non avendo mai visto “ de visu”  nè i personaggi, nè i protagonisti, nè assistito ai miracoli.
Ecco dunque l'importanza della parola, anche se, a volte, il critico d'arte fa della retorica e della poesia perchè non trova altra via, altre soluzioni.
Tuttavia, se riesce a dare un certo orientamento verso la conoscenza di un pittore o di tutta una corrente artistica possiamo dire che ha assolto il suo compito, almeno con onestà. Ma è anche vero che spesso il critico riesce a intuire, a individuare gli stimoli che hanno spinto l'artista alla creazione di una data opera ma non riesce a tradurre a parole il significato psicologico delle sue intuizioni; non riesce a far combaciare le sue impressioni allo specchio bianco che è il foglio di carta arrotolato alla macchina da scrivere.
Insomma, non riesce a saldare i due elementi fondamentali: impressione - parola. Si rischia allora la definizione inventata la quale, come tale, è estranea alla volontà creativa dell'artista.
Ma non basta la cultura vasta, particolareggiata, da vero computer in quanto può rivelarsi controproducente ai fini di una spontanea e serena valutazione dell'opera d'arte.
Comunque, la  critica d'arte è sempre un compito ingrato specialmente per chi scrive sulle Gazzette.
Per i critici famosi i quali hanno grandi spazi sui giornali e su riviste specializzate è diverso poiché rischiano, ma rischiano meno in quanto la loro critica si evolge e si esaurisce nella spirale dei grossi nomi dell'arte da lungo tempo affermati in campo internazionale.
Al contrario, come dicevamo, il critico che vive l'ambiente artistico provinciale è legato ad un “ modus vivendi” particolare, fatto di concessioni, di incoraggiamenti, di congratulazioni e, malgrado ciò, spesso è tacciato di incompetenza, di partigianeria, di troppa generosità.
Come si deve comportare dunque, il critico che vive nelle periferie dell'arte ?
E' chiaro che il suo compito è quello di dare a Cesare e a Dio con equità. Ma prendiamo ad esempio la mostra di un gruppo di giovani leve della pittura presentata dal critico Ipsilon, il quale, con molta grazia, scrive: “ Sono stato costretto a presentarli poiché questi giovani desiderano il giudizio critico del pubblico ma, sono certo che raggiungeranno alte mete.
Come dire io vi aiuto ma voi aiutatemi, diventate bravini, affinché in futuro, chi non avrà dimenticato la mia presentazione non abbia a tacciarmi di poco fiuto e di incompetenza. Ma tutto ciò è e rimane un compromesso con chi legge le presentazioni e segue le critiche, soprattutto, è bene sottolinearlo, è un compromesso che il presentatore " critico d' arte assume a suo rischio nei riguardi degli artisti, specialmente con i giovanissimi, con quelli, per intenderci, che hanno consumato appena una dozzina di pennelli.
Ritornando alla presentazione di Ipsilon, possiamo concludere che sul piano della generosità non si possono rilevare deficienze.
Ma per un momento immaginiamo che Ipsilon anziché scrivere ciò che ha scritto, avrebbe detto alle “giovani leve”: “Sentite leve”: “Sentite ragazzi, sono convinto che questo è un periodo di transito, sono certo che in futuro dipingerete meglio i vostri quadri, quindi vi prego di trascorrere tale periodo nella solitudine dei vostri studi e quando avrete consumato almeno mille pennelli e tremila tubetti di colore verrò  nei vostri studi e vedrò di scrivere due o tre righe o una monografia. Se non avrete la costanza, la pazienza, la vocazione, non perdete tempo, andate in amene località montane o in solatie spiagge: tanto i soldini non vi mancano “.
A questo punto lasciamo all'immaginazione, alla vostra fantasia cosa sarebbe successo al povero critico - presentatore.
E questo in fondo non è che un esempio delle cotte e delle crude che il povero critico di provincia deve sopportare nei casi definiti di  “tradimento” di “ incompetenza”  di “ insensibilità “ e, quando va meglio, di “ partigianeria”. Di fronte alla maestria dei pittori domenicali, di fronte alla presunzione degli hobbisti, di fronte alla prosopopea di certi maestrucoli, di fronte all'infallibilità di certi professorini effeminati, alla presenza di uomini bifrontali, di fronte ad uomini - bandiera e, per chiudere, di fronte al mammismo e al papismo, il critico d'arte non vincerà mai le sue battaglie, anzi, perderà sempre più, man mano che la percentuale dei pseudo artisti avanza, poiché, si sa, che il materiale occorrente: tele, colori e pennelli è entrato ormai in tutte le case.
Malgrado ciò la funzione delta critica è e sarà insostituibile poiché, come dicevamo, l'arte figurativa deve essere tradotta a parole essendo materia di studio anche per i non artisti.

