Certe «svicolate» critiche sull'arte moderna, scritte nella terza pagina dei quotidiani creano spesso una certa confusione perché di solito, data appunto la volgarizzazione dei quotidiani, vanno sotto gli occhi di persone completamente digiune di cultura artistica. Poiché di giornale in giornale la critica segue strade e punti di vista differenti ecco che il lettore, ad un certo punto, si disorienta e si smarrisce. Ed è impossibile trovare un rimedio atto ad arginare tale situazione a meno che il lettore, incuriosito dai pareri discordi di critici differenti, non va in libreria e gradatamente, cominciando dalla preistoria dell'arte, si rende conto di tutta l'evoluzione, artistica.Ma quanti sono quelli che seguono la via più sicura verso la conoscenza metodica e graduale ? Le statistiche ci dicono che i libri d'arte sono molto venduti, specialmente in questi ultimi anni. Considerando ciò dovremmo pensare che milioni di italiani hanno raggiunto una cultura artistica se non profondissima, sufficiente alla formazione di un gusto capace di valutare un quadro, di apprezza re una mostra, di discutere con una certa competenza con gli artisti. Invece, dobbiamo constatare che spesso la cultura formatasi attraverso dispense e libri d'arte acquistati in libreria o dal tabaccaio e letti senza alcun metodo fanno raggiungere a tale tipo di lettore una cultura e una sensibilità artistica capaci di fargli apprezzare le « stampe d'arte» quelle, per intenderci, che quasi settimanalmente si trovano abbinate ai rotocalchi di grossa tiratura. Infatti, l'ammirazione per dette stampe è talmente incondizionata che è raro non trovarle appese ai muri di milioni di italiani di tutti i ceti e di tutte le estrazioni. L'indigestione di dette riproduzioni non accenna a diminuire e continua settimana dopo settimana, con immensa gioia di corniciai i quali, settimanalmente, sono costretti a fare lo straordinario per accontentare i clienti, e sono una marea, i quali aspettano impazienti la consegna delle... opere d'arte da appendere con orgoglio alle pareti domestiche Un tale ci diceva: « Ho quindici Picasso, diciotto Cézanne, una decina di Caravaggio, una trentina di quadri con fiori dei più grandi maestri! Una fortuna! rispondiamo e il tale: « Adesso aspetto il nuovo calendario da una società di assicurazioni, che è una cannonata. Scusi, diciamo noi ma il calendario le serve forse per segnarvi le date delle aste e delle mostre d'arte ? Ma no, fa il tale, non avete capito nulla; dal calendario, ci prendo sei stampe meravigliose che passerò subito le opere... in carne ed ossa. al mio corniciaio di fiducia. Molti di questi collezionisti Vi assicuriamo che non è una barzelletta, infatti basta fare un giro dai corniciai per rendersi conto della confusione creatasi presso un pubblico vastissimo. Migliaia di stampe, oggi come oggi, tappezzano chilometri di pareti, dalla casa dell'avvocato alla casa dello spazzino; dalla villa del medico al « rustico » del contadino, dalla cabina del camionista allo studio del notaio. A conti fatti ogni « collezionista » di,stampe dall'inizio della « raccolta » alla saturazione delle pareti domestiche, (ne abbiamo viste anche in cucina) spendono dal corniciaio cifre che vari no da un minimo di centomila alle trecentomilalire a seconda dei gusti e dei suggerimenti interessati dei corniciai. Tutto ciò a discapito della vera cultura e del di pezzi. . . di carta non sanno che con la stessa cifra potrebbero comprare ad esempio quattro, cinque litografie originali firmate da artisti di fama internazionale e uno due quadri di pittori contemporanei di sicuro avvenire. Invece assistiamo al completo disinteresse del pubblico verso le mostre d'arte, notiamo con rammarico la tristezza di artisti i quali, dopo la « vernice » attendono per giorni e giorni la visita di gente che non varcherà mai la soglia di una galleria d'arte. Eppure l'artista con le sue opere da al visitatore la misura dell'evoluzione continua, incessante, della realtà contemporanea. Bruciate le stampe, fantasmi dell'arte e visitate le mostre.
 
MARIO FONTANA
La Nuova Gazzetta  11/1/1970

Durante i bombardamenti i Siracusani

invocano il nome di Santa Lucia


Ventisette anni: un quarto di secolo.. Ma credo che siano sempre vivi nella memoria dei siracusani i lunghi anni di guerra e di oscuramento materiale e soprattutto morale. Chi non ricorda i fischi e gli scoppi delle bombe e il crepitare delle mitraglie e le cannonate e il suono delle sirene. E le notti insonni, per il susseguirsi degli allarmi; e le corse, al buio, verso i ricoveri. Per quante notti il sonno fu un frutto proibito Avevo poco più di dieci allora, ma ricordo che non ebbi mai paura; a quella età non si ha paura di morire; a quella età non si può essere amici della morte. Forse si ha timore della suggestione che provoca, nella mente dei bambini, la paura dei grandi, le loro grida, le espressioni di terrore; ma non si ha paura. Quando suonava la sirena, di giorno o di notte, salivo sulla terrazza di casa mia e ascoltavo il caratteristico vooom - vooomm dei quadrimotori americani, guardavo le traiettorie dei proiettili traccianti, gli squarci delle cannonate, che nel cielo apparivano improvvisi come grandi fiori neri. Non rinunciai mai a quella incosciente esperienza pur sapendo che una piccola scheggia, di poche once, con il peso centuplicato dalla caduta, avrebbe potuto uccidermi o ferirmi. L’aspra luce dei « bengala » rendeva irreale il paesaggio intorno, i « traccianti » segnavano direzioni imprevedibili, poi, per pochi attimi, tutto si zittiva e subito dopo, mille colpi improvvisi laceravano il silenzio del cielo. Schegge cadevano fischiando e spesso le trovavo ancora calde. La città era quasi deserta; a migliaia i siracusani erano sfollati nella provincia. A volte, verso le due pomeridiane, Siracusa assumeva un aspetto metafisico, come certi quadri di De Chirico; tanto era struggente la solitudine delle strade e delle piazze. La Luna piena: una maledizione. Le tessere « annonarie » per le razioni di pane, di pasta e di carne una efficace collettiva cura dimagrante. L’intrallazzo, (così si chiamava la borsa nera), di ogni genere spillava quattrini dalle poverissime tasche della popolazione affamata, angustiata, impaurita. I ricoveri antiaerei si trasformarono ben presto in putride cloache e in allevamenti di pulci di cimici e di pidocchi; l’umidità la faceva da padrone. Ad ogni fischio di bomba una preghiera, un’invocazione a Santa Lucia scaturiva dalle labbra della popolazione terrorizzata e in pena per i figli lontani coinvolti in un impari lotta nelle desolate steppe della Russia, negli infuocati deserti africani; nel cielo e nel mare. Ogni dialogo, una rievocazione di episodi dolorosi; il racconto struggente di un distacco. Ferite, navi, aerei, bombe, esplosioni, siluri, Tripolitania, Russia,Grecia: tutto un triste Carosello di fatti e di nomi sulla bocca di tutti. Si viveva alla giornata. Al mattino si era vivi, a sera si poteva essere morti. Ad ogni bombardamento i nomi dei feriti e dei morti facevano il giro della città. Si diceva: è morto Tizio o il figlio di Caio. Dopo lo scoppio di una bomba un braccio è stato trovato a quindici metri di distanza. Oppure si diceva di bombe rimaste inesplose in diverse zone della città. E quante volte durante i I bombardamenti vidi le motocarrozzette dell’U.N.P.A. (Unione Nazionale Protezione Antiaerea) cariche di corpi senza vita, dilaniati, mutilati, maschere insanguinate di uomini e di donne, di giovani e  bambini. Ricordo un pomeriggio triste, come lo sono certi pomeriggi di guerra. Era da poco  suonata la sirena del «cessato allarme » dopo uno dei più cruenti bombardamenti che Siracusa ebbe a subire. Me ne salivo tutto solo verso Piazza Archimede quando, giunto davanti al tabaccaio di Via del Littorio, (oggi corso Matteotti) mi passò davanti una motocarrozzetta deIl’U.N.PA stracarica di corpi e di membra umane accatastati; e teste e braccia e gambe pendevano dai bordi sgocciolando sangue. Andavano, inutilmente,  verso l’Ospedale. Dell’affondamento deI « Conte Rosso» a poche miglia dalla nostra costa, ricordo le motobarche che scaricavano centinaia di corpi alla «marina» proprio vicino “a cillitta” (la fontanella) e per far presto i marinai, pallidi e con la morte nel cuore, li gettavano sulla panchina come sacchi di  patate. Ma dovevano far presto, altre centinaia di corpi straziati aspettavano galleggiando nel .,. mare nostrum! A ripensarci quegli anni furono una macabra altalena tra la vita e la morte. Nessuna cosa, nemmeno il sole, riusciva a illuminare i giorni. La speranza di tutti era la fine della guerra. Poi, finalmente giunse il 9 luglio 1943. Gli ultimi, quanto inutili colpi delle nostre batterie contraeree furono sparati in un cielo notturno illuminato da un incalcolabile numero di «bengala » che gli aerei lanciavano appena superata la linea della Targia. Intanto, i rifugi della «marina », di Piazza Duomo e della Giudecca si erano riempiti di gente fino all’inverosimile. Quando fu giorno la batteria di Santa Panagia si svegliò e sparò qualche colpo del 381; poi tacque per non svegliarsi più. I tedeschi cominciarono a fuggire, seguiti dai gerarchi Fascisti. Un silenzio irreale calò su Siracusa, punteggiato da lontani colpi di moschetto e da brevi scariche di mitragliatrici. I soldati della Milmart, abbandonate le batterie di S. Panagia si tolsero le divise, indossarono i vecchi abiti che la gente gli diede  e armi e divise furono seppellite lestamente, sotto terra. All’imbrunire, americani, inglesi, indiani, sudafricani, canadesi, occuparono Siracusa, accolti dalla popolazione con fiori e grida di giubilo ricambiati, secondo gli ordini ricevuti, da generose distribuzioni di cioccolato, di corned-bee e di sigarette. Sono ricordi che  gli anni  hanno ridotto a brandelli  nella memoria. Ma non si possono dimenticare, perchè lasciano il segno come la zampata della tigre.
 
Mario Fontana



Egregio Direttore

Egregio direttore,
con sconcertante indirizzo mentale si continua ad oltraggiare la Sicilia.
Mi riferisco a quanto ha scritto lo scribacchia inglese e dal Corriere riportato il 18 Febbraio u.s.
Con grossolane menzogne,ancora una volta, si tende ad oscurare Palermo;a gettare ombre sinistre su tutta la Sicilia.Per scrivere ciò che il figlio di ... Albione ha scritto : " Nei ristoranti vi possono dare carne umana anzichè quella di maiale " credo sia necessario appartenere anche mentalmente a quest'ultima categoria; altrimenti tali rigurgiti di bestialità non li avrebbe dati in pasto alla stappa internazionale. Certo, la Sicilia è sinonimo di mafia ma per chi non lo sapesse ( e sono tanti) mi permetta di ricordare che dal suo generoso grembo sono nati anche Archimede, Empedocle, Teocrito; quattro papi santificati, una schiera di Santi, di beati, di apostoli e precursori di dottrine. Per le riforme sociali Nicola Spedaliere, per i sistemi filosofici Vincenzo Miceli, per le riforme criminali Tommaso Natale. Ad Emerio Amari, palermitano, la priorità nel campo del diritto comparato; a Rosario Gregorio il merito di essere stato il precursore della storiografia contemporanea.E perché non ricordare i due famosi cavalie­ri siciliani eroi della disfida di Barletta; e Caronda e Cielo D'Alcamo e Antonello da Messina e Vincenzo Bellini e Giacomo Serpotta e Giovanni Verga e Luigi Pirandello e Quasimodo e Vittorini e Don Sturzo e cento e cento altri degnissimi figli di tanta madre. Per concludere (poiché il silenzio non sempre è d'oro)voglio ricordare l'alto ufficiale tedesco che operò durante la prima guerra mondiale; riferendosi al Corpo d'Armata comanda­to dal siciliano generale Di Giorgio,testimoniò: " Osservando in battaglia il grande cuore e la ferrea volontà dei soldati siciliani,compresi come l'esercito del Maresciallo Conrad non sarebbe mai giunto a Milano.

Mario Fontana



Fogli su carta
 
***
Al marinaio basta dare un'occhiata alla bussola per essere sicuro di arrivare in porto.
Ma per te che vivi nella terraferma (terremoti a parte),non è facile fare il “punto” per sapere dove ti trovi o dove credi di trovarti. Certo, sappiamo che conosci il nome della tua città, della tua strada, del tuo numero telefonico e del tuo conto in banca.
Sei tanto intelligente che la porta di casa la troveresti anche col nebbione padano e tanto furbo da prendere in giro una volpe. Il guaio è che tu conoscendo numeri e nomi e, forte della tua intelligenza e della tua furbizia, ti credi proprio al sicuro;tranquillo come un prete con parrocchia.
Hai le tue comodità:i tuoi libri,la tua pipa preferita,la tua collezione di di vini e di liquori e magari un bel gatto siamese che ti fa le fusa. Ti senti proprio al sicuro.I tuoi problemi,semmai,sono aritmetici : dare e avere o meglio prima avere e poi dare.
Eppure, anche tu respiri ossido di carbonio e anidride solforosa al posto dell'ossigeno,anche tu bevi concentrati di rifiuti industriali,anche tu mangi estratti di pesticidi e di concimi,anche tu sei coinvolto nel dissacrante circuito dell’ attuale società.
Tuttavia tu ti credi immune e lontano da tanto sfacelo e sei convinto di vive­re quest'epoca da vaccinato antitutto, ti credi o sei convinto di essere un marinaio col cuore e il fegato di un corsaro. Nessuna tempesta ti fa paura. Nulla ti nausea. Ma se vivi così,se la pensi così vuoi dire che sei cieco,che sei sordo,che sei insensibile,che non leggi i giornali; che i tuoi pensieri sono,come scrive Sartre - ...pensieri da granchio... fragili come un foglio di giornale cotto dal sole...-
***
Molti politicanti rassomigliano ai giocatori di carte: quando perdono,non fanno tragedie, non si tirano i capelli. Si limitano a parlare sottolineando le loro frasi con eloquenti gesti delle braccia e delle mani, che sembrano presi in prestito dal pittoresco campionario gestuale dei pupi siciliani. E’ incredibile quanto riescano a parlare. Son capaci di ripetere mille volte in un giorno la "storiella" della loro più recente sconfitta con l'unica variante del tono della voce: a seconda degli ascoltatori. I più fantasiosi arricchiscono la 'storiella* di sfumature colorite,infiorando nuovi cavilli, per giungere, infine,agli atteggiamenti più vicini alla iconografia sacra. Ed è commovente constatare,il più delle volte,riescano a giustificare la loro “mossa sbagliata” o il “tradimento” dell'amico fidato. Naturalmente,quando vincono alle elezioni è tutta un'altra cosa. I primi a cambiare espressione sono i loro occhi: prima pietosamente atteggiati come si dice, a cane bastonato,poi luminosi e alteri come quelli del “fiero balilla mentre lancia il sasso”.
II saluto. Avete mai fatto caso al saluto “ prima” e “dopo” le elezioni? Quale stupefacente,incredibile, calorosa cordialità “prima” e quale superficiale,disinteressato(scocciato) mugugno “dopo”. Ricordo una storiella delle scorse elezioni. Un neo-eletto venne fermato per strada da un tale che gli aveva dato il voto(richiesto con lettera ciclostilata. Il neo-eletto si fermò un attimo e disse: vado di fretta,mi aspettano a pranzo e non le nascondo che ho una “fame da lupo”!
Disse proprio così: - Ho - una - fa – me - da - lu - po!

***
L'ultima minigonna del giorno la vidi al Bar e il mio sguardo salì dalle caviglie all'inguine,mentre ascoltavo le parolacce del barista che s'era scottato un dito,soffiando vapore nel “cappuccino” di un tale, ch'era giunto con Porsche verde ramarro.
Poi entrò la Marisa con i seni prepotenti e dalla memoria emerse la fanciulla che m'aspettava impaziente, là, dove il pergolato era tutto un intreccio di pampini.