MARIO FONTANA
La Nuova Gazzetta 22/3/1970



L'eterna validità dell'arte nell'ansiosa ricerca del linguaggio

I movimenti e le scuole che hanno lasciato maggior traccia di se e dei pittori più famosi ebbero inizio a Parigi nell'anno 1874.
In quell'anno, a Parigi, passò sotto silenzio la mostra allestita da alcuni pittori nei locali di un fotografo di nome Nadar.
I giornali che se ne occuparono lo fecero solo per denigrare e per umiliare i pittori che avevano avuto il coraggio di esporre quella specie di quadri.
I quadri esposti, d'altra parte, erano completamente diversi dalla produzione allora corrente. Tutto sommato, le opere esposte, sembrarono ricerche sugli effetti di luce, infatti, il colore non era più leccato e levigato, ma lasciava vedere le pennellate e l'impasto corposo. Le tinte e le mezzetinte non riproducevano il colore locale, le ombre non erano più grigie ma azzurre, verdi, rosse. Come succede sempre dei fatti più importanti, e non solo nel campo dell'arte, nessuno si accorge dell'importanza di questa mostra anche se esempi del genere si susseguono in tutti i tempi e sotto tutti i cieli.
Naturalmente il tempo ha dato ragione a quei coraggiosi pittori e i Cézanne i Monet i Renoir ecc., oggi, possiamo ammirarli in tutti i musei e nelle più prestigiose collezioni d'arte.
Da allora è passato quasi un secolo e gli « Ismi » si sono succeduti grazie allo spirito di ricerca di altri artisti.
Facciamo dunque un giro di orizzonte sugli "ismi" che hanno lasciato indelebili tracce sul glorioso e coraggioso cammino dell’ arte, poiché ci sembra interessante esporre cronologicamente e con le particolari caratteristiche i movimenti e le scuole.
Verso il lontano 1874, tre pittori: Cézanne. Monet e Renoir fondano l'impressionismo il quale poggia i suoi principi sulla ricerca del puro gioco di luci, trascurando la forma.
In seguito, Cézanne, ispirandosi ai principi della geometria solida ridà alla forma nuove espressioni aprendo la via al cubismo.
In Olanda Van Gogh rinuncia all'impasto --- dipinge con colori puri la storia della sua vita intessuta di rarissime gioie e - di molti dolori. Dal suo genio nasce il « Sintetismo » e questo ideale d'arte lo accompagna sempre, finché la violenza e la follia e infine la morte lo distendono in un povero giaciglio voluto dall'incomprensione e dall'ignoranza dei suoi contemporanei.
Il 1904, con la povertà delle masse, le ingiustizie, la fame, porta alla ribalta sia in Germania sia in Belgio « l'Espressionismo » caratterizzato da significative deformazioni, specialmente della figura umana. Il parigino Roualt è il più degno rappresentante di quella clamorosa protesta dell'arte contro le ingiustizie sociali; contro il destino dell' uomo.
L'anno successivo Matisse VIaminch, Dufy ed altri prendono al volo il modo tutto piatto di disporre le tinte usato da Van Gogh e da Gauguin. Intuiscono la potenza espressiva del colore, accantonano le leggi fondamentali della prospettiva e creano il « Fauvismo ».
Nel 1908 Picasso e Braque elaborano il « Cubismo analitico » il quale basa le sue leggi sulla divisione simultanea di un oggetto visto da tutti i lati. Ma non adoperano l'intera tavolozza, bensì i soli grigi.
Intanto a Mosca, il pittore Lorianov fonda la pittura definita « Raggismo » perchè ]'artista non dipinge gli oggetti reali ma le immagini che gli oggetti suggeriscono alto spirito e che il pittore capta sia ne* vari movimenti sia nella staticità.
Ma in Italia non si dorme, il Futurismo è alle porte. Boccioni, Balla, Severini, Russolo e Carrà firmano il famoso manifesto che è tutto un inno esaltante il dinamismo della vita moderna, il turbine della sua molteplicità, l'aprirsi di nuove libertà di pensiero il culmine di nuovi mezzi estetici.