Mario Fontana

Germania: il rogo dell' Arte Moderna
 
L’inquinamento della cultura e dell’arte in Germania coincide con il decadimento morale di una società borghese contrapposta dal nazionalsocialismo,alle tendenze rivoluzionarie socialiste. Sono lontani i tempi in cui molti intellettuali e artisti auspicano la prima guerra mondiale por spezzare l'abulia di - questa pace ammuffita, unta e oleosa e per rompere col regime feudale e militaristico di Guglielmo II. La fine ingloriosa della cosiddetta * grande guerra * lascia in eredità oltre alla catastrofe finale,tutti gli urgenti a ingarbugliati problemi politici e sociali: un dopoguerra scottante che borbotta,che innalza lingue di fuoco in ogni angolo della Gormania;insieme all'odio che serpeggia contro gli ebrei,i capitalisti e i comunisti.
Intrappolati in questa cruda realtà vengono coinvolti quanti operano nel campo dell'arte e della cultura: da Bertold Brecht al drammaturgo Arnold Zweigg, al satirico Carl Sternheim,la cui satira sfreccia contro la società berlinese; al pittore Otto Dix.e a molti altri.
Ovunque prolificano associazioni politiche. L'Armata Rossa dalla Ruhr contrasta il “Golpe” organizzato da Kopp,nel tentativo di instaurare un regime militare. Hitler fa conoscere il programma in 25 punti dello SNDAP sorto dalle ceneri del Partito Operaio Tedesco. Il dissenso con la chiesa raggiunge il culmine. L'esercito del Reich è impegnato a reprimere nel sangue quanti, nel centro del­la Germania,sono impegnati nelle "Lotte di Marzo”. Si contano i delitti politici; dal '19 al '22 : 376. In Italia,il partito fascista raggiunge il potere.La Francia occupa la Ruhr. Hitler e Ludendorf organizzano e attuano il “Golpe” di Monaco che si conclude in fallimento e con l'arresto dei responsabili. Il governo socialista della Sassonia viene rovesciato dall’ esercito del Reich. Ernst Thalmam guida l'insurrezione ad Amburgo.Le bande armate nere dal Reich si macchiano degli assassini di Feme.
In tutto questo marasma di delitti e di rovine,di insicurezza e di sgomento, l'inflazione raggiunge il culmine,trascinando all'impoverimento la classe media. Intanto Hitler viene liberato;pubblica *Mein Kampf* a crea il famigerato corpo delle SS.
La Germania del '26 entra nella Lega delle Nazioni. Goebbels è nominato govematore social-nazionalista, seguito da Himmler nominato capo delle SS. Il crollo della borsa di Wall Street aggrava la crisi economica tedesca : la conta dei disoccupati raggiunge i 4.500.000. II Ministero dell'Interno e della Istruzione pubblica cade nelle mani di Frik,
ministro nazionalaocialista. Esce il decreto “Contro la cultura da negri per la nazione tedesca”. Cominciano i veri guai per gli operatori artistici o culturali. Gli industriali aiutano e appoggiano Hitler con ingenti sovvenzioni. Hindemburg nomina Hitler cancelliere del Reich.Si aggravano ancor più le condizioni degli artisti. Le scintille dell'incendio del parlamento di Berlino accelerano le azini terroristiche da parte degli antinazisti. L'avanguardia artistica viene denunciata come ispiratrice della rivoluzione proletaria mondiale. “ Eliminare” dalla vita pubblica  i peggiori rappresentanti della decadenza.Per Hitler,l'arte moderna e sintomo e sinonimo di anarchia politica e culturale o di bolscevismo.Tutti gli artisti moderni vengono additati alla riprovazione popolare.Vengono istituiti “ campi di concentramento” per rinchiudervi tutte le opere d'arte moderna definite da Hitler “ arte degenerata". Così i capolavori di Klee, di Otto Dix,di Kokoschka, di Chagall, di Kandinsky,di George Hrosz e di molti altri vengono tolti dai musei e concentrati nei “musei degli orrori” per sottoporli al giudizio popolo opportunamente catechizzato dai leccapiedi hitleriani. Inoltre, vengono epurati dai musei e dalle gallerie della Germania nazista i capolavori di Van Ghogh,di Gauguin,di Picasso,di Modigliani e di molti , molti altri. A Dessau e a Norimberga a Chemmitz e & Dresda vengono esposti “ gli orrori “ e gli " specchi della decadenza” in contrapposizione della “ Prima esposizione viaggiante d'arte genuinamente tedesca”.
Ma gli strali hitleriani all'arte e alla cultura non hanno come bersaglio solo l'arte visiva;anche i libri sono "degenerati” perché turbano e distraggono il popolo dal fine supremo.L'unica immagine da innestare nel cervello di ogni tedesco è quella di Hitler;l'unico ideale da seguire: il  nazionalsocialismo. Piramidi di libri vengono dati alle fiamme.Hans Naumann,ordinario di storia della letteratura tedesca,  in occasione del rogo dei libri del 10 Maggio 1933,sulla Karkplatz di Bonn,pronuncia un discorso di cui riportiamo alcuni deliranti brani.
“...0 gioventù accademica della nazione tedesca,brucia dunque a mezzanotte in tutte le università del Reich, ciò che tu sinora non hai certo amato,ma che poteva tra­viare e minaccio di traviare tè e noi tutti”.E ancora: “ se questa notte un libro di troppo sarà gettato nel fuoco,il danno non sarà tanto grave come se ne avesse lanciato alle fiamme uno di meno.Ciò che  sano risorge da solo”.  Le espulsioni non si fanno attendere.Chi usava quei libri,chi amava quei quadri e quelle sculture,chi aveva dedicato la propria vita all'arte e all'inse­gnamento di quella cultura da bruciare e di quelle opere degenerate deve sparire dalla circolazione.
Artisti e scrittori vengono espulsi dall’ incarico di insegnamento: 0tto Dix, Kirchener,Nolde e molti altri vengono licenziati,assieme a moltissimi direttori di musei e di gallerie.
Criticare le opere d'arte è divenuto pericoloso, perche la critica d'arte è proibita. Vige il divieto più assoluto.” Soltanto lo Stato e il partito possono esprimere una valutazione di carattere assoluto”.
Il presidente della Camera delle Arti Figurative del Reich afferma: - Intorno a noi non troverete più queste parti della follia,della tracotanza, dell'ignoranza e della degenerazione”.
E,per accattivarsi la simpatia e la comprensione dei pseudo-artisti e di artisti di mozza tacca aggiunge: - E' um delitto e una vergogna aver tappezzato le pareti dei nostri musei con questa roba,quando nelle stesse città i probi artisti locali avevano poca e nessuna possibilità di esporre i loro lavori”. Così,gli artisti emarginati,gli incapaci,gli accademici; i pittori di “interni", di"animali”; di "motivi romantici”; il pittore che ricerca con orgoglio di razza la raffigurazione dell'uomo tedesco vengono  messi sul piedistallo e sostenuti dalla messa in scena con cui vengono organizzate le mostre della “nuova arte” in locali vicini e nelle stesso periodo dove vengono esposto le opere di “ arte degenerata ", per sottolineare, in termini antitetici,la differenza e la stoltezza di quanti hanno voluto e vogliono inculcare la corruzione e la distru­zione della cultura nel popolo tedesco.
Ed ecco un brano del discorso gridato da Hitler in occasione  dell’esposizione dell'arte degenerata”: "Tutte le chicche di ciarlatani,di dilettanti, di impostori dell'arte verranno snidate ed eliminate". Questi primitivi,cavernicoli balbuzienti dell'arte possono tornare, per quanto ci riguarda, nelle caverne dei loro antenati per dedicarsi ai loro primitivi sgorbi internazionali.
La Casa dell'arte tedesca di Monaco è stata costruita dal popolo tedesco soltanto par la sua arte tedesca.  
Anche la Bauhaus,la più importante e lucida scuola
d'arte tedesca,nata dalla genialità dell'architetto
Walter Gropius, cade sotte la persecuzione nazista.
A Hitler danno fastidio i fermenti creativi, le innovazioni, la dinamica politico-culturale
di questa scuola; per il suo carattere, Walter
Gropius e discepoli pen­sano troppo e ragionane molto.Lo infastidisce soprattutto la
politicizzazione dei suoi componenti,il loro modo
di capovolgere lo “status quo" dei rapporti arte
– industria, fino allora quasi inesistenti.
In un'era dominata, dalla macchina, dalla
tecnologia e dall'industria il rapporto con l'arte,
secondo Gropius, deve essere di collaborazione
reciproca infatti, afferma Gropius - l'assenza
di collaborazione comporta per i prodotti
induatriali carenze qualitative insoddisfacenti
rispetto alla quantità dei valori che nella produzione di massa potrebbero darivare alla societa.Ed è nell'arte che fa leva la chiave di quei valori che ne l'industria ne la macchina possono conseguire autonomamente.
-Gropius dunque, pensa alla 'qualità',si,ma
anche all'estetica. E non solo Hitler ma la
gran parte degli artisti accademici mal
digeriscono simili idee.E' evidente,che il loro
timore deriva dalla sensazione che le idee di
Gropius, possano far perdere loro quei
privilegi di classe acquisiti col consenso
della società borghese nazionalista che li osanna.
Per il borghese nazionalista è un assurdo
il volere identificare la figura dell'artista
sancita dalla tradizione romantica,con la
figura dell'artigiano anche se ora  indossa
il vestito dell'industriale. Il sogno di Walter
Gropius finisce il primo Ottobre 1932 con la
chiusura della Bauhaus. Ancora una volta
l'ignoranza,la stupida demagogia,hanno il
sopravvento. Ma le idee rimangono ,
non possono essere attaccate ne dalle
fiamme, ne dalla follia di un solo uomo.
La Bauhaus di Walter Gropius,i suoi
fermenti creativi sono sempre illuminati
e illuminanti.L arte moderna è sempre una
viva realtà.L'ultimo rogo viene appiccato
da mani nazista il 20 Maggio I939. Le
fiamme trasformano in cenere 500o opere
d ' arte degenerata.Adolf Hitler,ex pittore
fallito,ex riformato,ex caporale dell’esercito,
sorride soddisfatto.

MARIO FONTANA

Il più alto "Grattacielo del Mondo"
 
Salire sul più alto grattacielo del mondo è quasi un viaggio. Se un giorno o l'altro vi capiterà di trovarvi a New York, dove la fifth Avenue incrocia la trentaquattresima strada, proprio nel cuore di Manhattan, entrate nell' Empire States Building, pagate un dollaro alla bionda bigliettaia, entrate in ascensore e...oplà.
Mentre l'ascensore sale non dimenticate di masticare chewing-gum, vi eviterà il noioso ronzio agli orecchi dovuto alla differente pressione atmosferica. Al cinquantunesimo piano avrete fatto solo una parte del… viaggio. Ancora cinquantuno piani e sarete arrivati.
Altezza, trecentoottantuno metri. Sia di giorno che di sera, lassù, vi accoglierà sempre il vento, ma non dimenticate di entrare nella grande cupola di acciaio e se gli oblò non saranno occupati, come al solito, da romantiche coppiette in cerca di… altitudine, potrete osservare l’ immensa distesa della metropoli; ma lo spettacolo più bello si gode a sera quando New York si trasforma in un oceano di luci.
Dalla veranda sottostante la cupola, protetta da un’ altissima rete metallica, per via dei numerosi suicidi, emozionante e suggestivo guardate più che potete lo spettacolo che vi si apre tutt’ intorno affinché non vi si cancelli dalla memoria perché mai più dall’ alto di un palazzo, vi capiterà di vedere tanto in una sola volta. E se ad un certo punto sentirete dondolare dolcemente il terreno sotto i vostri piedi, non impallidite, non temete, non pensate al terremoto. Il dinosauro della tecnica edilizia da il massimo affidamento. Le sue trecentosessantacinquemila tonnellate di acciaio e di cemento sono una garanzia. E’ tutto previsto: altezza e relativa oscillazione, statica ed estetica. A me piace pensare che si dondola per passare il tempo, anche se i maligni pensano che lo faccia per dare il brivido ai visitatori fifoni che giornalmente superano le trentamila unità. Comunque se già siete decisi a provare tale emozione vi interesserà conoscere alcuni particolari del colosso e qualche curiosità.
Tanto per cominciare, gli ascensori sono settanta-quattro. Le donne addette alla pulizia sono trecento e nel “complesso” vi lavorano quindicimila persone. Ogni mese l’ "Energumeno” ingoia più di due milioni di chilowattora. Le seimilacinquecento finestre danno lavoro ad un esercito di pulitori votati al suicidio.
L' arca su cui poggia, nel 1799 era ancora una campagna di proprietà di John Tompson.
Il faro girevole collocato sopra la cupola fende la notte fino a trecento miglia di distanza. Nelle belle giornate, da lassù, si possono vedere cinque stati dal Connecticut alla Pensylvania, dal New Jersey all' immenso Stato di New York.
Ultima curiosità: se qualcuno di voi vuole scalarlo a piedi può farlo, gli scalini sono, soltanto, milleottocentosessantuno e se avrà la fortuna di arrivare lassù senza l'ausilio di qualche “bomba” tipo giro d'Italia, al ritorno, una bella ragazza, quasi sempre bionda, vi appunterà sul petto una medaglietta di latta con l’ effigie del grattacielo e con l' attestazione scritta in lingua madre locale: ”J’ve been on top” che è come dire: sono stato lassù.
Ma la medaglietta la regalano a tutti anche a quelli che si fanno proiettare dall’ascensore , imbottito di velluto rosso.

MARIO FONTANA

Il restauro delle pitture

Sono migliaia le chiese che cadono a pezzi: dalle Alpi alla Sicilia. Così, quando il parroco di una chiesa decide di dare il via ai necessari restauri è il caso di gridare al miracolo... Don Adriano Colombo uno di questi ma " ne sono convinto " non chiede applausi. E non ha chiesto molto ai suoi parrocchiani che, per inciso, sono quelli della Parrocchia di San Giuseppe in Bariana : solo una tegola, per ricoprire il tetto della loro chiesa, ormai pieno di acciacchi. Oltre all’intervento della ditta Campana, sono stati necessari: sia l’intervento del pittore Fumagalli, che con molta esperienza e altrettanta sensibilità ha “trovato” la giusta tonalità, per la ricolorazione dei muri e delle antiche travature: sia l’intervento del restaurato Mario Fontana. Ora lo sguardo accarezza il nuovo tetto in larice, le piacevoli decorazioni sottotetto, che sottolineano l’intero perimetro della chiesa; ripulite e restaurate dalle numerose abrasioni, dalla polvere e dal fumo delle candele. E che dire dei bellissimi medaglioni del Penati, più espressivi dopo il pulimento e il riassetto delle decorazioni, che fanno loro da cornici, eseguiti anch’essi dal Fontana. Altri interventi di restauro si sono resi necessari, sia nel primo arco di trionfo sia nel secondo, a causa delle infiltrazioni pluviali che ne avevano rovinato una parte. Infine, é da segnalare il restauro della figura di San Giovanni Bosco, completamente rovinata dall’ eccessivo assorbimento d’acqua ,espulsa dalla grondaia in corrispondenza del dipinto. La malta, composta di calce e sabbia, ricca di sali alcalini, uniti all’azoto dell’atmosfera produce il nitrato di potassa o " come comunemente chiamato " salnitro ,il quale produce quella patina biancastra che deturpa i dipinti murali. Ma per don Adriano,il tempo dei restauri non è finito. Il progetto completo e approvato (visibile in chiesa) prevede l’apertura di un ingresso, molto più grande del logoro attuale portone. Una grande vetrata e, ai due lati: il Battesimo di Gesù e Adamo e Eva finalmente liberati dalle strutture in legno che ne occultano una parte.
  
Mario Fontana

1989

Impressioni di un Siracusano sulla

megalopoli d'America: New York


Chi pensa a New York, senza esserci stato, immagina certamente una città immensa ma le proporzioni rimangono legate all’immaginazione che è sempre approssimativa. New York, supera ogni immaginazione. A formare questa città - stato contribuiscono smisurati quartieri i cui limiti si possono osservare solo sulle carte topografiche. Manhattan, Brooklyn, Queens, Bronx, non sono che alcune zone della mastotondica metropoli le quali, insieme a molte altre, formano la più grande e la più
popolosa città d’America. La Subway, ferrovia sotterranea, unisce tutte quelle vaste zone e chi vive a New York, si accorge, prima o poi, che non può fare a meno di questo mezzo, anche se in garage ha ½ Buick o la Cadillac. La sub­way è il mezzo più rapido per raggiungere, entro tempi ragionevoli, qualsiasi località. Oltre tutto il mezzo più economico e il pìù sicuro anche se.. tutto sommato, un pò scomodo. Ma chi va in Subway deve adattarsi, specialmente nelle ore di punta, quando fiumi di umanità si riversano e si stipano come datteri nelle capaci vetture. Allora bianchi e neri, indiani e cinesi, operai e impiegati, ricchi e poveri si ritrovano gomito a gomito. Di solito è gente stanca, con gli occhi velati di tristezza e i lineamenti tirati dalla giornaliera fatica, gente desiderosa solo di un po’ di riposo. Le più appariscenti sono le impiegate della City, quasi sempre giovanissime ma anche loro nascondono la stanchezza e la tristezza dei poveri travet, sotto un trucco molto marcato e già disfatto. Ciò che più colpisce è la serietà di quei volti. Mai un riso o l’accenno di un sorriso. Guardavo quelle facce ed erano facce di uomini facce di donne facce di vecchi facce di ragazzi, facce di tutti i colori ma, come denominatore comune, avevano qualcosa che le faceva apparire tutte uguale, standardizzate, disumanizzate, come maschere di antico teatro. Nessuno parlava, nessuno rideva, nessuno tossiva, nessuno si grattava, nessuno guardava le ragazze, nessuno spingeva, nessuno, e ad un certo punto mi sembrò di essere solo, e il tuc -tuc delle rotaie mi sembrò una voce umana. Eppure, pensavo, è gente che tutti i giorni, per anni e anni, si incontra alla stessa ora, sugli stessi treni, dovrebbero conoscersi,volersi bene,raccontarsi qualcosa, magari una barzelletta. Nulla, non succede nella Subway e a volte ero tentato di pestare il piede a qualcuno per provocare una reazione ; non lo feci per non restare deluso. Unica voce quella del controllore il quale, poco prima delle fermate, diceva con voce strascicata, il nome della stazione. Dalla sua bocca ogni nome usciva allungato, elasticizzato, come la chewing che i ragazzi tirano dai denti. Euclid, Lafayette Brighton, Broadway, Times Square li ricordo proprio per il modo cantilenante con cui li diceva. Tutto sommato mi sono sembrati i treni della tristezza, anche per l’impressione ricevuta dalle stazioni che sono spoglie, spersonalizzate, anonime ed emanano sentore di chiuso e di disinfettante; sembrano enormi  magazzini di scalo merci. Unica nota di colore, le macchinette rosse e gialle della gomma da masticare della cioccolata ecc. eppure, ogni anno, dalla Subway passano un miliardo e mezzo di passeggeri i quali  vivono miliardi di ore ne/le viscere della terra, brulicanti, come vermi tesi nell’ affannosa ricerca dei mezzi per sopravvivere. La sicurezza di questa ferrovia sotterranea, comunque, ha un altissimo margine di sicurezza affidata soprattutto ai centomila occhi elettronici e rarissimi sono gli incidenti. Così ogni giorno uomini di tutte le razze entrano ed escono dalle quattrocentoottantadue stazioni della Subway, invariabilmente estranei, incapaci di scambiarsi un sorriso.
  
Mario Fontana

Città 7



Incontro con Kodra 

Scrivere di Kodra, uno dei più significativi artisti d oggi, è più semplice di quanto si possa immaginare; ma; ad una condizione: bisogna conoscere l' Uomo - Kodra. Io l' ho conosciuto a Milano, grazie al comune amico pittore Mariano Salerno, un pomeriggio dello scorso Marzo. Andammo a trovano a casa e Kodra ci accolse con simpatia. Conversammo a lungo e mi resi conto che di fronte a me. stava un uomo pieno di umanità e di impulsi vitali. Dalla sua voce pacata ascoltai testimonianze di vita vissuta, dei suoi sacrifici sopportati in nome dell' arte e del suoi ideali di uomo libero; della sua profonda e umana lotta intellettuale e spirituale, contro le inquietudini che affliggono l' attuale società. Temi e problemi che lo scuotono profondamente; che subisce come ferite nella carne e nello spirito. Via via che la conversazione si snodava in argomenti diversi, il suo mondo emozionale rifioriva dalle sue parole, dai suoi gesti dal suo viso, ora atteggiato al sorriso, ora serio e pensoso e notai come, parlando con voce pacata si possono dire tante cose importanti. " Viviamo nel vuoto " disse, a proposito dei mali che hanno aggredito ogni angolo dell' universo e in cui siamo costretti a vivere. Compresi anche la sua umiltà non ipocrita, fatta di coscienza e di chiarezza, il suo disagio di vivere nel caos e nella nevrosi che serpeggia funesta, il suo modo di difendersi, di non lasciarsi trascinare e coinvolgere, per non sciupare il suo universo morale. Ma Kodra, Albanese dl nascita e musulmano di religione, educato dal giornaliero contatto con l' arte all' introspezione e alla esaltazione dei valori dello spirito, non fugge il pericolo, non aggira gli ostacoli; li combatte con la sua umiltà con la sua generosità e lealtà Sapevo, che, in mia assenza, aveva visitato la mia « personale » alla galleria «Novart» e gli chiesi un giudizio sulle opere. Mi disse che la mia pittura gli era piaciuta, che la trovava molto interessante, che continuassi pure par la mia strada, tenendo presente i consigli che mi aveva dato nel corso della conversazione. Due ore passarono in fretta, il bicchiere del brandy albanese era ormai vuoto e attorno a. me sentivo un atmosfera quasi magica. Ibrahim Kodra era riuscito ad incantarmi. E quando ci congedammo invitò me e l amico Salerno a cena in una trattoria. Non andammo a quella cena, per vari motivi ma, l' ultimo giorno della mia "personale" Kodra venne alla Novart, e insieme al pittore Salerno andammo alla Trattoria Toscana. Si mangiò e si bevve del buon vino toscano. Si conversò ancora. Mi disse della sua recente visita a Siracusa in occasione della sua « personale » alla New Gallery di certe sue conoscenze fatte nella « nostra » città, un tale che abita in una viuzza dl Ortigia che fa collezione delle cose più strane. Si parlò ancora di arte e di esperienza, negative e positive, della fame patita da artisti come Crippa ed altri, di pellicce barattate in cambio di quadri (che oggi valgono una fortuna). Ancora una volta notai la sua tristezza quando il discorso ritornò sull' avvilente falsità e sulla dissacrazione, che inquina e distrugge la fiducia fra gli uomini. Tuttavia, Kodra ama la vita perchè vi ha cercato e trovato il suo mondo che traduce in immagini e l umanità che lo circonda, malgrado tutto, è al centro di ogni interesse. "- I vecchi e i bambini ml fanno tenerezza " disse " I vecchi perchè spesso sono poveri, malati e soli; i bambini perchè sono il simbolo della vita e dell' innocenza. Infatti nelle sue opere trasforma l uomo, ma non Io esclude: egli lo vede dalla sua angolazione e lo colloca nella, sua realtà artistica.  I suoi personaggi pittorici possono essere uomini contemporanei o mitologici; possono essere santi o peccatori, uomini coraggiosi o codardi. Ed è dalla fissità delle sue immagini che riaffiora l origine levantina, stemperata dal contatto socioculturale europeo. Nel connubio di queste due civiltà, Ibrahim Kodra ha scoperto la sua verità interiore, la sua umanità, e continua a viverla sul filo vibrante dell' arte.
  
Mario Fontana

La Pentapoli 5/1976

Intensificare in Sicilia l'Apicultura


(il primo  articolo scritto nel 1958)

Da qualche tempo, in varie città d’Italia, gruppi di studiosi e di scienziati si riuniscono in convegno per discutere su un tema per la gran parte trascurato nel vorticoso ritmo della vita moderna: l’apidologia, ossia lo studio delle api e dei suoi prodotti. Infatti, tutta una aureola di scoperte scientifiche si è via via aggiunta alle incomplete e frammentarie notizie sulle osservazioni compiute, nel lento trascorrere dei secoli, da Aristotele a Plinio a Palladio per citarne alcuni dei più antichi appassionati che la storia ricordi. L’ape fu per loro oggetto di grande curiosità e di studi ed alla mancanza di mezzi scientifici Essi supplirono con la logica concludendo che il miele, abbondante nelle mense dei greci e dei romani, dava un senso di benessere alla salute di quei popoli. Il diciassettesimo secolo portò nuove scoperte così che la sto
  ria romanzata e le osservazioni scaturite dalla logica lasciarono il posto alla precisione scientifica dei nuovi mezzi di studio e di ricerche. Con la scoperta del microscopio da parte del naturalista olandese Swannerdam, si riuscì a contare i ventiseimila occhi dell’ape e si accertò e si stabilì definitivamente di sesso femminile il capo dell’alveare fino ad allora ritenuto di sesso maschile.  Il parroco Dzerzan scoprì la partenogenesi ed inventò l’arnia a favo mobile.  Il  Makring costruì artificialmente i favi di cera per risparmiare alle api tanto lavoro con grande vantaggio di tempo per le pollinatrici. Sull’apidilogia esiste oggi una fitta gamma di studi e di ricerche che vanno di pari passo con la letteratura ma tutti gli illustri autori e studiosi e scienziati pur seguendo vie diverse di osservazioni sono tutti concordi sui benefici effetti del miele. “ La vita delle api” del Maeterlink è tutto un inno sincero e commosso e la scrupolosità della ricerca si fa strada agevolmente nella lineare esposizione dei suoi studi. Il  lavoro, l’amore, l’odio, connaturati all’epopea della vita delle api " così il Maeterlink ce li espone ", riescono a farci dimenticare quei morsetti tanto caldi e amori che tutti, più o meno, abbiamo sopportato. Comunque, le ricerche scientifiche continuano a ritmo incessante ed i convegni sono una valida appendice a tanto appassionato lavoro. E’ opportuno, quindi, destare l’attenzione degli Enti interessati alla salute pubblica affinchè. con una opportuna campagna pubblicitaria. riportino sulle nostre mense questo preziosissimo alimento ricco di vitamine insostituibili, dando così un impulso vitale anche all’apicultura siciliana con conseguente vantaggio per la salute pubblica e per l’economia della nostra isola. La Sicilia è ricca di fiori di ogni specie ed è la più adatta regione d’Italia per un raziona le allevamento delle api... senza attendere gli anni avvenire quando le api troveranno, forse, fiori di plastica.
  
Mario Fontana

I prigionieri ateniesi liberati dai Siracusani furono i primi cantastorie della Sicilia

Il Fazello, nella sua Storia di Sicilia scritta verso il 1500, ci narra come ottocento anni dopo la rovina di Troia i Siracusani ottennero la strepitosa e insperata vittoria contro le truppe e contro i navigli Ateniesi, attorno, e nelle acque del nostro porto grande. Dopo quella vittoria "  continua il Fazello" molto prigioni Ateniesi per aver insegnato a loro padroni far versi, ottenevano per merce della libertà; e non mancavano di quelli, dopo questa  rotta, che andava cantando versi per diversi luoghi della Sicilia per guadagnare il vitto. La citazione del Fazello è molto importante poiché ci conferma come l’origine dei “cantastorie” si perda nell’affascinante girandola dei secoli. Dunque, molto probabilmente, i prigionieri ateniesi liberati dai Siracusani, sensibili alla poesia, furono i primi « cantastorie » della nostra isola e il Teatro dei Pupi ne è il diretto discendente poiché trae le sue origini, appunto, dai cantastorie girovaghi. Ma le testimonianze più valide e più vicine al nostro al tempo rimangono quelle del Pitrè: celebre folklorista palermitano il quale scrisse più di chiunque altro sulla nostra terra. Il suo primo studio sui canti popolari siciliani, fu edito nel 1868. In seguito scrisse Canti popolari di terra d’Otranto raffrontati con quelli di Sicilia, e,  La vita di Palermo cento e più ali. Ma dalla sua geniale penna lievitò anche un’opera, in venticinque volumi intitolata: Biblioteca delle tradizioni Siciliane: opera ciclopica, fondamentale per la conoscenza del popolo siciliano. L’Opera dei Pupi è dunque patrimonio prettamente siculo ed ebbe il suo maggior splendore nel secolo scorso. Però, verso la fine del settecento a Palermo vi era già un’opera allestita da Domenico Scaduto e di quel  periodo non se ne conoscono altre operanti nelle altre zone della  Sicilia. Fu solo verso il 1835 che il Teatro dei Pupi raggiunse uno sviluppo eccezionale e le rappresentazioni con i personaggi costruiti in legno e rivestiti con armature metalliche, sbalzate e cesellate da abilissimi maestri, conquistarono il cuore, la fantasia e la natura cavalleresca dei siciliani. I Teatri dell’Opera dei Pupi sorsero in molti centri della Sicilia; da ricordare il Teatro Macchiavelli di Catania il quale, dopo i primi anni del nostro secolo, messi da parte i pupi, ma non dimenticati, riaccese le luci della sua famosa ribalta sui creatori del Teatro dialettale siciliano: Giovanni Grasso e Angelo Musco. Il Pitrè, nel suo libro Usi e Costumi, cita " l’attività di 19 opranti in tutta la Sicilia, meno che a Siracusa, dove gli opranti non hanno un Teatro stabile. Rilevo però con piacere, da un articolo di Antonio Uccello, apparso recentemente su La Sicilia di Catania che, da una sua inchiesta, " ristretta nell’ambito della provincia di Siracusa " ha rilevato come " non  sia stato paese che non abbia avuto un suo spettacolo ad opera di pupari. " Comunque,  l’ondata delle nuove « storie » e dei nuovi guerrieri accese sempre più la fantasia popolare. Pupari e « cantastorie » divulgarono con grande passione le nuove leggende cavalleresche i cui protagonisti si agitano, vivano e muoiano da vili e da eroi nelle tremilanovecentoventidue pagine dei Paladini di Francia, scritte dal palermitano Giusto Lodico. E mi sembra importante rilevare come lo sviluppo del Teatro popolare cavalleresco coincida, nella nostra isola, con la trasformazione iconografica dei famosi carretti, i cui pittori e i cui carradori affascinati dalla vivacità delle storie, e dalla spavalderia e dalla lealtà dei Paladini di Francia, fecero passare in secondo ordine gli antichi eroi, già sfruttati nella decorazione sia scultorea che pittorica dei tipici  carretti siciliani. Personalmente, a Siracusa, ricordo il Teatro di don Ciccia Puzzu. Correvano allora gli anni trenta ed ero un ragazzino alle prime uscite di casa ed ogni strada, vista per la prima volta, almeno a quei tempi, sembrava una insperata conquista verso I’indipendenza. Ricordo che ogni giorno, allargavo il cerchio delle mie esplorazioni in Ortigia, verso il dedalo di viuzze che erano al posto dell’attuale Corso Matteotti. Finché un giorno, fattomi più spavaldo, raggiunsi Piazza Archimede. E mentre guardavo affascinato la Fontana di Diana, passò un manipolo di ragazzi armati di durlindane, scoltellate alla buona da pezzi di legno, che facevano roteare minacciosamente, gridando a tutta gola - Olà – zi – za -. Tolsi lo sguardo dagli zampilli della fontana e li guardai incuriosito ma anche entusiasmato dalla foga dei loro finti duelli e dalle loro grida. E li seguii, attratto e conquistato, e poco dopo, superato il primo tratto di Via Maestranza li seguì ancora a sinistra, e mi trovai di fronte ad un portoncino marrone. Non ricordo se feci il biglietto, ma ricordo il bacca­no assordante che trovai nella sala del Teatro: un locale piccolissimo, arredato con vecchi banchi cigolanti in cui vecchi, giovani e ragazzi, in attesa dell’inizio dell’Opera, esternavano tutta la loro impazienza chi gridando, chi bevendo gassose, (quelle con la chiusura a pallina di vetro), chi commentando a gran voce e con ampi gesti i particolari e le impressioni della « puntata » precedente. E quando la voce del puparo dominò solenne sulla scena il silenzio calò sulla platea come per magia. Ben presto il balenare delle durlindane e il luccichio delle armature si tramutò in colpi mortali che mandarono all’altro mondo numerosi saraceni. E il puparo nella foga della recitazione, rievocando non so quale battaglia disse che Orlando con un sol colpo di durlindana aveva staccato diverse dozzine di teste, provocando la reazione della platea con sonori "Cala ran Cicciu " Cala ran Cicciu! Con una scia di inevitabili fischi e di pernacchie. Questo fu il mio primo indimenticabile incontro con il favoloso Teatro di Don Cicciu Puzzu. Ma guardiamo un po’ cosa accade dietro le quinte dei superstiti Teatri dei Pupi. Il puparo naturalmente è il deus ex macchina . Egli costruisce i suoi Pupi, ne dipinge i volti, prepara il canovaccio dello spettacolo, cura la regia, dipinge i cartelloni, muove i fili dei suoi personaggi durante le recite, li anima con la sua voce. La sua abilità e la sua fantasia sono messi a dura prova ma egli, come Orlando, supera sempre ogni difficoltà e ne esce vittorioso. Naturalmente, il puparo si avvale anche della collaborazione di altri ma di solito sono suoi familiari, coinvolti nella stessa passione. Un mondo particolare quello dei Pupi e dei Pupari sostenuto dalla passione per i simpaticissimi personaggi fatti di legno e di sacrifici, di metallo e di amore, di colore e di avventura.  Ma è un mondo di favole antiche ormai distrutto. James Bon ha sostituito la spumeggiante epopea degli antichi eroi e gli Orlando e i Rinaldo non fanno pi gridare " Oli - di – zà. La bomba atomica ha preso il posto delle romantiche e fragili durlindane coltellate dei ragazzi. La sua abilità e la sua fantasia sono messi a dura prova ma egli, come Orlando, supera sempre ogni difficoltà e ne esce vittorioso. Naturalmente, il puparo si avvale anche della collaborazione di altri ma di solito sono suoi familiari, coinvolti nella stessa passione. Un mondo particolare quello dei Pupi e dei Pupari sostenuto dalla passione per i simpaticissimi personaggi fatti di legno e di sacrifici, di metallo e di amore, di colore e di avventura. Ma è un mondo di favole antiche ormai distrutto. James Bond ha sostituito la spumeggiante epopea degli antichi eroi e gli Orlando e i Rinaldo non fanno pi gridare " Oli - di – zà. La bomba atomica ha preso il posto delle romantiche e fragili durlindane coltellate dei ragazzi. Le antiche clessidre si sono frantumate e non segnano più il tempo della nuova storia: il vento ha portato via le dorate sabbie di un mondo tramontato.La favola è finita. Ma sarebbe un mondo da salvare per dare alle nuove generazioni le lezioni di coraggio, di cavalleria e di lealtà che, forse, solo i Pupari di legno sanno insegnare.
Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 8/3/1970

 

Italiani, brava gente

Noi italiani siamo esseri stranissimi, veri grattacapi per gli studiosi di psicologia. Ormai, ci conoscono in tutti i punti cardinali ed è difficile stabilire se la bilancia penda dal piatto della simpatia verso di noi o dall’altro, che potrebbe essere pieno di ben altra roba. E’ la nostra natura di introversi e di estroversi, di egoisti e di generosi, di patrioti e di esterofili allo stesso tempo che rende problematica una obiettiva valutazione. Condanniamo speculatori, ladri, strozzini e simpaticamente li assolviamo nelle nostre morbide coscienze. Aiutiamo i popoli depressi e filosoficamente ci dimentichiamo delle nostre aree depresse della nostra povertà. Ci facciamo cacciare dalla Libia come cani rognosi e reagiamo come esauriti fisici e mentali.  L’ansietà esistenziale ci porta a legarci con catene nei Grandi Magazzini di Mosca e poi piangiamo come coccodrilli per la condanna dei responsabili. Digeriamo tutto, tasse comprese, con una tranquillità e una comprensione commoventi; magari ingozzandoci di bicarbonato. Per nostra consolazione vituperiamo gli arteriosclerotici colonnelli greci. Per la lacrima facile piangiamo, afflitti, i poveri vietnamiti i quali, a parte i bambini e i dementi, sono una masnada di sanguinari farabutti fratricidi. Oppure, tanto per cambiare, perdiamo il nostro tempo nei bar e nelle piazze e negli stadi per contare i gol di un Gigi Riva o di qualche nababbo. Siamo capaci di immergerci fino ai capelli in labirintiche problematiche, mentre viviamo di illusioni che si frantumano giornalmente come cristalli. Curviamo le nostre schiene con una facilità spaventosa di fronte a chiunque alzi la voce e si sieda su una poltrona di pelle. Viviamo all’ombra di questo e di quello per ripararci dalle... insolazioni o per vivere al tepore dei raggi riflessi da certi personaggi della vita pubblica, per trarne temporanei vantaggi che spesso ci fanno illudere di essere grandi e potenti. Noi italiani amiamo il potere e la gloria e per raggiungerli siamo capaci di uccidere il nostro « io »; di scendere tutti i gradini della nostra dignità di esseri umani. Affidiamo la nostra sdrucciolevole politica in mano a equilibristi capaci di qualsiasi spericolata esibizione, pur di mettere le mani alle redini del biroccio, tanto, in quanto a pazienza ne abbiamo da vendere e tutti sono autorizzati ad attingerne. Non dimentichiamoci che dal 1946 ad oggi, di governi, dentro questo nostro demo rattoppato stivale ne abbiamo avuti più di trenta, governi balneari compresi. Ma, se dalla politica statale passiamo alla politica locale il labirinto si interseca e sprofonda nelle viscere più tenebrose e più maleodoranti. Così tiriamo avanti, appesi ai fili come marionette nelle mani di pupari che fanno il buono e il cattivo tempo e sempre sotto la minaccia di vederci tagliare i fili (leggi pane). I nostri particolari, italianissimi agenti patogeni assaltano continuamente là nostra psiche così che di volta in volta o addirittura durante una stessa giornata, possiamo essere filo cinesi, filo russi, filo americani, filo ebrei o filo egiziani. ma, filo tutto, meno che filo italiani.
Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 1971