Il «Futurismo italiano » è nato. Il Cubismo - ha dato già i suoi frutti. Dal « Futurismo» e dal «Cubismo » deriva l'«Orfismo ». Movimento promosso dal pittore Delannoy il quale ha scoperto i contrasti della simultaneità dei colori su superfici circolari e concentriche.
Nel 1911 De Chirico, seguito da Carrà nel 1916 e ancora più tardi da Morandi inventa la pittura « Metafisica », la quale rappresenta, prospettive ed effetti di ombre immerse in una atmosfera di intensa struggente solitudine. E' da ricordare che, in seguito, molti surrealisti troveranno nei quadri di De Chirico molte idee da sviluppare appunto in chiave surrealista.
Nello stesso periodo il moscovita -Kandinshy elabora la «Grande Sintesi » e nel 1944, anno della sua morte, è il più accreditato degli astrattisti. La sua arte e ha influito su tutta l'arte moderna.
Dall'Ecole de Paris emerge Chagall con le sue fiabe e i suoi sogni, dipinti con un linguaggio pittorico semplice e suggestivo. Le sue figure i suoi paesaggi i suoi animali si fondono in un'atmosfera magica e surreale.
Dalla Russia, il moscovita Malevitch invia un nuovo « messaggio » tanto problematico quanto clamoroso poichè egli vede nel colore la corruzione del sentimento e intende tradurlo usando i mezzi più elementari, le più elementari figure geometriche, usando un solo colore: il nero, sullo sfondo bianco della tela.
Verso il 1914, Picasso, Braque, Cris e Leger cercano di rivalorizzare la forma e di ritornare all'uso di tutti i colori.
E' il momento del « Cubismo sintetico » diverso dal « Cubismo analitico » il quale considera gli oggetti visti do tutte le facce e dipinti con la gamma dei grigi.
Tre anni più tardi l'olandese Mondrian elabora il « Neo plasticismo » il quale fonda i suoi canoni sulla costruzione di semplici linee orizzontali e verticali; caratterizzato dunque da limitati mezzi espressivi. Nel 1918 Leger si allontana dal cubismo attratto dal « Purismo». Movimento ideato dal famoso architetto Le Corbusier e dal pittore Ozenfont. Il « Purismo » rappresenta gli oggetti, i più comuni, con forme pure e con colori da « Fauve ».
Nello stesso anno l'Ecole de Paris, che come si sa, raggruppa tutti gli artisti che fecero parte alle ricerche dell'arte moderna, senza partecipare a nessuna scuola, mise in cattedra l'italiano Modigliani il quale con la sua arte, ha influito non poco sull' evoluzione dell'arte contemporanea.
Nel 1920 Cris, pittore spagnolo, sviluppa i canoni stabiliti dal « Cubismo sintetico » usando una coloristica molto raffinata ed applicando nelle sue composizioni, ritagli con titoli di giornali, pezzi di stoffa ecc. Nasce così il «Collage».
Il «Surrealismo» nasce nel 1924, col manifesto di Breton, ma il più estroso, il più geniale artista di questa scuola è il pittore spagnolo Salvador Dalì.
Mirò che fu tra i fondatori del surrealismo, ha un posto tutto singolare poiché si può considerare astrattista più che surrealista. Infatti, il sol tutto infantile di dipingere fu definito "Surrealismo astratto". Anche il tedesco Arp sempre un surrealista è considerato il più grande astrattista moderno. Ma non bisogna dimenticare che Arp col pittore spagnolo Picabia fondò il movimento Dada.
Intanto, il tedesco Klee dà all'astrattismo soluzioni personali. Egli ripropone la sua pittura con un linguaggio nuovo spogliando di ogni significato conosciuto tutte le cose conosciute ed esprimendo con altri mezzi le esperienze captate dalla coscienza. Siamo nel 1939 e nello stesso anno il fiorentino Magnelli inizia la sua concezione astratta e ben presto diventa il pittore astrattista di maggior prestigio, erede diretto di Kandinsky.
Naturalmente la storia della pittura contemporanea non si ferma qui, né si fermerà. La pop art è l' esempio più recente della vitalità dell' arte, anzi, mai come oggi l'arte è stata così viva.