Kitsch, le cose belle di pessimo gusto

“Le cose belle di pessimo gusto”.Una frase fatta per definire, appunto, tutte quelle co­se che fanno a pugni con il buon gusto. Con l'apertura del linguaggio corrente, verso forme ed espressioni che vogliamo definire disinvolte, la frase anzidetta si abbrevia " per meglio dire " si trasforma in  “cose pacchiane”.Tuttavia, con lo sviluppo della sempre più radicata mania esterofila di noi italiani, siamo giunti all’uso di una antica parola tedesca: - “Kitsch” (si legge come si scrive) che significa ” immagine del gusto sbagliato” o, " a nostro avviso " la naturale percezione di qualcosa che il gusto di certi individui, educati e sensibili all’arte e alla pura bellezza, rifiuta senza mezzi termini.
Ma non è che le vecchie frasi fatte siano cadute completamente in disuso. Tutt’altro. C'è chi a proposito o a sproposito le sciorina ancora.
“Kitsch” dunque è legato a tutto ciò che sa di gusto grossolano, e cadere nel “Kitsch” è più facile di quanto si creda, da parte di qualunque essere umano e a qualsiasi casta appartenga.
Tutto, se supera appena il buon gusto diventa
“ Kitsch”  e non solo gli oggetti, ma gli atteggiamenti e i modi di comportarsi. Ad esempio, il signor Prometeo che ostenta al dito un grosso brillante. Il barista Apollo che gira in Mercedes. La signora Afrodite che, malgrado l’adipe, sfarfalla in super minigonna. Il settantenne insaccato nel giubbotto di pelle, pieno di lucide chiusure lampo. La moglie del ragioniere Zeus sommersa dal cappotto di visone, barattato con un paniere di altri animaletti da molti chiamati “farfalle”.
La solita cartolina estiva spedita dalla stessa persona da ogni città; da ogni borgo o sobborgo. L’impiegato Ulisse che sfoggia troppi vestiti. L’antenna dell’auto troppo alta. Le stampe autoadesive attaccate al lunotto posteriore: e le altre tipo “ Paraurti vergine”,
” Se mi tocchi mi solletico”  “ Se mi vedi allontanati” , e ancora, “ io faccio sempre... il pieno!”, “ Vado diritto e faccio... centro”  e così via con simili cretinate.
Naturalmente, il discorso potrebbe continuare all’infinito, perchè infinite sono le cause e gli effetti che portano al “ Kitsch”.
Al limite, possiamo affermare che gli sceicchi, mettendo in atto il ricatto petrolifero, così come è stato attuato, sono anch'essi sdrucciolati nel Kitsch.
Ma, tutto sommato, ognuno ha il kitsch che si merita.
Mario Fontana
La Pentapoli 31/1/1974

 

L'acciaio nell'arte

Il progredire della tecnica e l’eccessiva meccanizzazione della civiltà consumistica " che ci ritroviamo fra le mani " ha trasformato il «gusto» e sotto certi aspetti, confuso le idee anche nel campo delle arti generando sospetti malintesi e deformate interpretazioni. Ma la tecnica " importante sottolinearlo " è lo «strumento» indispensabile all’evoluzione di qualunque branca dell’attività umana, tuttavia all’artista deve (o dovrebbe) servire non per strumentalizzare l’arte, ma per creare opere d’arte. Ed è risaputo che la necessità dl sperimentazione, lo spirito di ricerca sono inscindibili dall’evoluzione della tecnica quindi, entro limiti etici, anche dallo sviluppo a spirale dell' estetica, essendo impossibile dimenticare o accantonare I ‘esigenza prettamente umana dell ‘attività artistica. Col tramonto della «età del ferro» e con l’avvento dell’architettura verticale, l’acciaio ha accelerato la lievitazione della cosìddetta «civiltà dei consumi », parallelamente all ‘architettura e alla scultura. Tralasciando le infinite applicazioni dell’acciaio, ricorderemo quelle inerenti alla sua funzione estetica e per fare qualche esempio, diremo che la genialità delle famose costruzioni dell'architetto Le Corbusier è abilmente fusa con lo spirito creativo contemporaneo; ma il vero protagonista di tanta genialità è l’acciaio. Lo stesso acciaio che ha permesso all’architetto giapponese Kenzo Tange di creare stadi olimpici di un’audacia creativa pressochè irripetibile per la originalità e la disinvoltura. E dell' acciaio si servì il celebre architetto americano Frank Lloyd Wrighit per realizzare i miracoli tecnici suggeriti dal suo talento creativo. Accanto a progetti realizzati e realizzabili , abbiamo anche i cosiddetti « progetti utopistici» come la città - torre di F. l. Wrighit alta milleseicento metri con cinquecentoventotto piani, per ospitarvi centosessantamila persone. Ma l'architettura è stata sempre un susseguirsi di progetti grandiosi utili e inutili. come a Città del Messico dove troviamo le cinque torri in cemento armato alte cinquanta metri e prive di scale. Comunque, c' è qualcosa che unisce gli antichissimi architetti ai contemporanei, un filo ideale che lega gli arditi templi di Cuzco, innalzati con blocchi di granito con cinque metri di lato, tagliati con asce di rame, martelli di sasso e scalpelli di bronzo, ai grattacieli di New York, che spesso hanno la «testa»... fra le nuvole. Abbiamo detto sopra che la via dell' acciaio scorre parallela all' architettura e alla scultura infatti questa materia è stata trasformata in sculture ora opache ora riflettenti, ma sempre di grande suggestione. Cappello, lo fonde e lo lucida a specchio per captare l'azione modulare della luce. Altri lo piegano e lo forano, creano grumi e squarci che suscitano tensioni e stasi visive. Altri ancora lo gonfiano, lo spezzano, lo saldano, lo incastrano; lo fanno fluire e ondeggiare, come possiamo osservare nelle sculture di Tiné, Mastroianni. Pomodoro, Minguzzi ed altri. Osservando queste sculture - spesso di grandi dimensioni - che suscitano nello spettatore molteplici reazioni emotive, avvertiamo la misura umana dell' artista ingigantita dallo spirito creativo che appunto distingue l’uomo dall' artista. Tuttavia sono opere che secondo il nostro gusto dovrebbero "vivere" al di fuori della claustrale atmosfera dei musei, affinché non siano ridotte al destino di sole immagini, alla sola oggettualità vista casualmente dai - tanto spesso distratti - visitatori dei musei. Sono «oggetti d'arte» che dovrebbero far parte integrante dello spazio che ci circonda, per fruirne volontariamente o involontariamente, perché l’uomo non vive sempre nel chiuso delle pareti domestiche; l’uomo vive nella propria città e la città come l’uomo ha un’anima che occorre rispettare. E se «battiamo» queste note non è solo per fare «brindisi» all’acciaio ma per ricordare - anche - che la premessa indispensabile per la valutazione estetica delle opere d’arte, sia architettoniche, sia scultoree e, perché no, sia pittoriche, non è il contatto casuale con esse, non è l’andare dietro allo pseudo artista senza fantasia, insabbiato nella più mortificante retorica; non è il seguire l’esibizionista alla ricerca dell’applauso o quelli che hanno trascinato e trascinano in basso l’arte con pretese... veristiche, ma la familiarità continua con l’arte che affina il «gusto» e ci mette in grado di distinguere il vero dal falso, l’artista dal millantatore. Il vero artista crea, ricerca, rinnova, si dibatte, nell' incessante processo di identificazione, per non ibernarsi sul fatto compiuto (dagli altri) perché - costi quel che costi - non accetta limiti alla libertà creativa.

MARIO FONTANA
La Pentapoli 1975

La moderna farmacia ha seppellito lo speziale

Leggendo « A ciascuno il suo » di Sciascia, narratore dolce - amaro di personaggi e di paesaggi siciliani, mi sono ricordato della soggezione che esercitava su di me “ la Farmacia “ quando, ragazzino andavo a comprare i soliti due soldi di bicarbonato per la buona digestione del mio simpaticissimo nonno. Soggezione, dicevo, che non riuscivo in nessun modo a superare. Osservavo il farmacista che a passi lenti e con andatura solenne apriva uno scaffale alto e nero, tirava fuori un vaso di terracotta invetriato blu con su scritto, in belle lettere gotiche: “ Bicarbonato di sodio”. Lo poggiava sul bancone di marmo bianco, prendeva un foglio di « carta farmacia » già tagliato a misura della quantità, lo posava sul piatto destro della bilancina di lucido ottone, metteva il peso sul piatto sinistro, prendeva un cucchiaio maiolicato, toglieva il coperchio dal vaso, infilava il cucchiaio, lo riempiva di bicarbonato, lo tirava fuori lentamente, lo svuotava sulla bilancia e, di solito, il peso risultava esatto. Prendeva i miei due soldi, girava la manovella della « cassa » di metallo sbalzato a decorazione di stile « floreale » e il cassetto usciva fuori accompagnato da tre colpi di un misterioso campanello nascosto nelle “ viscere “ di quel “ mostro “ mangiasoldi, il quale dominava lucido e altero il lato destro del bancone. Oggi, la farmacia non ha nulla di particolare, rassomiglia a molti altri negozi, non ha più nulla di misterioso, è più allegra, più colorata, sono spariti gli attributi che facevano della “Farmacia”, specialmente della farmacia di provincia, il centro intellettuale, il cenacolo che sostituiva i teatri, i circoli, i clubs e vi si raccoglievano avvocati, medici, cacciatori infallibili, il sindaco, e il parroco, tutta gente con la testa sulle spalle: conservatrice.  Tutti questi personaggi trovavano nella farmacia il conforto per il loro spirito, tuttavia, la molla che li spingeva, a una certa ora, verso quel luogo, scattava dal bisogno di sfuggire alla terribile noia della provincia, alla sua tirannia. La farmacia, inoltre, essendo ubicata in un punto molto centrale, come la piazza o l’angolo di una strada, quindi in un luogo il cui passaggio era obbligato, rappresentava non solo un luogo di riunione, ma anche un ottimo posto di osservazione. I « notabili » si abituavano presto agli odori non sempre gradevoli delle antiche farmacie, originati dalla esculapiana preparazione estemporanea dei vari prodotti, alla vista degli scaffali spesso di stile «gotico» laccati in nero, carichi di vasi e di barattoli di terracotta e di cristallo che lasciavano vedere polveri e liquidi dai colori più impensati e gli alberelli antichissimi, spesso veri capolavori dell’arte maiolicara faentina. Anzi, tutto ciò contribuiva a creare quell’atmosfera di intima e suggestiva attrazione di cui nessun notabile del paese o della piccola cittadina di provincia poteva tenersi lontano. Far parte di quella compagnia significava far salire alle stelle il proprio prestigio e i « bacio le mani » e le « scappeliate » dei compaesani piovevano da tutte le parti, specialmente d’estate quando nel marciapiede, sotto il tendone verde, si uscivano fuori sedie e tavolini e sembrava un caffè.
  Allora ogni passante con gesti di marionetta si piegava in inchini e «scappellate», snocciolando “bacio le mani”, “ vossia benedica” “ servo suo “ “ riverisco “ “ servo vostro “. A tante effusioni di rispetto maschile i notabili rispondevano alzando annoiati, l’indice e il medio della mano destra e con questi toccando la falda della “paglietta “. Ma se da qualche parte sbucava una signora o una signorina, la seguivano da. lontano con lo sguardo, -si aggiustavano il nodo della cravatta e col pollice e l’indice carezzavano la punta destra del baffo e quando gli passava vicino si, alzavano e si scappellavano a loro volta.Poi si parlava a lungo della passante, si facevano numeri sulle misure del petto, sulla lunghezza delle cosce, sull’onestà o meno e così finchè si rifacevano le misure di un’altra passante.
Ma tutto ciò più che detto era sussurrato, accennato da gesti infiorati di riferimenti, di intuizioni. Tutto un alfabeto particolare tramandato da generazioni di medici, di avvocati, di farmacisti, di nobili, di cacciatori infallibili e di grandi giocatori di scopone. Già, lo scopone e soprattutto la dama erano i giochi preferiti dal farmacista e dai suoi amici. Quando entrava un cliente il gioco si fermava, il farmacista spariva nel suo laboratorio chimico, manipolava i suoi alambicchi, le sue storte, i suoi fornelli con calma e competenza finchè consegnava al cliente la boccetta col « cucchiaio », (così si chiamavano tutti gli sciroppi). La partita a scopone o a dama riprendeva, intercalata dalle ultime novità politiche, dai fatti del giorno, le congetture, da previsioni del tempo, da racconti di favolose battute di caccia, e, senza, volerlo, riuscivano a dare un indi rizzo all’opinione pubblica. L’evoluzione del tempo attuale ha tolto al farmacista l’aureola di magia e di grande rispetto di cui era circondato. “La Farmacia” non è più il cenacolo dell’ "intellighentia" e della chimica estemporanea. Oggi si entra, si consegna la ricetta alla commessa e in pochi secondi si ha in mano la medicina; come le sigarette dal tabaccaio.  
Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 19/4/1970 



L'argilla come arte

Quando l'uomo scoprì l'argilla intuì che
le sue mani,guidate dall'istinto
creativo, potevano modellare la morbida
pasta. L'inizio di tale intuizione si perde
nella notte dei tempi e non si può collocare
dentro un preciso periodo. Da allora i secoli
si sono succeduti e con essi l'evoluzione
dell'uomo ha salito tutti i gradini che
conosciamo. Già cinque secoli avanti Cristo
la Persia, l'Asia Minore e la Cina avevano
raggiunto una produzione artigianale di
alto livello. Delle colonie della Magna Grecia
sono rimasti i famosi vasi Apuli e Campani
e molti sono gli esemplari, oggi conservati
nei musei, della produzione etrusca e
italiota, dobbiamo sottolineare che
riuscirono a influenzare tutta la produzione
del mondo e via via tutto il territorio
dell'Impero.
I più antichi centri storici della ceramica
italiana sono Albissola e Faenza ambedue
operanti verso il 1100; Albissola si distingue
per la produzione delle "Idrie": caratteristici
vasi usati dagli "speziali" per la conservazione
dei preparati faramaceutici; Faenza,
per le maschere e gli arabeschi decorati con
i due colori predominanti: il giallo e l'azzurro,
che caratterizzano, tutta la produzione faentina.
Verso il 1300 le officine di Pesaro sfornano
oggetti dipinti in giallo molto pallido e in azzurro.
Gubbio, altro importante centro ceramistico,
lega la sua caratteristica principale al
rosso di maiolica e all'imitazione di pietre
preziose. Castel Durante si specializza nella
produzione di "Vasi di farmacia" i cui
esemplari si vedono ancor oggi in piccole
farmacie di minuscoli paesini, anche siciliani.
Nel 1500 Milano produce ceramiche ispirate
all'arte cinese. Nello stesso periodo Urbino
si aggiudica il primato nella produzione
rinascimentale decorando le ceramiche con
motivi "raffaelleschi". I ceramisti torinesi,
intanto, dipingono i loro fregi su fondo bianco,
usando il verde, l'azzurro e il giallo.
Lodi imita la produzione artigianale di
Mostiers. Genova si specializza nella
produzione di mattonelle da pavimento
decorate a "medaglioni". La Venezia seicentesca
produce raffinatissime porcellane ornamentali.
Capodimonte dopo molte ricerche trova
un inpasto nuovo,molto chiaro e da vita a
una produzione più che famosa, da
ricordare i " gruppi" della commedia dell'Arte.
I fiorentini del 700 danno alle loro
ceramiche una caratteristica particolare
giocando sapientemente e con gusto
con colori che vanno dal blu scuro
al verde-rame all'arancio molto luminoso.
Doccia, (Firenze), crea personaggi in
costume cinqueaentesco e i famosi "galletti"
e "tulipani".
Bologna elabora un'impasto di terra
di Vicenza e polvere di marmo di Carrara
e costruisce oggetti bianchissimi.
I famosi ceramisti bassanesi, eredi di
una tradizione altamente qualificata,
creano,ancor oggi, dopo circa un secolo
e mezzo, le "alzate"di frutta e di fiori
e i galli e gli uccelli sempre molto
richiesti ed esportati in tutto il mondo.
Ma la produzione e la tradizione
ceramistica italiana non si esaurisce nella
rosa dei centri di grande produzione.
Molte officine minori ma non meno
interessanti hanno dato impulso e
vigore all'arte della ceramica.
Da ricordare la seicentesca maiolica
povera romana, passata alla storia
come la produzione del "Maestro del
paesaggio ", così definita per i paesaggi
che decorano il centro dei piatti anche
se architettura e ambiente non hanno
nulla in comune con i conosciuti
paesaggi laziali. I colori predominanti
di questo tipo di maiolica sono il cobalto,
la ramina, il manganese e pochi altri colori.
La decorazione, dicevamo,rappresenta
ora una casa ora un paese; rare volte
i volatili e gli animali domestici;
in qualche caso motivi floreali e
profili " virili". Gli orli sono decorati
con foglie stilizzate, triangolini
o ghirlandine.
Interessanti anche le "trufe"imolesi
a grossa pancia e collo molto strette
dipinte in nero e a chiazze brune;
le scodelle di Recanati e di Appignano;
le terrecotte laziali di Signa; le famose
"cannate" ciociare in rosso e in blu
molto scuro, i vasi e le "pignate"
di Campobasso e di Guardiaregia
con i motivi della serpe, dell'uccello
e della conchiglia; le anfore campane
a "biscotto" o smaltate in nero;
la luminosità delle ceramiche di Vietri
sul Mare con i verdi i rossi e gli azzurri
chiarissimi riportati anche dalla
produzione amalfitana; i piatti pugliesi
di Rutigliano e di S.Severo; o le ceramiche
lucane prettamente arcaiche; le "ciasche"
le"graste" i "bummuliddi" i piatti
"ri strattu" siciliani; le " mariche",
recipienti per acqua i " broccolitus"
recipienti per vino i "congiolarius"
ornati con fiorì, personaggi e colorati
con verdi bruni e grigi della Sardegna.
Una tradizione ceramistica invidiabile
che ha dato al nostro paese un'impronta
particolare per l'incessante evoluzione
artistica e tecnologica.
Ma non possiamo chiudere la nostra
" panoramica" senza fare i nomi dei
più illustri maestri maiolicari: Guidobono,
Giorgio Andreoli, G.B.Dalle Palle
autore del "Piatto con Mese" datato 1570;
i Pirotti che operarono nella seconda
metà del sedicesimo secolo; l'officina
dei conti Femiani della prima metà
del diciottesimo secolo; i Della Robbia
e la celeberrima Bottega dei Fontana
da Urbino, operante nel sedicesimo
secolo. Naturalmente molti altri nomi
prestigiosi ci sfuggono perché tanti
furono e sono gli artisti che seppero
e sanno trasformare l'argilla in
capolarori di eleganza e di raffinatezza.
Ludwig van Beethoven volendo dare
una definizione dell'arte disse:
- "Ogni vero prodotto dell'arte è
indipendente, più potente dell'artista stesso,
e attraverso la sua apparizione esso
ritorna agli Dei e attraverso loro
si unisce agli altri uomini. L'opera d'arte
è la testimonianza che nell'artista
albergano gli Dei".

Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 12/7/1970


 
Le catacombe di San Giovanni

L’antica pentacoli si estende su un sottosuolo quasi del tutto roccioso. L'ottima qualità della pietra contribuì certamente allo sviluppo della civiltà grecoromana, essendo di calcare facilmente modellabile, compatta e inattaccabile dagli agenti atmosferici. Infatti, se osserviamo le zone rocciose si nota la patina grigiastra che la ricopre, formatasi lentamente, attraverso i millenni. Ma se ne stacchiamo un pezzo ecco che appare il bianco il giallo ocra chiarissimo. Solo in alcune zone il calcare si trova misto a elementi ferrosi ed ha il colore della ruggine. Particolarmente, il sottosuolo di Acradina è in calcare molto compatto e questa peculiare condizione fu certamente condizionante nella scelta della zona per l'escavazione delle Catacombe di S. Giovanni, da parte della Siracusa Cristiana.
Abbiamo detto condizionante e non determinante poiché i siracusani, continuando le antichissime tradizioni dei Siculi, dei Greci e dei Romani, avrebbero eseguito comunque l'escavazione; anche se avessero trovato del tufo al posto del calcare; così come fecero i fedeli della Roma Cristiana.
Ma al contrario delle Catacombe romane, le quali attraverso i secoli hanno subito le conseguenze dei sommovimenti tellurici, le nostre catacombe hanno superato brillantemente tutti i capricci del sottosuolo.
Ma a prescindere dalle condizioni geologiche, in quasi tutta la Sicilia, si trovano sempre nuove tracce di ipogei cristiani, tanto cari agli archeologi ma carissimi, purtroppo, anche agli scellerati violatori di tombe, volgarmente detti tombaroli, i quali, provvisti di particolare fiuto, setacciano in lungo e in largo ogni zona alla ricerca del prezioso materiale che di solito arricchisce il corredo funerario. Un mestiere, quello del tombarolo, antico come il mondo, germogliato assieme alla spinosa pianta del vandalismo e del saccheggio.
Basta dare un'occhiata al De Bello Vandalico il Procopio per sentirsi gli occhi ricolmi di spine il cuore pieno di amarezz, specialmente quando ivi si leggono le profanazioni subite dal 443 al 468 da parte dei Vandali " Ariani di Genserico giunti dall'Africa col preciso scopo di saccheggiare, di distruggere e di cancellare ogni traccia di sacro. E il De Be Gothico che ci ricorda Totila e il suo esercito nell'atto di scon-volgere il territorio siracusano, comprese tutte le chiese. E le devastazioni degli arabi nel 705 e le persecuzioni degli Iconoclasti comandati da Leone Isaurico. durante la dominazione bizantina, i quali furono maestri nella tortura dei cristiani e nemici insuperabili del'iconografia sacra. Ma la rovina totale di Siracusa e non solo di Siracusa, giunse, ancora una volta, con gli arabi nell'ottocentoventtisette. Questi, per ben due secoli di opprimente fanatico dominio smontarono sistematicamente tutte le strutture cristiane, non tralasciando neppure gli angoli più reconditi della mente umana. Naturalmente anche le catatacombe di San Giovanni subirono la stessa sorte col risultato che il loro stato attuale, pur conservando l'atmosfera di alta spiritualità cristiana, si presenta spoglio di ogni sovrastruttura, essendo scomparsi tutti i fregi marmorei, le pitture, le sculture e i mosaici che adornavano altari e gallerie, loculi, cubicoli e sarcofagi. Solo la nuda roccia è rimasta, in molti tratti ricoperta di muffa e di lichene. La lunga galleria principale è tagliata ad angolo retto da dodici gallerie minori e in queste si aprono camere sepolcrali, ora quadrate ora circolari, facilmente ricavate dalla roccia. Anche in alcuni tratti delle gallerie il suolo è occupato da tombe interrate e dal cui piano di calpestio affiorano i bordi sbrecciati. Dalle pareti delle gallerie, degli ambulacri e dei cubicoli sono ricavati arcosoli polisomi contenenti fino a venti tombe.
Gli arcosoli attribuiti ai martiri sono i più belli essendo rifiniti all’estemo con affreschi ormai ridotti a brandelli; uno di questi, secondo quanto dice il monaco accompagnatore è attribuito alla Vergine Deodata. In un'altro arcosolio vi si legge ancora un'iscrizione latina che dice di essere sepolta, in quella tomba, la moglie del patrizio Teodulo, di nome Maria. Poi ancora l'arcosolio del Vescovo Siracusio, scoperto nel 1907 dall'insigne archeologo Paolo Orsi e sul cui prospetto è inciso un granito rappresentante un disco con la croce ansata e ai lati due barche a for­ma di pesce.
Interessante anche la rotonda di Adelfia così chiamata per via del bellissimo sarcofago ivi trovato, oggi esposto in una sala del Museo Nazionale in Ortigia.
Sul frontale di questo artistico sarcofago, oltre a un gran numero di figure si possono ammirare, al centro, scolpiti a rilievo i ritratti del conte Valerio e di Adelfia, l'uno con i codicilli del suo casato e Adelfia con la mano poggiata sulla spalla sinistra dello sposo.
Lo spazio, purtroppo, non ci consente una descrizione completa delle Catacombe di S. Giovanni anche perchè bisognerebbe aggiungere le contigue Catacombe di Vigna Cassia di S. Lucia, e di S. Maria di Gesù le quali, insieme racchiudono tut­to quanto è sfuggito alla furia devastatrice nelle barbariche invasioni e testimoniano la ge­nuina fede della Siracusa Cristiana.
Molti resti dell'epigrafia ciminteriale trovati nelle varie ca­tacombe siracusane sono conser vate in una sala del Museo Nazionale e  chi legge quelle parole non può non commuoversi.
Una dice: - Ricordati o Dio della tua serva Criside e da a lei il celeste soggiorno luogo di refrigero nel seno di Abramo, D'Isacco e di Giacobbe.
In un'altra vi si legge: “ Euschia la irreprensibile vissuta buona e pura per anni circa 23 mon nella festa della mia S. Lucia. Per la quale non vi è elogio condegno. Fu cristiana fe­dele perfetta molto meritevole a suo marito”.
MARÌO FONTANA
La Nuova Gazzetta 29/3/1970

Le maschere siracusane nella “corte dei miracoli”.

Si è seppellita la tradizione del Carnevale ma la sua vita continua ogni giorno. 
C’era una volta il Carnevale a  Siracusa. Sembra l’inizio di una favola ma non lo è. Purtroppo è la realtà di oggi. Una realtà che si è fatta strada lentamente, anno dopo anno, attraverso la sparizione delle sottili strisce colorate, delle stelle filanti, attraverso coriandoli non venduti, attraverso la quantità di maschere non acquistate da un pubblico sempre più indifferente, sempre più attratto verso altri divertimenti; sempre più « in altre faccende affaccendato ». La povertà odierna del Carnevale siracusano è semplicemente mortificante. Non tanto perchè senza il Carnevale si muore o ci si espone alle ire degli inventori pagani, quanto per il voluto assassinio del Carnevale siracusano, non certamente per mano del popolo. Eppure il «nostro» Carnevale, quello di un tempo, era uno spettacolo indimenticabile; si coniavano canzoni, si allestivano carri enormi, il pubblico lanciava quintali di coriandoli e di stelle filanti. L’orgia dei colori e l’ondata di allegria trasformava le strade della nostra città in un grande palcoscenico e tutto frizzi e lazzi e spiritosissime battute, contribuiva alla gioia sentita, genuina,  senza inibizioni. Oggi Siracusa ha detto no al Carnevale bruciando una tradizione che s’era fatta strada attraverso i secoli, attraverso civiltà che per certi aspetti superano quella che oggi ci viene somministrata come la civiltà dei consumi la quale comprende il libertinaggio più sfacciato e mortificante e le lotte degli arrampicatori politici e sociali i quali non fanno che condizionare a loro uso e consumo la volontà del popolo. Ma se i greci inventarono le maschere per ricreare sulle scene le loro cruenti e significative Tragedie, anche sotto il sole della nostra città, i siracusani che dedicano e vendono anima e corpo alla escalation politica e sociale, pur non amando né la loro città ne il carnevale di maschere ne hanno inventate una miriade; ma questo non ci consola affatto perchè non hanno nulla a che vedere con il carnevale.  Sono le maschere di tutti i giorni quelle che molti applicano ogni mattina prima di  chiudersi alle spalle la porta di casa; usatissime dai politicanti in genere, dai cosiddetti «galoppini», dai curvatori di schiena, dai frequentatori di certi circoli, dai venduti per un piatto di lenticchie o per una  villa al mare; dagli scrocconi, dai petulanti, dagli accaparratori, dai vili, dai vigliacchi, dagli uomini bandiera, da quelli che in un modo o nell’altro sono riusciti ad incollare l’ex sedere proletario ad una poltrona di pelle ed usano carta igienica al profumo di lavanda. E sono tante le nuove maschere che elencarle tutte non basterebbe un grosso volume. Ma la maschera più caratteristica è quella scelta dagli arrampicatori politici e sociali i quali hanno barattato il prestigio della nostra città in cambio di certi zeri e di certi compromessi che, comunque vada si trasformano sempre in spazzatura. Mentre la nostra città che ha boccheggiato per anni è già morta per mancanza di amore e di affetto e il cadavere ammorba l’aria misto ai miasmi  della civiltà industriale. Il nostro olfatto sente gli odori nauseanti del cadavere abbandonato e in via di disfacimento, tutto il popolo li sente, tranne i frequentatori del « Palazzo di Città », il quale, è diventato il covo dei nuovi tiranni e la « corte dei miracoli » nello stesso tempo. Ma tutte queste nuove maschere non sono la nostra consolazione morto e sepolto e neppure l’eterno carnevale che ci somministra la classe politica e pseudo politica può sostituire una tradizione bruciata dal disamore verso il popolo. La fragilità della maschera di Pulcinella è stata sostituita dalle nuove maschere di bronzo che oltre ad essere durevoli hanno la bontà di proteggere i portatori da sputi e schiaffi, non solo materiali. Noi, di fronte a tanta insensibilità, al cospetto di tanta incuria, di fronte a tanto disamore per un cielo cosi bello, osservando la morte della nostra città che vuole risuscitare la sua antica bellezza ionica, indossiamo col cuore colmo di tristezza la maschera di Pierrot.
Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 1971



Le opere di artisti domenicali non reggono alla valutazione estetica
 
Tutte le arti hanno un filo conduttore che le unisce alla radice, ma, l'arte figurativa è qualcosa di indefinibile anche se è necessario tradurla a parole essendo materia di studio anche per i non artisti. Comunque, la descrizione, l'impressione soggettiva del critico d'arte o di qualsiasi altro uomo non potrà mai prendere il posto dell'occhio che scruta, esamina, raccoglie sensazioni ora gradevoli ora sgradevoli, e trae le conclusioni più consone atta sensibitità. sensibilizzata, appunto, dalla visione diretta e incontaminata.
Semmai la parola, il libro, la critica d'arte può essere un aiuto prezioso verso la conoscenza di un “movimento”, di una “scuola”, di una “tendenza” .
E potremmo anche aggiungere che tutto ciò che in qualche modo spiega, che chiarisce, che esalta, che convince è un richiamo prezioso, una attrazione, un risveglio di vocazioni sopite.
Quanti uomini, si sono convertiti al Cristianesimo, dopo aver letto e meditato le pagine del Vangelo,
pur non avendo mai visto “ de visu”  nè i personaggi, nè i protagonisti, nè assistito ai miracoli.
Ecco dunque l'importanza della parola, anche se, a volte, il critico d'arte fa della retorica e della poesia perchè non trova altra via, altre soluzioni.
Tuttavia, se riesce a dare un certo orientamento verso la conoscenza di un pittore o di tutta una corrente artistica possiamo dire che ha assolto il suo compito, almeno con onestà. Ma è anche vero che spesso il critico riesce a intuire, a individuare gli stimoli che hanno spinto l'artista alla creazione di una data opera ma non riesce a tradurre a parole il significato psicologico delle sue intuizioni; non riesce a far combaciare le sue impressioni allo specchio bianco che è il foglio di carta arrotolato alla macchina da scrivere.
Insomma, non riesce a saldare i due elementi fondamentali: impressione - parola. Si rischia allora la definizione inventata la quale, come tale, è estranea alla volontà creativa dell'artista.
Ma non basta la cultura vasta, particolareggiata, da vero computer in quanto può rivelarsi controproducente ai fini di una spontanea e serena valutazione dell'opera d'arte.
Comunque, la  critica d'arte è sempre un compito ingrato specialmente per chi scrive sulle Gazzette.
Per i critici famosi i quali hanno grandi spazi sui giornali e su riviste specializzate è diverso poiché rischiano, ma rischiano meno in quanto la loro critica si evolge e si esaurisce nella spirale dei grossi nomi dell'arte da lungo tempo affermati in campo internazionale.
Al contrario, come dicevamo, il critico che vive l'ambiente artistico provinciale è legato ad un “ modus vivendi” particolare, fatto di concessioni, di incoraggiamenti, di congratulazioni e, malgrado ciò, spesso è tacciato di incompetenza, di partigianeria, di troppa generosità.
Come si deve comportare dunque, il critico che vive nelle periferie dell'arte ?
E' chiaro che il suo compito è quello di dare a Cesare e a Dio con equità. Ma prendiamo ad esempio la mostra di un gruppo di giovani leve della pittura presentata dal critico Ipsilon, il quale, con molta grazia, scrive: “ Sono stato costretto a presentarli poiché questi giovani desiderano il giudizio critico del pubblico ma, sono certo che raggiungeranno alte mete.
Come dire io vi aiuto ma voi aiutatemi, diventate bravini, affinché in futuro, chi non avrà dimenticato la mia presentazione non abbia a tacciarmi di poco fiuto e di incompetenza. Ma tutto ciò è e rimane un compromesso con chi legge le presentazioni e segue le critiche, soprattutto, è bene sottolinearlo, è un compromesso che il presentatore " critico d' arte assume a suo rischio nei riguardi degli artisti, specialmente con i giovanissimi, con quelli, per intenderci, che hanno consumato appena una dozzina di pennelli.
Ritornando alla presentazione di Ipsilon, possiamo concludere che sul piano della generosità non si possono rilevare deficienze.
Ma per un momento immaginiamo che Ipsilon anziché scrivere ciò che ha scritto, avrebbe detto alle “giovani leve”: “Sentite leve”: “Sentite ragazzi, sono convinto che questo è un periodo di transito, sono certo che in futuro dipingerete meglio i vostri quadri, quindi vi prego di trascorrere tale periodo nella solitudine dei vostri studi e quando avrete consumato almeno mille pennelli e tremila tubetti di colore verrò  nei vostri studi e vedrò di scrivere due o tre righe o una monografia. Se non avrete la costanza, la pazienza, la vocazione, non perdete tempo, andate in amene località montane o in solatie spiagge: tanto i soldini non vi mancano “.
A questo punto lasciamo all'immaginazione, alla vostra fantasia cosa sarebbe successo al povero critico - presentatore.
E questo in fondo non è che un esempio delle cotte e delle crude che il povero critico di provincia deve sopportare nei casi definiti di  “tradimento” di “ incompetenza”  di “ insensibilità “ e, quando va meglio, di “ partigianeria”. Di fronte alla maestria dei pittori domenicali, di fronte alla presunzione degli hobbisti, di fronte alla prosopopea di certi maestrucoli, di fronte all'infallibilità di certi professorini effeminati, alla presenza di uomini bifrontali, di fronte ad uomini - bandiera e, per chiudere, di fronte al mammismo e al papismo, il critico d'arte non vincerà mai le sue battaglie, anzi, perderà sempre più, man mano che la percentuale dei pseudo artisti avanza, poiché, si sa, che il materiale occorrente: tele, colori e pennelli è entrato ormai in tutte le case.
Malgrado ciò la funzione delta critica è e sarà insostituibile poiché, come dicevamo, l'arte figurativa deve essere tradotta a parole essendo materia di studio anche per i non artisti.