Mario Fontana
La Nuova Gazzetta febbraio 1970



Lettera al Corriere

Ho letto sul " Corriere " del 9 Aprile u.s. l' articolo
di Enrico Baj dal titolo: " A Nuova York trionfa
la pittura da strada ".
Essendo anch'io pittore ( le mie prime
"cose " risalgono al 1943 ) ho fatto qualche riflessione e vorrei che qualcuno mi spiegasse perchè noi italiani scopriamo " trionfi dell'arte " solo quando
ci troviamo all'estero.     
Delle due l' una: o viviamo col paraocchi o
siamo immersi nella più vischiosa malafede, inguaribilmente malati di esterofilia spazzolante.
Milioni di uomini conoscono e apprezzano
il made in Italy: l' unicità, la genialità,
l'inventiva, ma noi imperterriti,
andiamo all'estero a scoprire l' Aria Calda,
obliando tanti validissimi artisti italiani
lasciati dietro le quinte.
Certo ognuno può scrivere ciò che vuole
(e da cove vuole) ma qnando si scrive
per un giornale, bisogna fare i conti con chi legge, altrimenti è meglio scrivere i propri pensieri in un diario.
Detto articolo scorre quasi tutto su un
tono carico di stupore "udite - udite:
''Alcuni artisti americani dicono che
esiste una sorta di "triangolo mafioso"
avente ai tre vertici le gallerie qualificate,
la critica spesso associata alle strutture
pubbliche e infine le riviste specializzate
che pubblicano articoli che hanno un
legame evidente con le pagine di pubblicità, pagate fior di milioni... in mezzo, quale mediatore dell'informazione estetica ci si mette il critico e il gioco è fatto.
A questo punto non posso proprio dire che
Bay abbia scoperto l'America ma trovo
(non dico sospetto), inaccettabile tanto
stupore da parte di un artista che
conosce inferno, paradiso e purgatorio di
tutto quanto avviene dentro le nostre
amate sponde dai "triangoli mafiosi" alle
"gallerie qualificate alla critica legata
alle strutture pubbliche, alle riviste
specializzate, al legame evidente con
le pagine di pubblicità pagate fior di milioni.
Il tutto per orchestrare il diabolico giochino
che inchioda, inesorabilmente, fuori dalla
porta, chi non può foraggiare i cosidetti
"padronì del vapore". Esattamente come
avviene in America.
Ed ecco le battute conclusive dell'articolo in questione: "l'impressione che ti resta è che in questo momento solo qui brulichino le idee e le invenzioni dell'arte del nostro tempo".
Queste ultime affermazioni mi sembrano a dir poco azzardate se tengo nel giusto conto che il fenomeno del graffitismo americano è già logoro e la " pittura da strada " e vecchia prima di nascere essendo una derivazione del graffitismo stradale. Vorrei chiedere a Bay se conosce la " pittura viaggiante " da me inventata nel I960 proprio a New York sui vagoni della Subway ( viaggiando disegnavo e regalavo ciò che facevo). Il graffitismo americano, nato, appunto sui vagoni della Subway non era nato.
Tuttavia, se Bay fosse interessato anche agli italici " brulichii delle idee e delle invenzioni" sarebbe a conoscenza del mio
"plusultrismo "(1962) del mio "laminismo pittorico" (1967), delle mie "spraygrafie su gommapiuma "(1971), delle mie " lastre * e dei miei "quadri rotanti" (1978). Di questi ultimi Carlo Munari ha scritto : ' ... con i quadri rotanti punta a modificare la struttura dell'immagine liberandola in una inedita spazialità ".      
Forse, se mi chiamassi (anagrammando il mio nome) Oiram Anatnof sarei già famoso: le vie del successo sono infinite.
MARIO FONTANA



L' inflazione della pittura e dei pittori "al magnesio"
 