MARIO FONTANA
La Nuova Gazzetta 22/3/1970



L'eterna validità dell'arte nell'ansiosa ricerca del linguaggio

I movimenti e le scuole che hanno lasciato maggior traccia di se e dei pittori più famosi ebbero inizio a Parigi nell'anno 1874.
In quell'anno, a Parigi, passò sotto silenzio la mostra allestita da alcuni pittori nei locali di un fotografo di nome Nadar.
I giornali che se ne occuparono lo fecero solo per denigrare e per umiliare i pittori che avevano avuto il coraggio di esporre quella specie di quadri.
I quadri esposti, d'altra parte, erano completamente diversi dalla produzione allora corrente. Tutto sommato, le opere esposte, sembrarono ricerche sugli effetti di luce, infatti, il colore non era più leccato e levigato, ma lasciava vedere le pennellate e l'impasto corposo. Le tinte e le mezzetinte non riproducevano il colore locale, le ombre non erano più grigie ma azzurre, verdi, rosse. Come succede sempre dei fatti più importanti, e non solo nel campo dell'arte, nessuno si accorge dell'importanza di questa mostra anche se esempi del genere si susseguono in tutti i tempi e sotto tutti i cieli.
Naturalmente il tempo ha dato ragione a quei coraggiosi pittori e i Cézanne i Monet i Renoir ecc., oggi, possiamo ammirarli in tutti i musei e nelle più prestigiose collezioni d'arte.
Da allora è passato quasi un secolo e gli « Ismi » si sono succeduti grazie allo spirito di ricerca di altri artisti.
Facciamo dunque un giro di orizzonte sugli "ismi" che hanno lasciato indelebili tracce sul glorioso e coraggioso cammino dell’ arte, poiché ci sembra interessante esporre cronologicamente e con le particolari caratteristiche i movimenti e le scuole.
Verso il lontano 1874, tre pittori: Cézanne. Monet e Renoir fondano l'impressionismo il quale poggia i suoi principi sulla ricerca del puro gioco di luci, trascurando la forma.
In seguito, Cézanne, ispirandosi ai principi della geometria solida ridà alla forma nuove espressioni aprendo la via al cubismo.
In Olanda Van Gogh rinuncia all'impasto --- dipinge con colori puri la storia della sua vita intessuta di rarissime gioie e - di molti dolori. Dal suo genio nasce il « Sintetismo » e questo ideale d'arte lo accompagna sempre, finché la violenza e la follia e infine la morte lo distendono in un povero giaciglio voluto dall'incomprensione e dall'ignoranza dei suoi contemporanei.
Il 1904, con la povertà delle masse, le ingiustizie, la fame, porta alla ribalta sia in Germania sia in Belgio « l'Espressionismo » caratterizzato da significative deformazioni, specialmente della figura umana. Il parigino Roualt è il più degno rappresentante di quella clamorosa protesta dell'arte contro le ingiustizie sociali; contro il destino dell' uomo.
L'anno successivo Matisse VIaminch, Dufy ed altri prendono al volo il modo tutto piatto di disporre le tinte usato da Van Gogh e da Gauguin. Intuiscono la potenza espressiva del colore, accantonano le leggi fondamentali della prospettiva e creano il « Fauvismo ».
Nel 1908 Picasso e Braque elaborano il « Cubismo analitico » il quale basa le sue leggi sulla divisione simultanea di un oggetto visto da tutti i lati. Ma non adoperano l'intera tavolozza, bensì i soli grigi.
Intanto a Mosca, il pittore Lorianov fonda la pittura definita « Raggismo » perchè ]'artista non dipinge gli oggetti reali ma le immagini che gli oggetti suggeriscono alto spirito e che il pittore capta sia ne* vari movimenti sia nella staticità.
Ma in Italia non si dorme, il Futurismo è alle porte. Boccioni, Balla, Severini, Russolo e Carrà firmano il famoso manifesto che è tutto un inno esaltante il dinamismo della vita moderna, il turbine della sua molteplicità, l'aprirsi di nuove libertà di pensiero il culmine di nuovi mezzi estetici.
Il «Futurismo italiano » è nato. Il Cubismo - ha dato già i suoi frutti. Dal « Futurismo» e dal «Cubismo » deriva l'«Orfismo ». Movimento promosso dal pittore Delannoy il quale ha scoperto i contrasti della simultaneità dei colori su superfici circolari e concentriche.
Nel 1911 De Chirico, seguito da Carrà nel 1916 e ancora più tardi da Morandi inventa la pittura « Metafisica », la quale rappresenta, prospettive ed effetti di ombre immerse in una atmosfera di intensa struggente solitudine. E' da ricordare che, in seguito, molti surrealisti troveranno nei quadri di De Chirico molte idee da sviluppare appunto in chiave surrealista.
Nello stesso periodo il moscovita -Kandinshy elabora la «Grande Sintesi » e nel 1944, anno della sua morte, è il più accreditato degli astrattisti. La sua arte e ha influito su tutta l'arte moderna.
Dall'Ecole de Paris emerge Chagall con le sue fiabe e i suoi sogni, dipinti con un linguaggio pittorico semplice e suggestivo. Le sue figure i suoi paesaggi i suoi animali si fondono in un'atmosfera magica e surreale.
Dalla Russia, il moscovita Malevitch invia un nuovo « messaggio » tanto problematico quanto clamoroso poichè egli vede nel colore la corruzione del sentimento e intende tradurlo usando i mezzi più elementari, le più elementari figure geometriche, usando un solo colore: il nero, sullo sfondo bianco della tela.
Verso il 1914, Picasso, Braque, Cris e Leger cercano di rivalorizzare la forma e di ritornare all'uso di tutti i colori.
E' il momento del « Cubismo sintetico » diverso dal « Cubismo analitico » il quale considera gli oggetti visti do tutte le facce e dipinti con la gamma dei grigi.
Tre anni più tardi l'olandese Mondrian elabora il « Neo plasticismo » il quale fonda i suoi canoni sulla costruzione di semplici linee orizzontali e verticali; caratterizzato dunque da limitati mezzi espressivi. Nel 1918 Leger si allontana dal cubismo attratto dal « Purismo». Movimento ideato dal famoso architetto Le Corbusier e dal pittore Ozenfont. Il « Purismo » rappresenta gli oggetti, i più comuni, con forme pure e con colori da « Fauve ».
Nello stesso anno l'Ecole de Paris, che come si sa, raggruppa tutti gli artisti che fecero parte alle ricerche dell'arte moderna, senza partecipare a nessuna scuola, mise in cattedra l'italiano Modigliani il quale con la sua arte, ha influito non poco sull' evoluzione dell'arte contemporanea.
Nel 1920 Cris, pittore spagnolo, sviluppa i canoni stabiliti dal « Cubismo sintetico » usando una coloristica molto raffinata ed applicando nelle sue composizioni, ritagli con titoli di giornali, pezzi di stoffa ecc. Nasce così il «Collage».
Il «Surrealismo» nasce nel 1924, col manifesto di Breton, ma il più estroso, il più geniale artista di questa scuola è il pittore spagnolo Salvador Dalì.
Mirò che fu tra i fondatori del surrealismo, ha un posto tutto singolare poiché si può considerare astrattista più che surrealista. Infatti, il sol tutto infantile di dipingere fu definito "Surrealismo astratto". Anche il tedesco Arp sempre un surrealista è considerato il più grande astrattista moderno. Ma non bisogna dimenticare che Arp col pittore spagnolo Picabia fondò il movimento Dada.
Intanto, il tedesco Klee dà all'astrattismo soluzioni personali. Egli ripropone la sua pittura con un linguaggio nuovo spogliando di ogni significato conosciuto tutte le cose conosciute ed esprimendo con altri mezzi le esperienze captate dalla coscienza. Siamo nel 1939 e nello stesso anno il fiorentino Magnelli inizia la sua concezione astratta e ben presto diventa il pittore astrattista di maggior prestigio, erede diretto di Kandinsky.
Naturalmente la storia della pittura contemporanea non si ferma qui, né si fermerà. La pop art è l' esempio più recente della vitalità dell' arte, anzi, mai come oggi l'arte è stata così viva.

Mario Fontana
La Nuova Gazzetta febbraio 1970



Lettera al Corriere

Ho letto sul " Corriere " del 9 Aprile u.s. l' articolo
di Enrico Baj dal titolo: " A Nuova York trionfa
la pittura da strada ".
Essendo anch'io pittore ( le mie prime
"cose " risalgono al 1943 ) ho fatto qualche riflessione e vorrei che qualcuno mi spiegasse perchè noi italiani scopriamo " trionfi dell'arte " solo quando
ci troviamo all'estero.     
Delle due l' una: o viviamo col paraocchi o
siamo immersi nella più vischiosa malafede, inguaribilmente malati di esterofilia spazzolante.
Milioni di uomini conoscono e apprezzano
il made in Italy: l' unicità, la genialità,
l'inventiva, ma noi imperterriti,
andiamo all'estero a scoprire l' Aria Calda,
obliando tanti validissimi artisti italiani
lasciati dietro le quinte.
Certo ognuno può scrivere ciò che vuole
(e da cove vuole) ma qnando si scrive
per un giornale, bisogna fare i conti con chi legge, altrimenti è meglio scrivere i propri pensieri in un diario.
Detto articolo scorre quasi tutto su un
tono carico di stupore "udite - udite:
''Alcuni artisti americani dicono che
esiste una sorta di "triangolo mafioso"
avente ai tre vertici le gallerie qualificate,
la critica spesso associata alle strutture
pubbliche e infine le riviste specializzate
che pubblicano articoli che hanno un
legame evidente con le pagine di pubblicità, pagate fior di milioni... in mezzo, quale mediatore dell'informazione estetica ci si mette il critico e il gioco è fatto.
A questo punto non posso proprio dire che
Bay abbia scoperto l'America ma trovo
(non dico sospetto), inaccettabile tanto
stupore da parte di un artista che
conosce inferno, paradiso e purgatorio di
tutto quanto avviene dentro le nostre
amate sponde dai "triangoli mafiosi" alle
"gallerie qualificate alla critica legata
alle strutture pubbliche, alle riviste
specializzate, al legame evidente con
le pagine di pubblicità pagate fior di milioni.
Il tutto per orchestrare il diabolico giochino
che inchioda, inesorabilmente, fuori dalla
porta, chi non può foraggiare i cosidetti
"padronì del vapore". Esattamente come
avviene in America.
Ed ecco le battute conclusive dell'articolo in questione: "l'impressione che ti resta è che in questo momento solo qui brulichino le idee e le invenzioni dell'arte del nostro tempo".
Queste ultime affermazioni mi sembrano a dir poco azzardate se tengo nel giusto conto che il fenomeno del graffitismo americano è già logoro e la " pittura da strada " e vecchia prima di nascere essendo una derivazione del graffitismo stradale. Vorrei chiedere a Bay se conosce la " pittura viaggiante " da me inventata nel I960 proprio a New York sui vagoni della Subway ( viaggiando disegnavo e regalavo ciò che facevo). Il graffitismo americano, nato, appunto sui vagoni della Subway non era nato.
Tuttavia, se Bay fosse interessato anche agli italici " brulichii delle idee e delle invenzioni" sarebbe a conoscenza del mio
"plusultrismo "(1962) del mio "laminismo pittorico" (1967), delle mie "spraygrafie su gommapiuma "(1971), delle mie " lastre * e dei miei "quadri rotanti" (1978). Di questi ultimi Carlo Munari ha scritto : ' ... con i quadri rotanti punta a modificare la struttura dell'immagine liberandola in una inedita spazialità ".      
Forse, se mi chiamassi (anagrammando il mio nome) Oiram Anatnof sarei già famoso: le vie del successo sono infinite.
MARIO FONTANA



L' inflazione della pittura e dei pittori "al magnesio"
 
Ascoltando i commenti di molti visitatori di gallerie d'arte moderna, abbiamo notato che sono in tanti a definire “illeggibili” e “incomprensibili” le opere esposte.
Noi ci chiediamo se le loro affermazioni sono frutto di conoscenza della materia in questione o il risultato della diffusa ignoranza che regna indisturbata nelle arti in genere, con particolare eccedenza nelle arti figurative.
Tuttavia, se le parole sono il naturale estemporaneo mezzo per l’interscambio delle idee e delle impressioni, delle due: o "ignoranza" o  “partito preso”.  Ma dal momento che si decide di varcare la soglia di una galleria d'arte moderna, riteniamo sia d'obbligo formarsi almeno una piccola scorta di nozioni sul tema che conta ormai un secolo di storia.
Sappiamo che tutto ciò non accade quando si visitano mostre d’ arte legata a doppio nodo all’ accademismo, perché i “paesaggi” esposti hanno tutti gli ingredienti necessari, come le canzoni napoletane che sanno toccare tutti i tasti e fanno vibrare i cuori dei turisti in vacanza. Pochi sanno invece che l’ arte moderna, al contrario dell’ accademismo è riuscita raccontarci quasi tutto sull’ uomo e sulle cose, scavando nel fondo dell’ animo, scendendo nei labirinti più nascosti della coscienza umana, ribaltando intollerabili codificazioni, scrutando oltre i confini della libertà fisica dell’ uomo, sondando al di la delle barriere psicologiche.
Ma sono tanti gli uomini che si ostinano a non volere capire, a non volersi specchiare e riconoscere, convinti che l’ uomo e l’ ambiente sono ancora legati all’ immagine stereotipata dei pennellatori al magnesio viventi e di museosologica memoria.
L’ accademismo, anticipando l’ era fotocinematografica, si attenne al compito del più attuale “fotoreporter” per i “fotoreportages” ordinati dal blasone per tramandarci i “dati segnaletici” della loro rutilante ricchezza (così spesso di oscura provenienza).
Così, l’artigiano pittore (artista è termine moderno) fu “usato” per tradurre a colori le finissime sete d’ oriente, gli eterei trasparenti velami, i caleidoscopici giochi di damaschi e dei broccati, le sfavillanti bijouterie; per ricordare ai posteri che nessuno di loro comprava vestimenta al “mercato delle Pulci”.
Ecco l’ eredità lasciataci dall’ accademismo che noi, tuttavia, non pensiamo di mandare al rogo per non privarci delle figure (e dei “figuri”) che popolano come fantasmi le notti dei musei e di giorno guardano ora elmi, ora baffoni, ora dame ingioiellate, o cavalieri in battaglia, su cavalli impennati con froge fumanti.
Chilometri di pareti coperte di storia dipinta: il più lungo fotoreportage; la più grande “pizza” della storia girata a colore su …tela. Ecco, perché, i pennellatori al magnesio o artigiani-fotoreporters, che dir si voglia erano ricercatissimi, a condizione di assecondare le manie di grandezza e i singulti mecenatici di dame e cavalieri (erano tutti cavalieri, allora); a condizione di consumare i loro giorni alle prese con la tela a metraggio e con le terre colorate per sostituire per filo e per segno l’ obiettivo.
E se osserviamo attentamente, nessun quadro-ricordo ci fa conoscere l’ altra faccia della realtà: quella nascosta dietro le pieghe dei pesanti tendaggi e sotto le botole dei trabocchetti. I pittori al magnesio non potevano permettersi un “servizio” del genere: gli avrebbero rotto in testa la…tavolozza e sequestrato… la tela! L’ accademismo, inoltre, non produce mai un fenomeno di massa, non tradusse le immagini in idee e queste in oggetti funzionali, non fece nulla per la collettività.
I veri artisti, quelli con il pennello “trasformatore” furono molto pochi, perché solo in pochi riuscirono a scavalcare l’ ira dei padroni; e Michelangelo ne è un fulgido esempio, perché la sua arte riuscì a superare i funerei velami dell’ accademismo. E possiamo affermare, senza tema di smentita, che tutto ciò che fu prodotto dai pennellatori al magnesio è riproducibile con le macchine fotocinematografiche, essendo oggettivamente identico alla realtà. Al contrario, l’ opera moderna non è captabile dai mezzi meccanici, essendo l’ opera dipinta trasformata e interpretata liberamente dall’ artista che (quando è vero artista) riesce a metabolizzare la realtà oggettiva (non arte), in realtà soggettiva (arte).
L’ uomo (non arte), attraverso la fantasia di Michelangelo, si trasforma in figura erculea (arte); una natura morta (non arte) attraverso la fantasia di Picasso si trasforma in struttura cubista (arte).
Ma per ritornare ai motivi che ci hanno spinto a “battere” le presunzioni, vogliamo ricordare che l’ arte moderna non ha misteri perché vive e si nutre di libertà e tutta si condensa in una completa grande verità: la trasformazione – fantastica della realtà oggettiva. Verità intuita e messa in opera dai più grandi maestri del passato i quali, come abbiamo ricordato furono ben pochi.
Tuttavia siamo convinti che senza il condizionamento subito, l’ immensa schiera dei defunti pennellatori al magnesio avrebbe iniziato la rivoluzione artistica con alcuni secoli di anticipo.

Mario Fontana
La Pentapoli 10/1975

L'uomo allo specchio

Chi siamo ? Dove andiamo? Non siamo! Non andiamo! Rimaniamo. Nella nostra assenza. Nel nostro vuoto. Nel nostro nulla. Liberi e in catene. Mimetizzati, vittoriosi e vinti senza combattere Travolti, sradicati, aridi,demoni, angeli, santi. Tutto. Cieli azzurri e uragani, gorghi, anime invertite, pigmei, usurai, traditori, boriosi, disperati, umiliati. Tutto si dissolve nella fanghiglia. Ci droghiamo delle inutili speranze del vivere quotidiano. Sventoliamo bandiere nella collera del vento. Fuggiamo, ci ritroviamo. Spariamo e uccidiamo. Un negro muore! Viviamo nel sogno o è il sogno a vivere la nostra vita? Chiediamolo alla Luna taciturna. Nell’assurdo silenzio rivivono fantasmi ancestrali. Sono fratelli o nemici gli uomini distesi nell’antico sonno? Viviamo senza chiederci .come, immersi nell’ immagine astratta della nostra grigia ombra. Senza tregua il passato ingigantisce il passato. Il presente scava solchi sul viso; il cuore inaridisce nella nostalgia. Nella memoria rotolano veloci desolati anni che i hanno corroso i giorni. Il pensiero s’attarda in lunghi vuoti. L’occhio posa stanco sulle cose. Come un giuoco di luci e di i ombre è passata la giovinezza. I giorni si spengono come ceri consumati. Tuoni giungono da aeree lontananze. Il passo si fa incerto sulle viscide erbe. Gli amici hanno deluso come i sogni e come le speranze. Rimangono lontani tempi d’aquilone, colorate vesti di fanciulle, vecchie canzoni delle notti di guerra, fischi di navi in porti sconosciuti. Nelle antiche clessidre covano nuovi desideri, mentre la vita sfugge come sabbia tra le dita. 
  
Mario Fontana



Mostre d' arte a Siracusa

La seconda edizione della mostra degli artisti del cenacolo siracusano, organizzata dal Sindacato Provinciale di Arte nei locali della “Fontanina,, di A. Maltese, ha richiamato un folto gruppo di intenditori i quali vedono in una mostra d’arte il rinnovarsi della espressione più completa e più alta della storta contemporanea; storia, caotica " se vogliamo " ma che una volta fissata in immagini pittoresche o scultoree si trasforma in leggenda; quasi in fiaba. In giro per i locali della mostra abbiamo sentito commentare ed ammirare l’opera silenziosa e spesso dolorosa, di questi artisti che per quanto isolati da certi regionalismi e spesso volutamente ignorati dal nostro pubblico, hanno dato e danno all’arte aretusea il meglio della loro anima; anche se alieni da tradizionalismi accademici, ormai nettamente superati dalla realtà storica in cui viviamo. Le pitture, le sculture, i disegni che il pubblico ha la possibilità di osservare in questa mostra, riportano " anche sul piano umano " figure di artisti i cui nomi " spesso " ricorrono in mostre nazionali. Purtroppo, nella nostra città " dobbiamo dirlo " il pubblico acquista raramente l’opera di un artista indigeno, trovandola priva di quel lascino esotico, oggi in voga. Noi ci siamo avvicinati alle opere esposte, attratti dalla verità del loro linguaggio pittoresco, dal vibrare di linee scolpite nella viva pietra. E’ doveroso qui citare le opere esposte più significative: “Maternità’” dello scultore Salvo Monica accettato anche quest’anno alla Qua­driennale d’Arte di Roma; “Sbarcadero” del pittore Angelo Cassia; le due sculture di Pippo Caruso; “Case di paese” del pittore Betta; “Angeli suonatori” di Scirpa; « Figure » di Vittorio Lucca e le sculture di Migliara. Hanno partecipato alla mostra altri venticinque artisti i quali dimostrano. con le loro opere, di aver lavorato con passione e sincerità e tutti, uno per uno; meriterebbero un «profilo» a parte poiché l’arte - in tutte le sue espressioni " è il diario figurativo della storia lieta e triste degli uomini ed ogni artista adegua il suo spirito alla verità morale e sociale del suo tempo.
 
Mario Fontana
11 gennaio 1970 La Nuova Gazzetta



Nel Carretto Siciliano i colori smaglianti dell' Isola
 
Il famoso geografo francese Eliseo Reclus, è ricordato dal Pitrè, perché venuto in Sicilia, assieme ad altri studiosi, per studiare gli effetti dell'eruzione dell'Etna del 1865, fu uno dei primi stranieri ad entusiasmarsi di fronte all'armonia delle linee e all'orgia di colore del carretto siciliano.
Noi, siciliani di oggi, volendo parlare del carretto dovremmo usare il passato remoto, essendo quasi del tutto scomparso dalle no­stre strade, sgambettato dai nuovi e più celeri mezzi meccanici.
Ma useremo il presente, per amor di patria, con la segreta speranza di rivederli e di riascoltare le dolci e struggenti nenie dei carrettieri negli assolati meriggi siciliani: quando le loro voci si uniscono al pungente canto delle cicale; o nelle notti di luna, con il pendulo lume appeso sotto il carro.
* * *
Ma prima di inoltrarci nella nostra chiacchierata, pensiamo sia interessante descrivere, in lingua e in dialetto, i vari pezzi che compongono il più antico e più popolare mezzo di trasporto della nostra isola. La parte più grande del carretto è la cassa, “u funnu” ri cascia, per il trasporto della merce. Le stanghe, ‘i sdagni, per imbracare il cavallo,l’ asino, la giumenta o il mulo. Le ancate, 'i masciddara che recingono la cassa da tre lati corrispondenti alle due ruote e all'animale. Il portello di dietro, 'u purtieddu 'i rarreri, chiude il quarto lato della cassa ed è asportabile per agevolare carico e lo scarico della merce. La sponda davanti, è una piccola tavolozza ‘i ravanti, è una piccola sporgenza che serve da sedile al carrettiere.
La sponda di dietro, 'u tavulazzu 'i rarreri, sporge all’opposto del sedile. La cassa del fuso. 'a caia 'o fusu, è applicata sotto la cassa di carico e prolunga dai due lati i mozzi e sostengono le ruote. Ogni ruota, tranne qualche rara eccezione, ha dodici raggi detti, 'i jammuzzi. Le corone che sostengono i raggi sono dette 'i cubbi. I due mozzi: i miòli. Il noce e il faggio i legni necessari. 
Palermo, Monreale, Lentini, Paternò, Floridia, Castelvetrano, Mazara, Catania, Ragusa e Marsala sono i centri maggiori di produzione, i cui esemplari sono degni di figurare nei più il­lustri musei folkloristici.
II carretto non nasce dall'opera prestigiosa del solo carradore ma dalla collaborazione di questi con l'intagliatore e col fabbro ferraio ed infine con il pittore, 'u pitturi, detto anche 'u giuvini, (il giovane), anche se ha sessant'anni.
Di solito, le botteghe di questi artigiani sono vicinissime. Quasi tutto il lavoro si svolge all'aperto: solo 'u pitturi opera in luoghi appartati e silenziosi.
Quando il carretto è allo stato “grezzo “ cioè finito in tutta la sua struttura di legno, di intagli e di ferro, inizia l’ opera del pittore con tutto il suo bagaglio di fresca ingenuità incontaminata da regole e da scuole.
Possiamo dire che la sua ingenuità mentale scaturisce da un modo di vivere schietto, con l'animo fragrante di chi vive a contatto della natura e sente l'arte come istinto che guida più la mano che la mente.
Un'arte che parte dai racconti epici del nonno e passa direttamente dall'udito, al cuore, alla mano del pittore che sembra dipinga col sole le sue “storie” e i suoi merletti: tanto sono luminosi i suoi colori.
Chi non ha mai visto all'opera 'u pitturi, e vede poi l'opera finita, è tentato di pensare che egli conosca i rapporti cromatici e tutte le altre diavolerie tecniche.
Ma non è così; egli possiede intimamente,
un'esperienza atavica che riesce a trasformare, con l'intuito e con la fantasia, in effetti cromatici; gli stimoli e i suggerimenti della natura che lo circonda fanno il resto;
attorno al pittore tutto è vivo e saturo di sole e i colori esplodono da ogni parte, come silenziosi fuochi di artificio.
Con tanto colore negli occhi e con primitivi mezzi grafici 'u pitturi costruisce solide, quanto disciplinate architetture: preziosi esemplari di genuina arte popolare.E l'occhio sensibile, incontrando un carretto nelle solatie contrade di Sicilia, si accorge della perfetta fusione del carretto con la natura circostante: non sem­bra colorato artificialmente come certamente sembrerebbe se lo si incontrasse in una via di Milano.
Ecco il miracolo del carretto, nato in Sicilia per rubare alla Sicilia tutti i suoi smaglianti colori: dei suoi fiori e dei suoi tramonti in­fuocati. Ma sono anche i colori della Sicilia dei Turchi e degli Arabi, degli Spagnoli, dei Greci e dei Romani, tramandati ai figli generati nel grembo di Trinacria, per continuare anche attraverso i colori le loro civiltà e la loro fantasia creativa. Frutta, fiori, grappoli d'uva, immagini sacre, personaggi della “Cavalleria Rusticana” e dei “Paladini di Francia” sona una piccolissima parte Della rosa dei temi scelti dal pittore per dare vita e luce ai carretti di Sicilia.
L'intagliatore, caratterizza le sue sculture con figure di cariatidi, di maschere, di rosette, di faglie, di colombe, di sirene e di molti altri soggetti tratti dai repertorio di genere sacro del secolo diciottesimo.
Il fabbro ferraio costruisce gli ornamenti e i cerchioni delle ruote ma il suo “pezzo da museo” il suo “do di petto” è ‘a cascia 'o fusu che, come abbiamo detto, è collocata sotto la cassa di carico, e unisce l'asse delle ruote. Il blocco in ferro battuto sembra un vero merletto; le testine, le colombelle, gli angeli, le fo­glie, etc. sono una vera preziosità e l’ insieme ricorda i misteriosi balconi delle terre d’ Oriente; la Sicilia dei Turchi e degli Arabi rivie nel ferro battuto tutto il suo fascino e tutto il suo mistero.
* * *
Ed è un vero peccato veder sparire i carretti dalle nostre strade. E' una grave mutilazione al folklore, tanto caro soprattutto agli stranieri, e sminuisce la suggestiva immagine e il fascino della nostra terra.
Ma se dovesse sparire definitivamente, proponiamo all'Ente Provinciale Turismo di « armare » una dozzina di carretti e di mandarli in giro con scelti cavalieri me bardati di finimenti e di pennacchi variopinti. Vestiti a festa, insomma, con quel gusto spagnolesco che confonde le idee ed eccita la fantasia.
Affinchè i turisti stranieri, ritornando al loro paese, possano dire di essere stati veramente in Sicilia.
Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 5/4/1970



Paolo Orsi

«E fermammo la nave, a prendere acqua nel porto
ricurvo " narra Ulisse nell’Odissea " i miei 
uomini sbarcano, preparano il pasto, si mangia
e si beve a sazietà... E ancora: " Là dove abitavano i bei buoi dalle larghe fronti e i numerosi montoni grassi del sole.
L’eco di questi antichi rapporti fra la Grecia Omerica e la Sicilia dei « Sikeloi » risuona certamente nella mente di Paolo Orsi quando, nell’Ottobre del 1888 scende in Sicilia per iniziare la feconda impresa di 
archeologo che lo porta a diventare il massimo 
scopritore dell’antichità classica Siracusana. 
L’Orsi, nato a Rovereto compie studi a Padova, 
Vienna e Roma dove prende la laurea; quindi lo troviamo impiegato presso il Ministero della Pubblica Istruzione, distaccato sotto il Professore 
B. Bernabei, alla direzione degli scavi; successivamente a Firenze, conservatore 
aggiunto della Biblioteca. Io lo conobbi giovanissimo, 
studioso di antichità italiche " scrive il prof. G. Sergi in una pubblicazione edita dalla Società di Storia Patria per la Sicilia Orientale " ma fuori 
posto per le sue inclinazioni. E ben presto la fortuna lo porta a Siracusa, come aiuto dell’ingegnere Cavallari vecchio direttore del Museo 
Archeologico. Il contatto diretto con il suolo siracusano rinvigorisce l’ ardore del giovane Orsi e con tutto l’entusiasmo inizia a “battere”
le campagne tutto preso dalla febbrile ansia della ricerca e della scoperta. Il sottosuolo di 
Siracusa gli è subito generoso e gli dona l’indicibile gioia del ritrovamento di necropoli 
sicule: da quella del Plemmirio a quelle di Magnisi e di Cozzo Pantano.
Agli scavi, alterna la stesura di importantissime 
pubblicazioni edite dal « Bollettino di Paleontologia Italiana », « Notizie degli scavi », Monumenti Aulischi dei Lincei e da altre pubblicazioni italiane ed estere. 
Ricordiamo: " La stazione neolitica di Stentinello", "Scoperte archeologiche epigrafiche in Siracusa e territorio ». 
« Megara Hiblaea », e « Nuove esplorazioni nella catacomba di S. Giovanni nel 1894 » 
ma queste, non sono che alcune delle centottanta pubblicazioni scritte dall’Orsi durante la sua luminosa carriera e spaziano dalla civiltà pre ellenica della Sicilia alla civiltà ellenica, romana bizantina e 
normanna. 
La fama dell’Orsi è già altissima e molti sono gli allori che raccoglie lungo il suo cammino di archeologo e di studioso; dalla nomina a membro del Consiglio Superiore per le Antichità e Belle Arti a quella di Accademico ordinario dei Lincei, a Socio Ordinario dell’Istituto Austriaco di Archeologia, a socio corrispondente   dell’Accadèmie des Inscriptions di Parigi, nonchè a socio onorario della Società Inglese per gli Studi Ellenici. Nel 1898, l’Orsi vince il Gran Premio dei Lincei per l’Archeologia e nel 1918 il Gran Premio Bressa dell’Accademia di Torino. Tuttavia, tanti riconoscimenti e tante onorificenze nazionali e internazionali non bastano, 
all’ illustre archeologo, per ottenere i fondi necessari alle sempre crescenti necessità di nuovi scavi: per schiudere sempre nuovi capitoli alla storia della civiltà umana. Siamo nel 1895 e l’Orsi si apprestò a dare inizio alla campagna di scavo e di ricerca nelle aspre e nude rupi di Pantalica. Ha pochi spiccioli a disposizione e tanti operai da pagare ed è in queste condizioni, disagevoli e disperate, che lo trova il più grande archeologo francese Giorgio Perrot, il quale gli dedica non poche righe di ammirazione.
" Paolo Orsi " così egli scrive nella « Revue des deux mondes » è attualmente un uomo di trentasei anni, di statura assai elevata e ben sviluppata. La chiarezza della sua parola traduce quella del suo spirito. 
Più di una campagna egli ha fatto sui monti di Sicilia, impiegando qualità di bravura e di resistenza. Da quando ha incominciato ad esercitare le sue funzioni di ispettore degli scavi e direttore del Museo egli non 
ha perduto il suo tempo. La dotazione " continua il Perrot "di cui egli dispone sia per le compere, sia per gli scavi è stata sempre assai meschina. Siracusa è assai lontana da Roma ove si ripartiscono i fondi, e d’altronde le finanze italiane, con il gravame delle spese militari e della guerra abissina, non sono in grado di sovvenzionare le casse dei musei e il bilancio degli scavi. ...Con delle meschine entrate P. Orsi ha fatto miracoli per questo museo: si può dire che lui ne è il creatore, così povere e piene di 
lacune erano le collezioni prima di lui. Egli deve eseguire i suoi scavi, con una dotazione 
annua di tre o quattromila lire. La maggior parte dei siti dove scava sono deserti, spesso a grande distanza dai paesi abitati; e i luoghi non sono mai sicuri. A Pantalica, sui monti Climiti, a più di quattrocento metri d’altezza, vive solo senza protezione di soldati;
i carabinieri « costano » cinque lire al giorno e non può permetterseli. Egli, " continua accorato il Pierrot paga i suoi operai due lire e cinquanta al giorno, li cura quando sono malati, li aiuta moralmente, divide con loro pasti frugali: pane duro condito 
con aglio e cipolla e un po’ di giambone; dorme dentro le grotte assieme ai suoi operai. » 
Da queste parole risalta la nobile figura dell’Orsi e non hanno bisogno di commento.
Mario Fontana
La Pentapoli 1/1976



Pittori e tintori

I “veri” artisti operanti a Siracusa li conosciamo e sono pochi, molto pochi. I tintori, cioè i dilettanti sono una schiera innumerevoli. Ma quelli che vanno per la maggiore sono gli artigiani della pittura, e vi spiegheremo chi sono e cosa producono. Questo vasto vivaio, conglobato in una sola voce per i due sessi e per tutte le età, lo abbiamo definito: «vivaio di tintori», ma senza alcuna ombra di disprezzo essendo, quello del colore del pennello della spatola, un hobby molto stimolante e ricco di impulsi. Tintori, quindi, e non pittori, perchè la differenza corre. Ma i tintori, una volta preso il primo pennello in mano; una volta che hanno riempito di colore una tela, non solo si autodefiniscono pittori ma sentono istantaneamente l’irrefrenabile impulso (o tentazione), di mettere in mostra e di vendere il «capolavoro». Per non dire della «caciara» che i detti tintori combinano quando, col fiato rotto, arrivano a riempire molte tele. Riempire, come avete notato, e non dipingere, ché, anche in questo caso, la  differenza corre tre volte. E non potete  immaginare quanto i “nostri” siano agguerriti nel farsi largo a gomitate per intrufolarsi subito (“tutto e subito”), nel “ giro “ delle mostre per mettersi in mostra (e Freud potrebbe spiegarcelo), e per vendere (grande tentazione con effetti irreversibili sui tintori), i loro insuperabili (capolavori). Chissà perché, cercano subito il pollo da spennare! Se diamo uno sguardo sul retro delle loro «patacche» rileviamo cifre cariche di zeri; autoquotazioni incredibili. E tutti ricercano credito inventando «storielle» a ruota sfrenata. Vi diranno che le loro «opere» sono state acquistate da personalità di rilievo (mai da un contadino), e per cifre che superano quasi sempre il mezzo milione, non una lira di meno. Vi diranno anche delle loro «partecipazioni» a mostre fatte in provincia, come se vi raccontassero di partecipazioni a biennali internazionali, i meno modesti vi diranno, che la loro quotazione ha raggiunto e superato il milione, senza pensare che i più informati sanno benissimo che tale quotazione è di gran lunga superiore a quella praticata dalle gallerie più serie per disegni, litografie, ecc., di maestri di fama internazionale. Assetati di credito lo ricercano in mille modi diversi:imbastendo «curriculum», circondandosi di amici, disposti a far sapere in giro «quanto sono bravi e quanto vendono»; scegliendo con grande cura le cornici per i loro «capolavori» e tutto questo ed altro ancora per convincere i «pesciolini» ad abboccare al loro amo, sempre pronto a scattare. La loro pseudo attività artistica si svolge nella più assoluta mancanza di autocritica, nell’immodestia più irritante, il tutto condito  con una sfacciataggine che è diventata (faccia di bronzo su fondo verde), il loro blasone. Risultato: una grande confusione che si ripercuote negativamente sul pubblico impreparato sulle faccende dell’arte, ma anche sugli intenditori, amatori e collezionisti. Chi desidera comprare un quadro si ritrova immerso in un calderone di pappe stracotte e fredde rovesciate sulle povere tele a furia di pennello o di spatola; e non tutti riescono a fare una scelta serena e sensata se attorno c’è il caos e il disordine provocato dalla valanga di venditori di fumo. Considerando che setacciando Siracusa, i “veri” artisti, cioè quelli che sentono e praticano la pittura come vocazione, non superano la decina, si intuisce in quale babele essi vivano, essendo molto difficile far capire al pubblico in genere, dove “finisce” l’arte e dove inizia l’artigianato con relativa produzione di croste. Purtroppo, nessuna ha mai detto ai dilettanti e ai tintori più smaliziati che non basta tirare quattro linee e riempirle a di quella magica materia che si chiama e colore per autodefinirsi “artista”, ma occorrono tante altre cose che solo l’esperienza e la maturità possono insegnare; e solo se l’esperienza e maturità saranno “condite” con tanta umiltà” altrimenti i quadri, le mostre e gli artisti non saranno mai una cosa seria. Così come è risaputo che senza «rodaggio» qualsiasi motore presto si logora. Così l’artista, per essere tale, deve rodare se stesso, attraverso il lento, paziente lavoro, con generoso entusiasmo anche se irto di cocenti delusioni, nel lungo dipanarsi degli anni consumati nell’applicazione quotidiana. Ma, più spesso di quanto non si creda, ci tocca assistere, in mostre prestigiose, per la partecipazione di maestri n della pittura, alla «presenza al chiodo» di tintori riusciti a filtrare attraverso le smagliature dell’ignoranza, con il risultato della solita confusione di idee. Per non parlare delle incoscienti “personali” imbastite da dilettanti i quali, presentando le loro invariabili "croste” sapientemente incorniciate e dandosi l’aria (solo l’aria) di artisti truccati da artisti riescono a bidonare ora l’uno ora l’altro, sfruttando l’ignoranza del solito pubblico impreparato. E lo ripetiamo, tutto ciò non porta che confusione e brucia l’atmosfera artistica che si vorrebbe a Siracusa, che non è certamente quella creata a bella posta dalla grossa e agguerrita combriccola di pseudo artisti. Siracusa, al contrario, per mano dei pochi “veri” artisti, potrebbe risfoderare la grinta frizzante e intellettuale degna di una città civile che vanta (senza retorica), secoli di storia intessuta di vera arte e di autentici artisti. Ma, lo sappiamo benissimo, che le nostre speranze e le nostre parole sono cenere al vento della dilagante corruzione; che il processo confusionario è irreversibile nel nostro caso per la rottura dei compartimenti stagni che un tempo dividevano, ma non escludevano i contatti tra il "vivaio” di dilettanti e gli artisti. Vasti strati della popolazione danno l’esca, lasciandosi convincere all’acquisto delle "tele piene di buona volontà” non pensando che, così facendo, alimentano sempre più pericolosamente tale situazione, già così densa di confusione. E il pubblico deve sapere da che parte viene, sia il disordine che la confusione. Deve sapere chi sono gli alunni e chi sono i maestri, i primi si possono dividere nelle seguenti categorie: principianti, domenicali, dilettanti con un “domani” artistico, principianti senza un “domani” artistico, dilettanti snob, dilettanti puri (pochissimi, ma ci sono), dilettanti fasulli, dilettanti narcisisti, e qualche altra categoria che vogliamo lasciare alla vostra immaginazione ma, per concludere l’elenco, vogliamo parlarvi della categoria più agguerrita: quella dei tintori camuffati da artisti i quali a forza di imbrattare tele hanno raggiunto una certa abilità artigianale, solo artigianale) e hanno capito perfettamente che la loro “produzione” può tramutarsi facilmente in soldini perdendo naturalmente di vista quel barlume artistico che li aveva spinti a cominciare. Forti, dunque, di abilità artigianale, pennellano e spatolano a più non posso su temi strafitti, imbaldanziti dal fatto che un certo tipo di “paesaggino” o di “natura morta” piace a tanti, Io rifanno addirittura centinaia di volte, con lievi casuali variazioni sul tema, con la solita casetta, barchetta, alberello, cielo e terra o caffettiere e fiori che spesso sembrano cavoli. Tanto (scusate il bisticcio), sono in tanti a comprare i detti minestroni ottimamente incorniciati essendo la "cornice” un solido deterrente a favore della pochezza del contenuto del quadro. Se poi alla bella cornice aggiungiamo Io ”scilinguagnolo” precotto e standardizzato dei tintori la “bidonata” è fatta. Ma ciò che in un certo senso ci sorprende è, che più spesso di quanto non si immagini, a cadere nel “sacco” è gente con tanto di “laurea al chiodo” che vogliamo assolvere con la validissima scusante della confusione in atto, che gli impedisce di discernere l’opera creata dal maestro, dal burro spalmato dal tintore. Ed è chiaro che acquistando i lavoretti dei tintori non si fa opera mecenatica ma, al contrario, opera di corruzione e di deviazione essendo i tintori, per la gran parte, privi di quella morale estetica che subentra all’autocritica quando si raggiunge, non solo il livello artistico necessario per mettersi in mostra, ma anche quella cultura indispensabile che libri e confronti ed esperienze elargiscono a piene mani. Così come dovrebbe apparire chiaro, che i nostri punti di vista, le nostre considerazioni e i nostri suggerimenti, non sono e non vogliono tradursi in motivo di scoraggiamento da parte dei dilettanti “puri” perché siamo certi che chi sente il richiamo dell’arte non ha paura di ascoltare i buoni consigli. Per gli altri, per gli artigiani della pittura, erroneamente conosciutissimi come artisti ma, in verità, solo artigiani ripetitori fino alla nausea, non c’è più rimedio; la loro piccola storia è conclusa. Resteranno tali per sempre, perché ciò che producono non è il frutto del loro sentimento e della loro fantasia, ma il prodotto suggerito unicamente dal desiderio di barattare le loro croste con i vostri bigliettoni.
  