Ascoltando i commenti di molti visitatori di gallerie d'arte moderna, abbiamo notato che sono in tanti a definire “illeggibili” e “incomprensibili” le opere esposte.
Noi ci chiediamo se le loro affermazioni sono frutto di conoscenza della materia in questione o il risultato della diffusa ignoranza che regna indisturbata nelle arti in genere, con particolare eccedenza nelle arti figurative.
Tuttavia, se le parole sono il naturale estemporaneo mezzo per l’interscambio delle idee e delle impressioni, delle due: o "ignoranza" o  “partito preso”.  Ma dal momento che si decide di varcare la soglia di una galleria d'arte moderna, riteniamo sia d'obbligo formarsi almeno una piccola scorta di nozioni sul tema che conta ormai un secolo di storia.
Sappiamo che tutto ciò non accade quando si visitano mostre d’ arte legata a doppio nodo all’ accademismo, perché i “paesaggi” esposti hanno tutti gli ingredienti necessari, come le canzoni napoletane che sanno toccare tutti i tasti e fanno vibrare i cuori dei turisti in vacanza. Pochi sanno invece che l’ arte moderna, al contrario dell’ accademismo è riuscita raccontarci quasi tutto sull’ uomo e sulle cose, scavando nel fondo dell’ animo, scendendo nei labirinti più nascosti della coscienza umana, ribaltando intollerabili codificazioni, scrutando oltre i confini della libertà fisica dell’ uomo, sondando al di la delle barriere psicologiche.
Ma sono tanti gli uomini che si ostinano a non volere capire, a non volersi specchiare e riconoscere, convinti che l’ uomo e l’ ambiente sono ancora legati all’ immagine stereotipata dei pennellatori al magnesio viventi e di museosologica memoria.
L’ accademismo, anticipando l’ era fotocinematografica, si attenne al compito del più attuale “fotoreporter” per i “fotoreportages” ordinati dal blasone per tramandarci i “dati segnaletici” della loro rutilante ricchezza (così spesso di oscura provenienza).
Così, l’artigiano pittore (artista è termine moderno) fu “usato” per tradurre a colori le finissime sete d’ oriente, gli eterei trasparenti velami, i caleidoscopici giochi di damaschi e dei broccati, le sfavillanti bijouterie; per ricordare ai posteri che nessuno di loro comprava vestimenta al “mercato delle Pulci”.
Ecco l’ eredità lasciataci dall’ accademismo che noi, tuttavia, non pensiamo di mandare al rogo per non privarci delle figure (e dei “figuri”) che popolano come fantasmi le notti dei musei e di giorno guardano ora elmi, ora baffoni, ora dame ingioiellate, o cavalieri in battaglia, su cavalli impennati con froge fumanti.
Chilometri di pareti coperte di storia dipinta: il più lungo fotoreportage; la più grande “pizza” della storia girata a colore su …tela. Ecco, perché, i pennellatori al magnesio o artigiani-fotoreporters, che dir si voglia erano ricercatissimi, a condizione di assecondare le manie di grandezza e i singulti mecenatici di dame e cavalieri (erano tutti cavalieri, allora); a condizione di consumare i loro giorni alle prese con la tela a metraggio e con le terre colorate per sostituire per filo e per segno l’ obiettivo.
E se osserviamo attentamente, nessun quadro-ricordo ci fa conoscere l’ altra faccia della realtà: quella nascosta dietro le pieghe dei pesanti tendaggi e sotto le botole dei trabocchetti. I pittori al magnesio non potevano permettersi un “servizio” del genere: gli avrebbero rotto in testa la…tavolozza e sequestrato… la tela! L’ accademismo, inoltre, non produce mai un fenomeno di massa, non tradusse le immagini in idee e queste in oggetti funzionali, non fece nulla per la collettività.
I veri artisti, quelli con il pennello “trasformatore” furono molto pochi, perché solo in pochi riuscirono a scavalcare l’ ira dei padroni; e Michelangelo ne è un fulgido esempio, perché la sua arte riuscì a superare i funerei velami dell’ accademismo. E possiamo affermare, senza tema di smentita, che tutto ciò che fu prodotto dai pennellatori al magnesio è riproducibile con le macchine fotocinematografiche, essendo oggettivamente identico alla realtà. Al contrario, l’ opera moderna non è captabile dai mezzi meccanici, essendo l’ opera dipinta trasformata e interpretata liberamente dall’ artista che (quando è vero artista) riesce a metabolizzare la realtà oggettiva (non arte), in realtà soggettiva (arte).
L’ uomo (non arte), attraverso la fantasia di Michelangelo, si trasforma in figura erculea (arte); una natura morta (non arte) attraverso la fantasia di Picasso si trasforma in struttura cubista (arte).
Ma per ritornare ai motivi che ci hanno spinto a “battere” le presunzioni, vogliamo ricordare che l’ arte moderna non ha misteri perché vive e si nutre di libertà e tutta si condensa in una completa grande verità: la trasformazione – fantastica della realtà oggettiva. Verità intuita e messa in opera dai più grandi maestri del passato i quali, come abbiamo ricordato furono ben pochi.
Tuttavia siamo convinti che senza il condizionamento subito, l’ immensa schiera dei defunti pennellatori al magnesio avrebbe iniziato la rivoluzione artistica con alcuni secoli di anticipo.

Mario Fontana
La Pentapoli 10/1975