Mario Fontana
La Pentapoli 1975


 
Quattro illustri personaggi sul ponte sulla darsena

Quattro pilastri: due entrando in Ortigia, due uscendo da Ortigia. Al centro, il  vecchio glorioso ponte che noi siracusani per pluralità mentale o per illuderci di averne una lunga serie, chiamiamo «i ponti ». Ventisette anni fa i pilastri in questione sopportavano il .. .peso dei fasci mussoliniani sormontati da globi bianchi che dovevano servire ad illuminare nulla a causa dei lunghi anni di guerra e di oscuramento. Poi, una mattina di quei giorni di libertà nuova e di caos, quando le strade di Siracusa si trasformarono in una immensa caserma indo-afroamericana, i fasci littorio sparirono. Da allora i quattro pilastri sono vuoti e inutili, come tutte le cose che, nate per una precisa funzione estetica, non vengono utilizzate. Suggeriamo dunque a chi di competenza di far collocare su ogni pilastro la statua di Elio Vittorini, di Quasimodo, dello storico De Benedictis e del Vescovo Baranzini. E’ un’idea che può lievitare, purchè non ci si dimentichi di... informarla!
  
Mario Fontana

 

Salvare i monumenti 

L'Italia, si sà, è ricca di opere d’arte e di monumenti di ogni epoca e possiamo definirla con le parole di uno dei tanti stranieri calati nel  nostro paese: “L’Italia è un oggetto d’arte”. Ed è una verità che tutti,  amici o nemici, ci riconoscono. Diciamo dunque che tale definizione rappresenta il lato positivo, privilegiato del suolo italico. Ad ogni angolo e spesso addirittura a pochi centimetri dalle suole  delle nostre scarpe giacciono statue greche, muri perimetrali e colonne abbattute, come guerrieri frettolosamente uccisi e più frettolosamente sepolti; per non parlare dei pavimenti musivi aggrediti da secoli da contorte radici di ulivi e di aranceti ed in paziente attesa di rivedere il sole dell’era spaziale. Ma dobbiamo proprio augurarci che i tesori archeologici vengano alla luce? Se si pensa al disordine, alla fatiscente, all’incoscienza, all’ incuria, al destino dei monumenti che ci ritroviamo attorno, dobbiamo augurarci che ciò avvenga il più tardi possibile, quando la nostra mentalità, quando la nostra educazione avrà raggiunto livelli adeguati all’importanza c e alla grandezza di simili vestigia. Chi scrive non ha dimenticato il monumento” che vide ai margini di una autostrada, nello Stato di New York: un monumento veramente singolare nella sua semplicità: una grossa fetta di tronco di sequoia adagiata a un piedistallo di granito e circondata da una grande aiuola fiorita e ben curata. Osservando quel singolare monumento mi resi conto della volontà di quel popolo di innalzare a monumento qualsiasi cosa, spinto dalla  naturale necessità dell’homo sapiens di circondarsi di oggetti e di simboli del passato per sentirsi proiettato nel futuro. E il monumento alla sequoia non è un caso isolato. In Belgio, troviamo la tomba della regina Astrid, morta in un incidente automobilistico: di una tomba, sorta in un luogo insignificante, là dove successe l’incidente, i belgi hanno creato un enorme monumento che racchiude un piccolo museo, la cappella, la cripta, l’albero contro il quale si schiantò la macchina e, dulcis in fundo, un posto di ristoro. Con tutto il rispetto per la regina Astrid, ci chiediamo che cosa, i belgi, avrebbero fatto per la nostra tomba di Archimede, quali amorevoli cure avrebbero profuso per un re della scienza, con quali esotici fiori avrebbero sostituito l’attuale spinosa sterpaglia. E quali fantasiosi viali e quale atmosfera avrebbero creato attorno al desolato Tempio di Giove adibito a rifugio indisturbato di motorizzate coppiette in cerca di atmosfera... pagana. E a quali architetti avrebbero affidato la sistemazione del Tempio di Apollo, situato nel cuore della bistrattata Ortigia, invece di consegnarlo, come e stato fatto, alle... cure dei venditori ambulanti, per depositarvi i loro rifiuti. E gli americano che cosa farebbero del nostro Teatro Greco se lo potessero sostituire con il loro commovente monumento, innalzato in gloria al pezzo di sequoia? Osservando tanta incuria per i preziosi monumenti che arricchiscono di cultura visiva e spirituale i popoli di tutto il mondo, chi scrive si pente dei maliziosi sorrisetti fioriti al cospetto del modesto e tanto significativo monumento al tronco di sequoia. Le nostre vetuste e gloriose “pietre" dei nostri lontani progenitori, al confronto, sembrano luoghi da fiera paesana.  
  
Mario Fontana
La Pentapoli 1975



Sessanta località per sessanta Week-end

Quanti sono i siracusani che, pur vivendo nello scoglio di Ortigia, conoscono il litorale ionico che circonda la nostra costa?
Il Siracusano, si sa, è un pò apatico, caratteristica e retaggio prettamente levantino, ed usa spesso i "me ne frego" i "che me ne importa" i "non mi interessa" e preferisce passare il tempo con gli amici nei vari Caffè cittadini e particolarmente nella piazza degli sfaccendati alias, in toponomastica, Piazza Archimede.
E, come spesso accade, a conoscere dei minimi particolari la nostra città e il nostro morale sono sempre gli Stranieri. Giungono questi in tutte le Stagioni provenienti dai quattro punti cardinali, magari con il pesante fardello di uno zaino e relativo sacco a pelo.
Ti incontrano, ti fermano e ti senti chiedere:
“ Acquabalunba dove essere”, “Capomelle dove trovare”.
Sulle prime rimani perplesso, poi lo straniero continua a ripetere lo stesso ritornello e alla fine, più per intuito che per effettiva comprensione di ciò che hai ascoltato, pensi al nome di una località che lui, svedese o australiano conosce, e tu, no.
Comunque non sai cosa rispondere ne da che parte indirizzarli poiché almeno il novanta per cento dei siracusani conosce solo Ognina e Fontane Bianche.
Eppure dall' "Acqua e Paralummi" cioè da Santa Panagia a Fontane Bianche si possono contare ben cinquantanove località diverse, ognuna delle quali ha un nome suggerito dalla particolare forma di uno scoglio o da un fatto successo in quel tratto di costa o scaturito dalla popolaresca fantasia di antichi pescatori aretusei, ma sempre suggestivo e appropriato.
Ed è dalla tremula voce di un vecchio pescatore "do fossu" che abbiamo conosciuto tutta la costa che sinuosa e suggestiva si snoda, come abbiamo detto, dall ' "Acqua e Paralummi" a Fontane Bianche.  Ci sembra quindi doveroso  suggerirvi i nomi di tutte  le località essendo patrimonio
comune di tutti i figli di Archimede.  Salite nelle vostre barche e  seguiteci dopo aver bevuto  alla limpida cascatella   dell’"Acqua e Paralumi",
situata vicino alla centenaria  tonnara di Santa Panagia.  Poco dopo siamo " a scuzzaria ",altro posto suggestivo; quindi " e ru papiri ",ma il fuoribordo gira e giungiamo * a rutta picciata ' più avanti " o capileddu ", " o piscatureddu ", * e ruttazzi ' , " e valiuni " ,"e pìliceddi " ,quindi " e ru frati ". Una breve sosta per osservare da vicino i massicci scogli che innalzano alte rocce dalle limpide acque,insensibili alla tragedia dei due fratelli annegati dai quali,appunto,traggono il nome. Passiamo ora davanti " o spuntuni " ,"a rutta e ciavuli" , "o scogghiu e carrabbineri " ed ecco l'imboccatura del porto piccolo. A questo punto come nelle sequenze di un film a colori passeranno davanti ai mostri occhi, stupefatti da tanta bellezza le seguenti località in ordine di successione: " i scogghi longhi" , " l'isula e cani" , " u casteddu " che con "maassaliveri " segnano l'ingresso al Porto Grande. Subito dopo " i rivi bianchi " , " i balateddi ", "punta u falcuni.", " a caledda" , " a pillirìna " , " a tavessa " , " punta a tavula ", " cala e cirasi" , " u giganti ","punta e pisci " , " rutta o funnu ", " punta navi " , " morru i porcu ","robba lensi", "u vanchiteddu"," u priricaturi,", "i palazzeddi ", " u suggituri " , " i salini " ," Capu meli ", " i rutticeddi " , " a ciacca "," terrauzza", " punta niura ","caccara" ," turri i milocca " con la vicina ìsoletta , " a vaddiola", "a rinedda" ," u lasparanu" ","asparaneddu ", ' u scivulu ", " ognina", " punta e ognina ", " petra o corvu ", " timpaudi ","punta o caricaturi"," tunnara vecchia " e dulcis in fundo, Fontane Bianche con le sue sorgenti di dolci e limpide acque.
II nostro compito è finito,vi abbiamo suggerito cinquantanove località per cinquantanove felicissimi week - end.
Buon divertimento.

Mario Fontana
La Nuova Gazzetta 18/1/1970



Sulle estemporanee
 
Egregio direttore,
estate dopo estate fioriscono ovunque le estemporanee di pittura; ma da qualche tempo hanno preso un ritmo a dir poco vertiginoso.
Da Brucoli a Marzamemi, da Mascali a Priolo, solo per citarne alcune. E se è vero che il richiamo turistico che esse comportano è notevole, ciò non ci distrae dal pensare che l'arte è una cosa seria e spesso le estemporanee di pittura non lo sono affatto e per vari motivi. Infatti, quasi tutti gli organizzatori di tali manifestazioni fanno salti mortali per contornare la gara artistica, perchè di gara si tratta, di un clima festaiolo tipo sagra paesana, con tanto di orchestra, tanto di ballo e, dulcis in fundo, tanto di spaghettata per ritemprarsi dalle fatiche le quali, tutto sommato, permettono a molti di loro di trascorrere i giorni dellà calura in prossimità delle fresche acque delle nostre amene spiagge; contenti dei soldini che sono riusciti a far sborsare ora a un ente pubblico ora a una ditta privata, per non parlare dei contributi versati da ogni pittore partecipante, sotto forma di iscrizione.
Il pubblico, come sempre, sconosce tutti i retroscena che fanno da sfondo a questo tipo di gara artistica che, purtroppo, rassomiglia alle pizze in scatola: pronte da infornare e cotte in un fiat.
La gente, si sa, apprezza o disprezza le opere esposte e va via contenta o scontenta di ciò che ha visto. Ma per il pubblico ha veramente poca importanza conoscere i nomi degli organizzatori, della commissione giudicatrice, degli enti benemeriti e di quanti altri hanno sborsato fior di quattrini? A nostro avviso, la gente che assiste a una manifestazione del genere non sa, non perché non vuole sapere, ma perchè non gli si da la possibilità di sapere. E' da tener presente che in quasi tutte le stemporanee non vengono distribuiti cataloghi.
Sarebbe corretto quindi, esporre ai pubblico, assieme alle opere, due cartelloni scritti a lettere cubitali con i nomi degli organizzatori, i nomi dei componenti la giuria, l'elenco di tutti i contributi reperiti, l' elenco delle spese sostenute e l'ammontare dei premi. Infine, le firme leggibili di tutti i re-sponsabili.
Dopo tutto, se i quattrini vengono da un ente pubblico, sotto soldi di tutti; se vengono da privati cittadini e dalle quote di partecipazione versate dagli artisti espositori è giusto che tutti sappiano dove e come vengono spese le somme richieste e ottenute in nome dell'arte.
E non basta che queste cose siano scritte in quaderni di appunti conservati nel buio di un cassetto. Le estemporanee si fanno alla luce del sole e tutto ciò che ne fa parte dere ricevere la stessa luce. Naturalmente, non per mancanza di fiducia verso i benemeriti organizzatori, ma per essere in linea con i desideri del pubblico di cui ci facciamo portavoce.

Ma a proposito di giurie, vogliamo ricordare ai benemeriti organizzatori che la maggior parte dei pittori da che mondo è mondo, appartengono alle folte schiere degli autodidatti, pertanto, se per fare da "zavorra", come spesso si sente dire, o per riscuotere le mille-duemila lire (0,50 - 1,00 euro n.d.r.) di iscrizione se ne invitano sino a duecento in una sola estemporanea, ci sembra logico che nella giuria ci sia almeno un loro rappresentante per osservare e per contenere le manovre, almeno quelle visibili, dei cosidetti professionisti.
Se queste giuste riforme non saranno attuate, nelle prossime estemporanee di pittura, si aggraveranno sempre più i dissensi e sempre più spesso si dovrà ricorrere alla polemica arroventata, come è successo recentemente, in un concorso nazionale di pittura estemporanea, dove un manipolo dì pittori autodidatti decise, ma fortunatamente non attuò, di fare un falò di tutti i quadri esposti per contestare le discutibili decisioni della giuria e per protestare contro gti organizzatori i quali, per mancanza di spazio, non esposero molti quadri (di bravi pittori o di mezze cartucce non importa) ma che erano stati regolarmente invitati, e avevano pagato la quota di partecipazione richiesta.
Incredibile, se si pensa che sarebbe stato più corretto invitare meno artisti e non centottantasei con due opere ciascuno in un locale capace di contenere a stento e con molta buona volontà un terzo dei circa trecento quadri accettati. Ma un altro lato che il pubblico deve conoscere è quello della adesione a tutte le estemporanee, da parte dei professionisti del pennello, mentre gli stessi rifiutano sdegnosamente ogni partecipazione a mostre " collettiv" anche con i più qualificati pittori autodidatti. La spiegazione di questo fenomeno è lapalissiana. In una collettiva d'arte i signori professionisti fanno appello e sbandierano prestigi, confronti, paure di perdere certi privilegi, posizioni raggiunte. Insomma, sono presi e mostrano di essere presi da una paura che noi generosamente vogliamo definire metafisica, perché diversamente mostreremmo di prenderli veramente sul serio.
Ma quando si tratta di partecipare ad una estemporanea di pittura, gomito a gomito con centinaia di autodidatti e, come spesso avviene, anche con i più squallidi ditettanti, allora, fanno presto a mandare alla malora i loro inqualificabili prestigi e a tuffarsi in una estemporanea sicuri del " do ut des" che da anni si ripete ripetutamente in ogni manifestazione del genere. Per troncare definitivamente questo stato di cose proponiamo di abolire i premi in danaro, le coppe, le medaglie, tutto. Un unico premio: la segnalazione delle opere meritevoli. Inoltre si dovrebbe limitare il numero dei partecipanti a un massimo di venti dando loro un eventuale rimborso spese, di volta in volta stabilito in anticipo, a seconda dei contributi reperiti; fermo restando l'esposizione dei due cartelloni sopra descritti.
Finiamola dunque, una volta per tutte, di sbandierare inesistenti glorie; finiamola col "do ut des" annuale imbastito ai danni di decine e decine di autodidatti e di amatori d'arte. Finiamola di vivere la provincia dell'arte. Finiamola con le sette e i settari, i circoli chiusi, i trapezi pericolosi. Diamo all' arte quell' aureola di nobiltà che nessun mortale dovrebbe mai osare di calpestare. Fatti come quelli che abbiamo registrato in questi ultimi tempi sono degni di lievitare nelle più squallide bidonville e non in una città degna di gloria e di arte come Siracusa.
In fin dei conti sappiamo benissimo chi è l' arrosto e chi è l' insalata. E siamo più che mai convinti che per essere un vero artista non basta possedere la patente di maestro d' arte, non è sufficiente la conoscenza a menadito della storia dell' arte e della tecnica prospettiva: tutte cose utilissime ma non determinanti; servitù che rimangono nel cervello e sulla carta se chi ne è in possesso non sa convertirle in fattore creativo. Così come siamo convinti che chi possiede la patente d' arte, più che all' autodidatta, occorre maggiore umiltà. Dopo tutto la patente deve servire per illuminare gli altri e non se stessi. Il destino del patentato in arte è quello di vivere di luce riflessa.

MARIO FONTANA
L' Eco di Sicilia 7/11/1970